France dans Loxias
Articles
Loxias | Loxias 3 (févr. 2004) | Doctoriales
Littérature et interculturalité : exemples de scénarii initiatiques (romans de Le Clézio et de A. Brink)
Ce travail se propose de mettre en résonance deux textes littéraires dont les auteurs appartiennent à deux univers géo-culturels distincts : Jean-Marie Gustave Le Clézio, auteur français et André Brink, écrivain sud-africain. Nous avons choisi de nous intéresser au thème du parcours initiatique, rassemblant ces deux récits autour de cet invariant commun : préparation, épreuves, mort initiatique, renaissance sont les grandes phases de l’initiation.
Résurgence de la figure du bouc émissaire : série policière de Daniel Pennac
“Selon W. H. Auden, l’attrait du roman policier, comme celui de la tragédie grecque, « provient de la dialectique de l’innocence et de la culpabilité »1. À partir du jeu sur les péripéties et reconnaissances défini par Aristote dans La Poétique, le critique met en écho les structures dramaturgique et policière. Il définit ainsi six étapes inhérentes au roman policier : l’état de paix antérieur au meurtre, l’homicide qui rompt cet équilibre, les faux indices et crimes secondaires, la solution, l’arrestation du meurtrier et l’état de paix qui s’ensuit. Par conséquent, le châtiment du coupable apparaît comme la condition sine qua non de la restau...”
Loxias | Loxias 15 | I. | 2.
Contribution à l'étude de la prose moliéresque : l’exemple de L'Amour médecin (1665)
“Malgré l’ouvrage fondateur de Maurice Pellisson paru dès 1914 et intitulé Comédies-ballets de Molière1, la critique moliéresque consacrée aux pièces avec musique s’est longtemps complu dans un texto-centrisme dévastateur, comme le montre de façon exemplaire l’introduction de L’Amour Médecin dans l’édition de 1965 destinée à l’enseignement secondaire : Un fait est à retenir, c’est que Molière, en dépit des allégations de son Avis au Lecteur, a supprimé dès qu’il l’a pu la partie musicale de l’œuvre, et qu’elle n’a presque jamais été reprise depuis. Cette suppression est significative. Dans ...”
Loxias | Loxias 19 | Programme d'agrégation
Le monologue dans le théâtre sérieux de Rotrou. L'exemple d'Antigone, Le Véritable Saint Genest et Venceslas
Affirmer que Rotrou n’aime pas le monologue dans le théâtre sérieux serait inexact car la forme monologuée y acquiert la valeur irremplaçable d’une trace ou d’un rêve. Trace d’un temps d’avant la faute, où la raison humaine était le lumineux reflet du divin ; et rêve nostalgique, à la fois d’un possible dialogue avec soi-même et d’une volonté conduisant l’impulsion héroïque, mais rêve que le dramaturge sait transformer en espoir. Le monologue dans le théâtre de Rotrou inscrit, grâce à l’ironie subtile qui l’habite, en même temps que les vains efforts de la raison corrompue, la clarté et la plénitude que lui apporte la transcendance.
Loxias | Loxias 26 | Travaux et publications
Huysmans : politique et religion
“Paris, Éditions Classiques Garnier Coll. "Études romantiques et dix-neuviémistes", 4, 2009, 440 p. ISBN : 978-2-8124-0053-7 - Prix : 68 € « La démocratie fait croire en Dieu » (Huysmans, Carnet vert, p. 32, vers 1890) « On est vraiment mieux sous le régime républicain, tout de même ! 89 et 93 ont servi à quelque chose !… » (Huysmans, interview à la Petite République, 31 janvier 1905) ...”
Serge Pey et l’Internationale du rythme
“L’Atelier des Brisants / Dumerchez, 2009 ISBN : L’Atelier des Brisants 978-2-84623-098-6, Éditions Dumerchez 978-2-84791-122-0 35 € Serge Pey figure parmi les plus grands inclassables de l’art contemporain. Plasticien, installateur, poète, théoricien de la performance, ingénieur de pièges à infini, inventeur des marches de la poésie et de chantiers d’art provisoire, rythmeur, oralien de situation, dialecticien du chaos et anartchiste : il est le fondateur de l’Internationale de la philosophie directe. ...”
Loxias | Loxias 26 | Doctoriales VI
La femme scandale dans le théâtre français du XXe siècle : représentations d’une sexualité féminine transgressive
La multiplicité des crises traversées par la France des années 1940 à 1960 entraîne un durcissement de la morale ; le besoin de stabilité ressenti a pour conséquence la mise en avant de valeurs telles que la famille. La sexualité féminine doit donc se limiter au cadre du mariage et à la procréation ; tout écart est alors considéré comme une transgression, et est réprouvé. Le théâtre, reflet de la société, s’empare de ce sujet délicat et le traite de diverses manières : la sexualité de la femme est tour à tour ridiculisée, condamnée ou au contraire libérée. Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre, Marcel Aymé et Jean Genet, quatre dramaturges illustres, dont les pièces firent régulièrement scandale, ont mis en scène des personnages féminins à la sexualité jugée déviante : nous verrons pourquoi, à rebours du jugement sévère de la société, ces auteurs sont fascinés par ces femmes qui incarnent une forme de marginalité et de liberté.
Stratégies d’écriture et émergence d’un écrivain africain dans le système littéraire francophone. Le cas d’Alain Mabanckou
La théorie du champ, telle que systématisée par Pierre Bourdieu, ne permet pas de définir objectivement l’approche des littératures francophones émergentes. À la place de la notion de « champ », la critique actuelle a préféré « système littéraire francophone ». L’objectif du présent article est de montrer comment un écrivain francophone, en l’occurrence Alain Mabanckou, prix Renaudot 2006, se positionne dans ce système littéraire francophone. Il s’agit de s’interroger sur les stratégies d’écriture et auctoriale adoptées par l’auteur pour obtenir et asseoir son capital. Si, pour une bonne part, la réception d'un auteur résulte de la dynamique du champ intellectuel où son œuvre prend place et des luttes symboliques qui s'y livrent, la position que ses livres peut avoir dépend aussi des réservoirs sémiologiques dans lesquels il puise sa poétique.
Fatou Diome : la déconstruction des mythes identitaires
La prise de parole des écrivains africains s’explique, du moins dans les œuvres pionnières, par le souci de rétablir la vérité historique. Toutefois, bien que cette mission ait contribué à la reconnaissance d’écrivains et d’œuvres désormais classiques, la marche des sociétés africaines vers la modernité suscite des interrogations sur les enjeux pertinents du discours littéraire africain francophone qui désormais se développe en deux tendances ; d’une part la production élaborée sur le continent, d’autre part, les textes produits par des écrivains migrants installés dans les anciennes métropoles. Fatou Diome fait partie de la seconde catégorie d’écrivains. De son premier recueil de nouvelles La Préférence nationale (2001) à sa plus récente publication, Inassouvies, nos vies (2008), Fatou Diome articule son œuvre sur la question de l’immigré en situation de redéfinition de soi. Il s’agit, dans cet article, d’interroger l’œuvre de notre romancière du point de vue de la « scénographie », entendue comme situation d’énonciation que s’assigne l’œuvre, celle qu’elle présuppose et qu’elle valide en retour. À travers les catégories du personnage, de l’espace et du temps, il s’agira de positionner le discours de Fatou Diome dans le champ des lettres africaines francophones comme un discours de déconstruction des conceptions identitaires en tant qu’enracinement et différence.
L’Orestie d’Eschyle à travers le prisme d’Olivier Py
Le travail que nous proposons est une analyse du spectacle de l’Orestie d’Olivier Py. Regardant le tableau complexe de la mise en scène, nous allons tenter de décrypter les signes visuels et dire comment le metteur en scène a interprété le texte d’Eschyle. Il s’agit de faire converger le texte ancien et la mise en scène contemporaine pour dévoiler la vision qu’Olivier Py porte sur l’œuvre. La mise en scène d’Olivier Py constitue un axe de lecture particulièrement intéressant de l’Orestie étant donné que l’artiste est réputé pour son univers surthéâtralisé.
Loxias | Loxias 27 | I. | Beckett
Préface
La revue Loxias reprend, dans la publication présente, une journée d’études consacrée à Beckett en 1999. Quatre communications avaient alors été prononcées (Michel Lioure, Jean Émelina, François Thierry, Marie-Claude Hubert), auxquelles s’ajoutent aujourd’hui les articles d’Arnaud Beaujeu et de Geneviève Chevallier.
Les objets dans En attendant Godot et Fin de partie
“ Comme dans les toiles de certains vieux peintres les objets se mettent eux-mêmes à parler. A. Artaud, « Lettres sur le langage », dans Le Théâtre et son double Le théâtre de Beckett est-il, par certains aspects, fidèle aux idées d’Artaud ? L’amoindrissement et le délabrement du discours, la part croissante accordée à la gestuelle et à la mise en scène, entièrement substituées au langage dans les Acte(s) sans paroles, autoriseraient le rapprochement. Conformément à la pensée et selon les expres...”
Samuel Beckett et le tragique (En attendant Godot, Fin de Partie)
“ Il s’en faut de beaucoup que le tragique soit mort avec la tragédie. Du XIXe au XXe siècle, sous la poussée des révolutions politiques et esthétiques, celui-ci se transforme, s’embourgeoise, se démocratise, s’intensifie et irrigue tous les genres. Le drame romantique, l’opéra, la poésie, la peinture, le roman, le cinéma disent jusqu’à nos jours, dans une multitude d’œuvres et sous des formes multiples, les malheurs exceptionnels et extrêmes, réels ou imaginaires, de personnages ou de peuples : Atala, Aïda, Les Fleurs du mal ou Madame Bovary, Le Massacre de Scio et Guernica, Pas d&#...”
La perception du temps dans En attendant Godot et Fin de partie
“Quand Hamm s’inquiète de savoir si Clov et lui ne sont pas en train de signifier quelque chose, Clov ricane : Clov – Signifier ? Nous signifier ! (rire bref) Ah elle est bonne !Hamm – Je me demande (Un temps) Une intelligence revenue sur terre ne serait-elle pas tentée de se faire des idées à force de nous observer ? (Prenant la voix de l’intelligence) Ah, bon, je vois ce que c’est, oui, je vois ce qu’ils font (Clov sursaute, lâche la lunette et commence à se gratter le bas-ventre des deux mains. Voix normale) Et même sans aller jusque là, nous-mêmes... (avec é...”
Jeux clownesques
“ Le corps parle, au théâtre, depuis les années cinquante. Sa mise en scène semble hanter bon nombre d’auteurs dramatiques européens. Ce corps, qui n’était antérieurement qu’un médiateur, émetteur d’une voix, support d’un costume, est devenu le sujet même de la pièce. Telle est la révolution dramaturgique qui s’est opérée sur la scène française, en ces années cinquante, comme nous l’avons longuement montré dans nos travaux antérieurs, notamment dans Langage et corps fantasmé dans le théâtre des années cinquante : Beckett, Ionesco, Adamov (Corti, 1987), grâce aux auteurs dramatiques de l’Avant-Garde, et qui s’est répercutée ensuite sur les s...”
Corps beckettiens
Les corps beckettiens, dans En attendant Godot et Oh les Beaux jours, offrent le spectacle d’une souffrance et quelquefois d’une violence triviales et cathartiques. Corps grotesques exposés au réel le plus cru, morcelés, mutilés, jusqu’au creux de leur chair, ils témoignent à vif d’un trauma plus profond, dont l’auteur montre les vertiges, à l’envers de la forme évidée. Car c’est par un travail de défiguration du corps comme de la langue que Beckett fait voler en éclats le carcan des frontières organiques pour qu’en porosité s’invente une nouvelle corporéité, dans laquelle c’est l’informe et c’est l’inachevé qui libèrent un souffle mourant, originel.
Le gai savoir de Winnie
Winnie, personnage central de Oh les beaux jours, s’enfonce peu à peu dans un tas de sable, et n’occupe plus guère ses journées qu’avec les quelques objets qui lui restent et les histoires qu’elle raconte à son mari guère plus mobile qu’elle et qui reste caché derrière le mamelon. Bavarde pour rester en vie, Winnie ne cesse de répéter que le jour est beau et qu’elle n’a guère de raisons de se plaindre, et termine en chantant. Nous nous interrogeons sur cette allégresse déroutante en analysant le rapport de Winnie au « réel » et la fonction des histoires qu’elle raconte. Winnie is probably the happiest character of Beckett’s work. While we see her progressively buried deeper in her mound of sand, she keeps talking, smiling, singing, and repeating that things are wonderful and the day happy. We will analyse the elements that sustain her happiness, looking closely at the stories she tells and the way she relates to “reality”.
Loxias | Loxias 27 | I.
Images idiotes de Rimbaud
Il s’agit ici, à titre « récréatif » et sous forme de lettre à une jeune lectrice, de feuilleter l’album rimbaldien. De nous arrêter sur quelques unes des images (littéraires, picturales, photographiques, cinématographiques) que le « mythe de Rimbaud » a suscitées en abondance. À l’origine de toutes sans doute, cette « mandorle » – le mot est de Pierre Michon – qu’est le fameux « portrait ovale » d’Étienne Carjat, lequel a sans doute puissamment aidé à la séduction que n’a cessé d’exercer, sur les lecteurs et sur les artistes, le génie adolescent.
Poésie et genre littéraire: une application aux Poésies de Rimbaud
A partir d'une réflexion classique sur la notion de genre littéraire, et sur sa vérification en poésie, ce travail prend pour cible la poésie métrique de Rimbaud, et particulièrement le groupe des sonnets qui constitue un ensemble homogène dans toutes les éditions de ses Poésies. Ces textes ont des traits de fonctionnement communs, notamment mais pas seulement pour ce qui est du traitement du vers et de la strophe. Pour concrétiser ces observations, le travail proposé aboutit à l'étude détaillée du premier de ces sonnets « Vénus anadyomène ».
Loxias | Loxias 27 | II.
De l’usage des notes dans le Discours sur l’inégalité de Rousseau : récits de voyages et ethnographie
Le Discours sur l’inégalité a jeté les bases d’un système qui devait comprendre aussi l’Essai sur l’origine des langues et le Contrat social. Il repose sur un raisonnement de type anthropologique, qui prend en particulier pour exemple et pour hypothèse l’homme sauvage dont il a découvert les descriptions dans les récits de voyage qui circulent largement à son époque. Ces relations fournissent ainsi le matériau initial et la légitimation de ses spéculations. Mais il faut observer plus précisément l’usage que Rousseau fait de ces observations ethnographiques, et en particulier comment il les utilise dans son Discours : souvent en note, ces références anthropologiques affectent d’être secondaires alors qu’elles conditionnent l’équilibre de tout l’édifice.
Loxias | Loxias 29 | II.
André Mareschal, Tragi-comédies, La Généreuse Allemande (tome 1)
“La présente édition donne accès à une œuvre importante de l’âge baroque, publiée une seule fois en 1631 et jamais rééditée depuis, La Généreuse Allemande d’André Mareschal. Tragi-comédie pleine de fantaisie, elle présente un personnage principal toujours en mouvement, à mi-chemin entre Francion et Don Juan, qui accumule conquêtes et combats au cœur d'une scénographie complexe. À l’image de sa célébrissime préface, la pièce constitue un véritable manifeste en faveur de la dramaturgie irrégulière. ...”
Loxias | Loxias 30 | Doctoriales VII
Ut pictura poesis ou du symbolisme chromatique dans l’œuvre de Jean Giono
La démarche de cherchant de l’auteur repose sur une intuition, celle qui voit dans l’œuvre de Jean Giono les traces d’un ésotérisme aux sources multiples. La critique s’est déjà penchée sur une lecture du texte gionien comme une œuvre picturale. Il s’agit de comprendre dans cette étude comment Giono utilise ses propres convictions et croyances pour faire de son champ d’écriture un atelier où il va éprouver ses personnages, tester leurs aptitudes à évoluer et surmonter les épreuves (soigneusement pensées par Giono lui-même d’ailleurs) et de montrer comment l’utilisation des couleurs se met au service de cette recherche. La dynamique des couleurs chez Giono est loin d’être fortuite, elle est la manifestation de sa conception du monde qui l’entoure. Représentation onirique et vertu magique, la coloration du monde gionien, est finalement un indice que l’auteur offre aux profanes pour tenter de percer ses mystères. Sa Provence devient le décor flamboyant et coloré de ce processus de transformation qui agit sur les personnages mais aussi sur le lecteur et sur Giono lui-même. C’est dans une perceptive alchimique qu’il faut appréhender l’utilisation de la palette de couleurs qui va suivre. L’idée d’une influence alchimique dans l’œuvre de Jean Giono est apparue à la lecture de celui qui, comme en témoignent les ouvrages présents dans sa bibliothèque du Paraïs, connaissait parfaitement le sujet. Il ne s’agit pas de faire de Giono un apprenti-sorcier veillant sur sa marmite-athanor dans l’attente de la Pierre Philosophale. C’est une vision quasi junguienned’une transmutation subjective qui est présentée ici. Jean Giono is known for being such on extraordinary story taler able to create an imaginary writing universe. He knows how to develop characters into an over symbolizing Provence where colors are used as a painter would do. As far as the colors are concern we have chose an alchemical point of view to show an initiatory artistic and writing creation.
Entendre ou lire un récit dans La Paysanne parvenue du Chevalier de Mouhy
Dans le contexte des attaques portées contre le roman dans les années 1730, Mouhy, romancier prolifique à succès, dans son roman-mémoires La Paysanne parvenue (1735-1737), met en scène à plusieurs reprises la réception de récits. Il propose de la lecture des représentations contradictoires. Ces représentations dialoguent avec trois champs discursifs : les discours sur le roman, les traités pédagogiques et le langage de la sensibilité. Nous voudrions montrer ici que ces représentations, qui récupèrent l’ensemble des conceptions de la lecture disponibles dans la tradition littéraire comme dans les discours contemporains du roman, ne construisent pas un modèle ou une conception cohérente de la lecture, mais s’inscrivent dans une perspective à la fois apologétique, séductrice et romanesque : coexiste chez Mouhy la volonté d’inscrire les images de lecture dans un dialogue avec les débats contemporains, de séduire ses différents lecteurs et de tirer un parti romanesque des images de lecteurs qui circulent à son époque.
Le son du sonnet au XVIIe siècle
Face à l’extraordinaire essor que la poésie en musique connaît au XVIIe siècle, le statut du sonnet pose problème : en tant que forme originellement musicale, il devrait bénéficier de l’intérêt dont le siècle se prévaut pour la poésie lyrique. Toutefois, les contraintes morphologiques qui le rigidifient ne permettent plus de tirer partie de ses potentialités sonores. Quelques pratiques isolées nous rappellent néanmoins qu’il est avant tout son.
Le Doyen de Killerine : entre hasard et providence ?
Au XVIIIe siècle, où la matière romanesque expose une collusion privilégiée entre le hasard et le démiurge, l’œuvre prévostienne loin de déroger à la tendance, regorge de ces signes organisateurs du destin. Dans le Doyen de Killerine (1735-1740), le partage qui s’impose entre hasard malheureux et Providence met singulièrement en exergue l’existence des personnages, tributaire du caractère exceptionnel de la destinée romanesque. Dans une architecture du roman qui tend à organiser les apparitions du hasard comme une menace essentielle pour les personnages, le brouillage des repères tant actantiels que spatio-temporels la systématise. Dès lors, les opérateurs optiques et les occasions qui se font les alliés de l’arbitraire et du sort, la force des contradictions qui contraint les existences à envisager le retournement funeste d’un bonheur assuré rendent a priori toute prévention caduque. À travers l’intrusion répétitive du hasard, qui entre dans la composition d’épisodes parallèles, l’auteur nous éclaire sur la démarche de personnages soumis à l’imminence du destin.
Le schème du désordre à l’épreuve des textes romanesques de Marie Darrieussecq
Cet article se propose d’analyser le mode selon lequel opère le schème du désordre dans le régime de la fiction de Marie Darrieussecq. Dans la pratique textuelle de cette romancière, la discontinuité régit tous les éléments de la narration, notamment à travers la complexification de la voix narrative mais aussi, et surtout, dans l’hétérogénéité compositionnelle d’une écriture mêlant des matériaux de toutes sortes. La mobilisation de toutes ces ressources auxquelles s’ajoutent une ponctuation excessive et une gestion anarchique de l’espace textuel créent une prose haletante dont les contours restent flous et indéterminés. L’objectif d’une telle turbulence est de contester les grands récits fondateurs et d’ouvrir les romans pour en libérer des potentialités insoupçonnées. This article is an analysis of the way disorder view is presented in Darrieussecq fictious regime. In this novelist’s textual practice, there is a kind of discontinuity in all the narrative items, particularly through the complex of the narrative voice as well as the assorted handwriting using together devices of every sorts. The mobilization of all these resources combined with an excessive punctuation and the textual space mismanagement cause a panting prose with blurred and undetermined outlines. The aim of such a turbulence is to contest the great founding writings, to open novels and set the unsuspected potentialities free.
Les répercussions du voyage de retour sur la représentation du Nouveau Monde entre 1890 et 1945, ou Comment un non-lieu déréalise un lieu
En 1890, le front de colonisation s’achève et le visage de l’Amérique se métamorphose. À partir de cette date-là jusqu’en 1945, les écrivains européens en profitent pour redécouvrir l’Amérique. Ce nouvel exotisme est fortement influencé par le retour sur l’océan Atlantique en paquebot qui les pousse à évoquer ce « nouveau » Nouveau Monde et à le symboliser avant même de l’écrire. Cette sublimation est primordiale pour mieux comprendre la vision qu’imposeront ensuite ces voyageurs lettrés. In 1890, the frontier had been tamed and the face of America was transforming. From this date on, up to 1945, European writers took advantage of the phenomenon to rediscover America. This new exoticism was heightened by the return to the Atlantic in Ocean liner; a crossing which urged them to evoke this “new” New World and to symbolise it before writing. This sublimation is of primary importance to better understand the vision which these well-read travellers will then imposed.
La ponctuation dans quelques manuscrits de David Aubert
La ponctuation médiévale est un champ de recherche longtemps dédaigné, mais depuis plus de trente ans en plein essor grâce aux travaux pionniers de C. Marchello-Nizia, et à de nombreuses contributions des médiévistes. Toutes ces études pourraient laisser penser que la caractéristique de la ponctuation des textes anciens réside dans la singularité de chaque version manuscrite, car les signes de ponctuation de plusieurs versions d’un même texte ne sont jamais complètement identiques. D’ailleurs, les signes de ponctuation sont, au Moyen Âge, plus polyvalents que monovalents. C’est sans doute cette polyvalence qui donne l’impression que la ponctuation médiévale est incohérente. En conséquence, face à la plurifonctionnalité et au caractère irréductible de la ponctuation médiévale, la plupart des philologues éditeurs de textes, qui ne peuvent avoir recours à aucun manuel de grammaire, ni à aucun manuel de ponctuation spécifique, préfèrent la remplacer par la ponctuation contemporaine ou modifier la place et le nombre des paragraphes du texte original afin de faciliter la lecture. Basée sur trois manuscrits de David Aubert, notre étude a pour objet de dégager des tendances homogènes et hétérogènes ou même de mettre en évidence le sous-système propre à David Aubert, copiste de Philippe le Bon.
Le rôle politique des femmes dans Aliscans
Au XIIe siècle, le royaume de France est une société qui cherche un nouvel équilibre ; peu à peu, les règles féodales se codifient et contribuent à la lente formation d’un nouveau corps qui ne sera pleinement constitué qu’au XIIIe siècle : la noblesse. Tandis que le droit gagne progressivement la France depuis son berceau italien, où l’on redécouvre et l’on glose les textes du droit romain, la théologie politique – notamment à travers le Policraticus de Jean de Salisbury – accroît son influence et fait du roi le « ministre de Dieu ». L’épopée constituant un terrain très propice à la célébration des valeurs et idées collectives, elle s’enrichit de ces thèmes et de leurs problématiques inhérentes. C’est ainsi que des chansons de geste telles qu’Aliscans présentent, en plus de leurs intérêts proprement littéraires, des enjeux juridiques en lien avec les préoccupations de l’époque qui les a vu naître. Le poète ne se contente évidemment pas, dans sa chanson, d’une simple transposition du droit en vigueur ; il va plus loin en plaçant les femmes au centre de la scène juridique et politique du récit qu’il développe. Ainsi, de La Chanson de Guillaume à Aliscans, le personnage féminin acquiert une autonomie, une consistance et une influence que l’on peine à retrouver dans d’autres genres littéraires du XIIe siècle et qui sont très largement absentes de la littérature renaissante.
De l’espace à l’étendue. L’évolution de l’imaginaire spatial dans l’œuvre de Saint-Exupéry
L’espace chez Saint-Exupéry refuse la définition de « décor » et plus encore celle de « paysage », tout en gardant un lien fort avec les lieux concrets qui sont des repères pour l’homme. L’espace parcouru, connu dans sa matière, se révèle surtout à travers le dynamisme de l’imaginaire de l’auteur. D’après Bachelard, l’intérêt pour Saint-Exupéry « résidait dans la poétique des matières et des dynamismes ». L’espace devient le leitmotiv de son œuvre entière, ce qui nous a guidés dans la tentative d’illustrer l’évolution que celui-ci subit. Il s’agit d’un parcours pour ainsi dire « en spirale », soutenu par un tissu d’images qui s’alimente du contact avec les éléments du réel et au même temps qui tend vers une dimension transcendante, voire symbolique. Space is the privileged topic in the works of Saint-Exupery; it provides the material of the text, gives it its vitality and mobility. While speaking in spatial terms, the poetic of Saint-Exupéry feeds this foundational element that is far from being a mere decoration, much less a middle of action. The space here is filled with elements of increasingly personal and emotional, so we could define it a device key that opens access to meaning. Amorphous material space invites to give it a mark by transforming it into genuine human space.
L’Ève Future ou le manifeste symbolique du mythe de l’éternel retour
Dans la fabrication de l’Andréïde, une Ève nouvelle décalque de la vivante Alicia Clary dont la perfection n’égale que la bêtise, Thomas Edison s’emploie à rectifier et même à surpasser la Nature. Ce désir de reproduction des apparences du modèle vivant pour atteindre l’œuvre idéale ancre au cœur du roman une réflexion sur les problèmes éthiques et artistiques liés à l’imitation. En croisant le sujet de l’œuvre et le projet artistique recherché par Villiers de l’Isle-Adam, l’analyse se donne pour objectif d’offrir une relecture de L’Ève Future en tant que manifeste symbolique du mythe de l’éternel retour tel qu’il est défini par Mircea Eliade. Avec comme thèmes abordés, la problématique du double et de l’unité rompue, de l’imitation au sens de pure reproduction de la Nature, de l’illusion qu’elle engendre comme du châtiment qu’elle appelle, cet article se propose d’étudier comment, à travers la création d’une Ève nouvelle, Villiers de l’Isle-Adam s’interroge sur la réelle possibilité d’une œuvre nouvelle.
À propos du film Éclipse totale (Rimbaud Verlaine) : auctor in fabula
Le présent article est issu d’un exposé préparé à l’occasion du séminaire de Master 2 de M. Paul Léon, à l’Université de Nice Sophia Antiplois, autour du film d’Agnieszka Holland : Éclipse Totale (Rimbaud-Verlaine). Autour de trois lieux communs : le poète vagabond, le poète « génial » et le poète prophète, cette étude tente d’approcher la complexité des connexions entre les « mythographèmes » semés plus ou moins consciemment dans l’œuvre et la biographie des deux poètes, subjectivement relayés par les lecteurs, et ici par l’écriture cinématographique.
Duras à l’écran dans Cet amour-là : « Lost in translation »
Contribution au séminaire de Paul Léon (CTEL) sur « la représentation de l’écrivain à l’écran », dans le cadre du master de Lettres de l’Université de Nice, cette étude de l’adaptation cinématographique par Josée Dayan du livre de Yann Andréa, Cet amour-là, crédite le film de ne pas masquer ses propres limites : à travers la vision lénifiante d’un couple déchiré qu’il propose, et la personnalité éclatante que Jeanne Moreau prête à l’écrivain, le film manque l’essentiel et ne le cache pas, nous laissant devant le seuil de la chambre noire où l’œuvre s’élabore. Yann Andréa lui-même administre la preuve vivante des sortilèges d’une écriture hantée par la passion : lecteur fasciné, privé de nom propre, habité jusqu’à l’osmose et la ventriloquie par les personnages durassiens, il représente un cas limite de déréliction littéraire dont son livre porte témoignage avec sincérité.
Sartre, l’âge des passions, le couple Sartre-Beauvoir à l’épreuve du petit écran
Sartre, l’âge des passions : le téléfilm de Claude Goretta, étudié dans le cadre du séminaire de Master 2 de M. Paul Léon (CTEL) « Mythographies de l’écrivain », à l’Université de Nice Sophia-Antipolis, donne à suivre dans les années charnière 1958-1964, et plus de vingt ans après la mort de chacun des partenaires, le couple d’intellectuels français le plus célèbre de son siècle. Le film oscille entre réalité et mythe, nourri tout à la fois des témoignages autobiographiques des deux auteurs et des souvenirs des scénaristes qui les ont fréquentés, de documents d’archives, mais aussi des fantasmes – et désir de voyeurisme – de l’imaginaire public. Peut-il en aller autrement dans le cadre d’un cinéma populaire ?
Loxias | Loxias 31. | I. | Montaigne: livre I des Essais
Montaigne et les prières : sur le chapitre 56 du premier livre des Essais
Ce chapitre 56, intitulé « Des Prières », est l’avant-dernier du premier livre des Essais. Il traite d’un sujet important : la religion. Généralement, lorsqu’on parle de religion ou de croyance dans les Essais, on examine plutôt, non sans raison, le chapitre 12 du livre II, « Apologie de Raymond Sebon ». Mais, outre que le programme d’Agrégation ne retient cette année que le livre I, ce chapitre 56 évoque un aspect particulier de la vie religieuse : ses pratiques, et notamment celle de Montaigne lui-même, ce qui ne revient pas toujours au même que de traiter des croyances et des idées.
Le pourceau de Pyrrhon et le cardinal Borromée. De la douleur, à partir de l’Essai I, 14
L’Essai I, 14 « Que le goust des biens et des maux depend en bonne partie de l’opinion que nous en avons » est consacré à trois thèmes qu’il annonce : douleur, mort, argent, et qu’il traite dans un ordre différent : mort, douleur, argent. Je n’aborderai ici que le second, la douleur, comprise dans ses aspects corporels et non psychiques (excluons les deuils et souffrances affectives).
De quelques effets de deixis dans le livre I des Essais
“C’est un exercice périlleux de prétendre s’intéresser à l’écriture des Essais. Il est bien connu que Montaigne a découragé d’avance les meilleures volontés du monde : Je sçay bien [dit-il] quand j’oy quelqu’un qui s’arreste au langage des Essais, que j’aimeroye mieux qu’il s’en teust. (40, p. 251) Peut-être ferais-je donc mieux de ne pas m’aventurer dans cette voie interdite. Pourtant, au risque de « déprimer le sens » des Essais, je m’attacherai à l’une des caractéristiques les plus frappantes de l’écriture de l’œuvre, celle qui consiste ...”
Les Grands Hommes dans le livre I des Essais
Qu’est-ce qu’un grand homme ? Cet article analyse le modèle des « grands hommes » dont la tradition remonte à l’Antiquité et à l’usage des exempla. Le Livre I dessine une conception de ces figures, qui pourra être différente dans la suite des Essais, et qui repose sur des qualités emblématiques parfois définies par défaut.
Loxias | Loxias 33 | I.
« Être c’est dire », le silence dans l’œuvre dramatique d’Edmond Rostand
Dans l’œuvre d’Edmond Rostand, comme dans celle de ses contemporains, la mise en scène du silence est remarquable. Afin de comprendre le rôle que cette thématique y revêt, la présente étude remonte aux sources du silence dans l’imaginaire rostandien. À la base, le silence présent dans l’œuvre évoque les peurs secrètes d’un jeune auteur dramatique. Le mutisme revêt alors un aspect peu rassurant chez Edmond Rostand. Il semble être la preuve d’une montée de l’aveuglement et de l’ignorance chez les personnages. Le goût de l’auteur pour le théâtre, médium de l’éloquence, s’explique lorsque l’on comprend que, pour Edmond Rostand, le fait de dire permet d’appréhender l’univers et d’exister. In Edmond Rostand’s work, like that of his contemporaries, the staging of silence is remarkable. In order to understand the role this theme takes on in his work, the present article goes back to the origins of silence in Rostand’s imagination. The notion of silence present in his theatre, is reminiscent of the secret fears of a young playwright. It is thus not a very reassuring theme and seems to represent blindness and ignorance in the part of the characters. The author’s natural taste for the stage, medium of eloquence, can be explained when understanding that, for Edmond Rostand, speech enables man to comprehend the internal mechanism of the universe and to exist.
Les paroles perdues de Vie secrète de Pascal Quignard
Comment musique, langage et silence se croisent dans Vie secrète de Pascal Quignard ? Le lien intrinsèque se manifeste lorsque la littérature pousse ses limites jusqu’à exprimer ce qu’elle ne peut dire. À cet effet, l’écrivain devient un « phonoclaste » rompant la voix immuable d’une longue tradition orale et le livre un « déserté de la voix » du collectif.
Poésie de l’éloge et éloge du silence : l’exemple de Du Bartas et du Saint-John Perse
Si la louange du monde s’accompagne d’un éloge du langage poétique et du poète magnifié, la hauteur du sujet interroge l’aptum de la rhétorique et met en péril l’élocution poétique. La poésie de l’éloge est en tension entre l’emphase du discours et le désir de n’être qu’une parole effacée devant son objet. La poésie devient alors une parole qui résiste au désir de se taire face à l’ineffable, une parole capable de se faire silence plein, notamment par un retour à l’immanence des choses terrestres. Du Bartas et Saint-John Perse, malgré les siècles qui les séparent, et des esthétiques si différentes se retrouvent sur ce point, et que leurs œuvres posent les mêmes questions et opèrent des choix similaires est symptomatique du caractère essentiel de leur questionnement. The world’s encomium is also a eulogy of the poetic language and of the magnified poet. Nevertheless, the importance of the subject questions the rhetoric’s aptum and jeopardizes the poetic elocution. Encomiastic poetry is in tension between the words emphasis and the temptation to be a silent speech in front of its object. Poetry becomes a speech which resists to the desire to dry up about the unutterable, a speech able to become a full silence, especially by a return to earthly things. Du Bartas and Saint-John Perse, despite the centuries between and also the different poetics, meet in this point, and the fact that both of their works question in the same way and find the same answers, reveals the essential dimension of this problem.
Le Silence du faune – note sur L’Après-midi d’un faune
Cet article cherche à analyser l’itinéraire d’écriture de L’Après-midi d’un faune, de Stéphane Mallarmé, de 1865 à 1876. Il s’agit en particulier de s’interroger sur la disparition de la scène qui, dans la première version de 1865, faisait paraître les deux nymphes poursuivies par les assiduités du faune – et qui finissent par lui échapper puisqu’il s’interroge sur leur existence. Cette disparition a une double conséquence : la première est la radicalisation du doute du faune quant à l’existence des nymphes (puisqu’elles ne font littéralement plus partie du texte, du moins comme personnages), la seconde est la transformation du monologue faunesque originel en un discours accueillant des séquences dialogiques. Notre hypothèse est que cette transformation affecte le genre même dans lequel le poème se produit, en altérant la forme classique de la parole lyrique, en direction, peut-être, de ce qu’il faudrait appeler (avec Alain Badiou, mais aussi avec Mallarmé lui-même) une « prose » incluse au poème. The aim of this article is to analyse the literary itinerary of L'Après-midi d'un faune, by Stéphane Mallarmé, between 1865 and 1876. It involves, among other things, discussing the disappearance of the scene in which, in the first version of 1865, the faun forces his attentions on the two nymphs – and they eventually escape from him. He's left alone, questioning their existence. This disappearance has a double consequence: the first one is the radicalization of the faun's uncertainty about the existence of the nymphs (since they literally no longer belong to the text, at least as characters), the second one is the transformation of the original monologue of the faun into a discourse that includes dialogical sequences. Our hypothesis is that this transformation affects the very genre in which the poem is written by altering the classical formal aspects of the lyric speech, thus maybe leading towards what should be called (with Alain Badiou but also with Mallarmé himself) a "prose" included in the poem.
Loxias | Loxias 34 | Doctoriales VIII
Le non-dit dans Point de Lendemain
Le « Non-dit dans Point de Lendemain de Vivant Denon » se propose d’étudier le jeu herméneutique auquel l’œuvre nous invite dès l’épigraphe empruntée à la Seconde épître aux Corinthiens de Saint Paul : « La lettre tue et l’esprit vivifie ». Cette épigraphe se présente comme le modèle interprétatif du texte, dont les significations multiples sont moins à rechercher dans ce que la « lettre » exprime que dans les silences qu’il appartient à « l’esprit » du lecteur de combler. Une énonciation subtile se met en place où le narrateur désolidarisé du personnage ingénu laisse des indices qu’il appartient au lecteur de retrouver. L’article étudiera tout particulièrement le rôle de la Comtesse de…, rôle voilé mais néanmoins central puisque son absence dans l’action du récit est contrebalancée par son omniprésence dans le discours des protagonistes, de sorte qu’elle apparaît comme le lien érotique indispensable entre eux. Et si le secret du jeu libertin était moins à rechercher dans le verbe séducteur que dans les silences du texte ? « The Unspoken in Point de Lendemain by Vivant Denon » examines the hermeneutic game that the story invites us to play from its very epigraph, taken from the Second Epistle of Paul to the Corinthians: « The letter kills, but the Spirit gives life ». This article advances the claim that the epigraph id a reader’s guide to the text, whose multiple meanings are to be sought not in what the text means, but rather in the textual silences the reader must interpret. By dissociating himself from the naïve protagonist, the narrator provides subtle clues that the reader must find. In particular, the article focuses on the role played by « la Comtesse de… » – a role at once veiled and nevertheless central – since her absence in the story’s action is counterbalanced by her omnipresence in the characters’ dialogues, in such a way that she becomes the necessary erotic link between them. What if the secret to the libertine game were to be sought not in its seductive discourse but rather in the silences of the text?
La représentation de l’exil chez Calixthe Beyala
Calixthe Beyala fait partie des écrivains expatriés pour qui l’exil, loin d’être synonyme de bannissement, de séjour obligé et pénible, représente au contraire un véritable salut. « L’exil résout beaucoup de choses […]. L’exil me donne la liberté qui m’est refusée, l’exil me donne la parole qui m’est refusée, l’exil est ma survie », déclarait-elle dans une interview qu’elle accorda à Emmanuel Matateyou en 1994. L’article se propose de montrer que cette vision de l’exil qui fait de Beyala une « victime de l’aliénation culturelle » a une incidence sur son écriture notamment sur le regard que ses personnages féminins jettent sur leur pays d’origine et l’espace d’accueil. Ainsi la France, pays d’exil pour la plupart des figures féminines, apparaît aux yeux de ces dernières comme un espace de refuge, et d’épanouissement. Calixthe Beyala belongs to those expatriate writers whose exile, far from being synonymous with banishment, forced and painful stay, represents on the contrary a real salvation. “Exile deals with a lot of things […]. Exile gives me freedom I have been refused, exile offers me the speech I have been denied, exile is my survival”, she stated in an interview to Emmanuel Matateyou in 1994.The intention of this article is to show that this vision of exile which makes Beyala a “victim of cultural alienation” has a direct impact on her writing, namely on the expression of her female characters give on towards their homeland and countries of refuge. Thus, France, country of exile for most female figures, appears to them as a land of refuge and emancipation.
Du tout au rien : impossibles désirs de Georges Bataille
Dans L’Expérience intérieure et Le Coupable, Georges Bataille tente d’échapper à deux impostures qui veulent faire passer la fragmentation essentielle à toute vie humaine pour une totalité : la religion et l’art. Après avoir révélé les affinités électives entre ces deux systèmes, il s’agit alors pour Bataille de trouver une expérience qui rende possible le passage de cette totalité illusoire à un rien analogue à une irrécupérable dépense. Malgré ses inévitables défaillances, l’écriture, qui déconstruit tout en construisant, semble permettre de vivre le paradoxe déchirant d’une totalité fragmentaire. In L’Expérience intérieure and Le Coupable, Georges Bataille attempts to escape two impostures that try to pass the fragmentation essential to all human life for a totality : religion and art. After having revealed the elective affinities between both systems, Bataille searches for an experience that would enable the passage from this illusory totality to a nothingness that would be analogous to an irretrievable expenditure. Despite its unavoidable failings, writing, which deconstructs while constructing, seems to enable the paradoxical experience of a fragmentary totality.
Rabelais poète : prose et vers dans les « romans » rabelaisiens
Dans les « romans » de Rabelais, vers et prose se confondent, si bien que G. Steiner a qualifié de « prose poétique » l’œuvre de Rabelais, ainsi l’écriture rabelaisienne peut être caractérisée comme une écriture de l’entre-deux, de l’entr’ouvert. La poésie dans l’œuvre de Rabelais n’a jamais été traitée pour elle-même par la critique. Ainsi, il reste à faire le point sur le domaine, car s’il existe un aspect des « romans » rabelaisiens fort peu exploré, c’est bien celui-ci : la question de la poésie. Nous verrons que la poésie dans les « romans » de Rabelais se donne à lire à deux niveaux : 1) formel, car la poésie est une forme définie par les règles de versification ; 2) sémantique, car la poésie est un langage doté d’un sens par l’intermédiaire de l’allégorie et du symbole.
Le port de Carthage dans l’Itinéraire de Chateaubriand et dans le Ragguaglio de Caronni
Une longue tradition attribue la découverte de l’emplacement exact de l’ancien port de Carthage, le Cothon, à M. de Chateaubriand qui en parle dans la dernière partie de son célèbre Itinéraire de Paris à Jérusalem (1811). Toutefois cette découverte est déjà présente dans le Ragguaglio del viaggio compendioso di un dilettante antiquario sorpreso da’ corsari condotto in Barberia e felicemente ripatriato (1805) œuvre, que Chateaubriand d’ailleurs connaissait, d’un abbé italien aujourd’hui presque oublié : Felice Caronni.
Quel sublime chez Bataille ?
On retient souvent de la querelle entre Bataille et Breton dans les années 1929 et 1930 l’opposition du matérialiste à l’idéaliste, de la désublimation à la sublimation. Le but de cet article est de repenser cette polémique et plus largement le rapport de Bataille à la sublimation, mais surtout au sublime, deux notions à distinguer, en prenant en compte l’évolution de la pensée de Bataille et en considérant son esthétique à la lumière de l’histoire du sublime, notion plus complexe que le sens courant d’élévation et de grandeur spirituelle ou morale dans lequel Bataille emploie à cette époque l’adjectif qui lui correspond, et qui, comprise dans son rapport à la terreur et au mal, peut permettre de caractériser l’esthétique bataillienne. Il apparaîtra ainsi que, si l’esthétique de Breton et celle de Bataille prennent des chemins très divergents, la première étant positive et constructive, la seconde négative et tragique, elles se fondent toutes deux sur une quête partagée, celle d’un sublime originel qui échapperait justement à la sublimation. One often remembers in the argument between Bataille and Breton in the late 1920s the opposition of the materialist against the idealist, of desublimation against sublimation. This article aims at rethinking this controversy, and more largely the relation Bataille had to sublimation, and mostly to sublime, to distinct notions. One should also take into account the evolution of Bataille’s thought, and consider his aesthetics under the light of the history of sublime, a notion more complex than the usual meaning of elevation and spiritual and moral greatness in which Bataille uses in his days the adjective best suited and which, once understood in this link between terror and evil, may allow one to characterize Bataillienne aesthetics. One will therefore realize that if Breton and Bataille’s aesthetics follow two very different paths, the former being positive and constructive, the latter negative and tragic, they both come from a shared quest, a quest for an original sublime which would precisely differ from sublimation.
Loxias | Loxias 34 | Travaux et publications
Casanova. L’écrivain en ses fictions
“Classiques Garnier, coll. L’Europe des Lumières, 2011. N° 9, 474 p., 58 € TTC ISBN: 978-2-8124-0288-3 L’écrivain rêvé de Casanova est une figure du dégagement. Le Vénitien veut communiquer ses idées, mais esquiver leur imputation ; écrire sa vie, mais éviter les conséquences de la reddition de compte et du dévoilement. L’écrivain en ses fictions, entre objet social, enjeu moral, instance imaginaire et figure impliquée par les textes, vise à comprendre la construction de cet écrivain éludant idéalement les identifications, son articulation avec une pensée et une éthique du « faire comme si », les relations entre l’...”
Loxias | Loxias 35 | I.
Maupassant, La Maison Tellier et autres contes
Ce travail veut être une sorte d’introduction à la lecture des Contes de Maupassant, notamment des Contes de La Maison Tellier. Le parti choisi pour guider les étudiants dans la lecture de ces textes a été de mettre en valeur les traits dominants de l’écriture de Maupassant touchant les lieux et l’espace, les formes de la temporalité, et les formes de la parole. Récit de choses, récit d’événements, récit de paroles, tels sont les points essentiels abordés par ce travail de description et d’analyse, et traités dans un constant aller-retour entre les cadres de réflexion et l’examen des textes.
Loxias | Loxias 35 | II.
Le Retour en avant. Michel Butor et le problème poïétique de la répétition
“L’Harmattan, 2011 ISBN : 978-2+296-56268-4 Ce livre a le mérite de vous faire vivre au rythme de ses idées. Après les phrases abruptes du début, devenues plus amples et plus explicatives par la suite, arrivent enfin les tournures virevoltantes et sereines d’une argumentation joueuse. Au fil des phrases, vous découvrez une pensée qui se cherche et se forme autour d’une affirmation paradoxale : la répétition peut être créatrice. Le faire artistique est un retour en avant. Le livre démontre la présence d’une importante composante répétitive dans le processus de création littéraire. Cette tentative s’appuie sur l’examen ...”
Le Roman idéaliste dans le second XIXe siècle. Littérature ou « bouillon de veau » ?
“Garnier, collection « Études romantiques et dix-neuviémistes », 2012, 323 p. ISBN : 978-2-8124-0353-8 Le naturalisme a assis son succès éditorial en combattant les romanciers idéalistes qui occupaient alors une solide position institutionnelle, et en les présentant comme des marchands de « bouillon de veau ». Curieux de juger sur pièces, l’auteur de ce livre s’est appliqué à relire les romans oubliés de Feuillet, de Cherbuliez ou de Delpit. Il définit leur place dans le champ littéraire, étudie la sociologie et les intrigues favorites de leurs fictions; il examine leurs positions morales, religieuses et politiques avant de s’interroger sur les contradict...”
Loxias | Loxias 36 | I.
Jean-Pierre Millecam, ou la permanence de l’épopée
“Les créations ou productions d’un authentique écrivain peuvent être appréhendées sous les angles les plus divers, artistique, philosophique, historique, sociologique, politique etc. : à propos du modèle éventuel des personnages de l’œuvre de Jean-Pierre Millecam, on lit dans Tombeau de l’Archange : « le portrait exprime non le modèle dans son inaliénable vérité, mais l’une de ses dimensions possibles […] nous ne sommes finalement qu’un jeu de possibles dont Dieu seul possède la clé qui pourrait en fournir la synthèse1. » Ce qui est vrai des personnages l’est de l’œuvre entière, étant entendu que ses multiples dimensions se tiennent et se conditionnent...”
Le « sens de l’humour » dans Les Aventures de Dassoucy
Les Aventures des voyages du sieur Dassoucy, annoncées dès 1670 et publiées en 1677, constituent le testament d’un poète et musicien dont les œuvres ont été reléguées durant trois siècles au « cimetière des livres oubliés », et y sont demeurées ensevelies longtemps encore après l’éloge vibrant de sa prose par Louis Aragon : « Avez-vous lu Dassoucy ? ».
Jean Cocteau et António Botto : de la difficulté à l’impossibilité d’être – ou l’homosexualité comme non-conformité tragique du désir
Comment connaître et reconnaître ce qui est différent ? Comment rendre reconnaissables des existences dites « différentes » du point de vue de la « doxa » propre à une société donnée ? Comment procéder à la relecture du « canon » littéraire face, en particulier, au défi des « gender studies » ? Sans oublier ce que les nouveaux paradigmes théoriques peuvent avoir d’hétérogène, les universitaires se doivent d’être attentifs à la notion de vulnérabilité qui semble inhérente à la reconnaissance ou à l’absence de reconnaissance littéraire d’un auteur. En donnant à voir ou à revoir des fragments de vie de deux « artistes maudits », Jean Cocteau et António Botto, elle s’efforcera de mettre en évidence la non-viabilité d’un modèle social et intellectuel inflexible. Elle témoignera de la manière dont la soi-disant « valeur d’un texte » peut servir d’argument sibyllin pour décourager toute recherche littéraire sur un auteur en dehors de la norme. Elle rappellera que la critique littéraire s’est souvent obstinée à faire écho à l’approche socio-politique dominante. Et que, comme cette dernière, la critique universitaire a souvent cherché à neutraliser le danger potentiel qui semblerait inscrit dans toute sorte de « marginalité ».
Loxias | Loxias 36 | II.
Le nom, la mémoire et l’oubli …
Texte publié en hommage à Bernard Vargaftig, disparu le 27 janvier 2012. Dans la mise en abyme des quatre récits en étoilede Vargaftig et Modiano, apparaissent les mêmes troubles d’identité, éclats du traumatisme, qui portent à s’échapper dans une écriture attenant, presque, à la « désidentité ». Contre l’étau qui se resserre, celui des fiches d’état civil ou celui d’une catégorie où l’on voudrait vous enfermer, qu’une seule solution : fuir. À moins qu’il ne s’agisse davantage de produire un certain nombre de faux-papiers, afin de mieux dissimuler une origine. Le vertige anonyme ouvre un gouffre entre soi et soi, un vertige-panique entre le nom de soi – l’ignorance de soi. L’écriture permet-elle de refaire « la liaison » – plus tard – avec ce que le silence a rompu ? Si la langue peut se construire comme une ruine de noms, dans la lumière des noms, alors Patrick Modiano et Bernard Vargaftig sont frères en écriture.
Loxias | Loxias 38. | Doctoriales IX
Rouge, blanc, noir dans La Fille Elisa : entre artifice architectural et mélancolie poétique
La Fille Elisa est le premier roman qu’Edmond de Goncourt rédige seul. L’on se propose de relire ici cette œuvre longtemps mise de côté par la critique, à travers le prisme des couleurs. Cet ouvrage souvent jugé mineur, où Edmond s’essaie seul à la fois comme architecte et coloriste, révèle une sémiotique des couleurs principalement organisée autour du rouge, du blanc et du noir. Ces trois couleurs participent pleinement à la composition poétique du roman et viennent à la fois confirmer et complexifier l’architecture binaire rigoureuse souvent soulignée par la critique, dans sa mise en regard symétrique de l’univers prostitutionnel et de l’univers carcéral. Nous montrerons comment le rouge, le noir et le blanc soutiennent la tentative de mise à mort du personnage romanesque opérée ici par l’aîné des Goncourt, en tant que romancier, mais aussi en tant qu’individu devant affronter la perte douloureuse de son cadet. La Fille Elisa is the first novel Edmond de Goncourt wrote alone. We intend to focus on the colours used in this novel criticism has kept aside for a long time. This book, often referred to as a minor piece of work and in which Edmond is for the first time both the architect and the colourist, reveals a colour semiotics mainly organized around red, white and black. The three colours greatly contribute to the poetical composition of the book. They confirm and at the same time enrich the rigorous binary architecture criticism often enhanced, by the symmetrical treatment of the prostitution and prison environments. Our analysis will focus on how red, black and white help with the attempt to kill the fictional character, that the elder of the Goncourt planned, as a novelist but also as a man who has just painfully lost his younger brother.
Verne lecteur de Zola : entre dégoût, rivalité et admiration
Malgré un certain nombre de points communs, Verne et Zola ne se sont jamais fréquentés. Verne n’ayant jamais vraiment appartenu à la sphère littéraire, Zola n’avait aucune raison de le rencontrer ou, plus simplement, de le considérer. Si les jugements de Zola sur Verne dévoilent beaucoup de dédain, ceux de Verne sont beaucoup plus nuancés. Confessant être un lecteur régulier des Rougon-Macquart, Verne attaque Zola dans les Voyages extraordinaires pour sa vulgarité. Pourtant, il montre dans sa correspondance une admiration pour Zola et, plus particulièrement, pour ses qualités de romancier réaliste. L’opinion de Verne oscille entre une rivalité naturelle à l’encontre d’un auteur qui le concurrence dans les librairies voire pour l’Académie, un dégoût tout bourgeois pour cet auteur qui traite de sujets bas et une admiration littéraire pour les « photographies défendues » que révèlent les Rougon-Macquart.
Le secret chez George Sand
Dans l’œuvre de George Sand figurent des secrets différents par leur nature individuelle ou collective, notamment dans le cadre d’une société secrète. Le secret est à analyser en fonction de plusieurs niveaux, celui du lecteur et celui des personnages, qui connaissent ou ignorent le secret. L’exemple du secret de Jeanne est un cas à part dans la mesure où le personnage est attaché à son secret. Ce dernier est par définition ce qui est caché. Le secret a son histoire dans Jeanne et Le Péché de monsieur Antoine. Selon la permanence du secret, par exemple dans La Comtesse de Rudolstadt, un personnage tel que Consuelo souffre. Par opposition, dans Gabriel, c’est le dévoilement de son secret individuel, à savoir son identité féminine, qui est facteur de souffrance. On saisira à quel point George Sand effectue des variations sur le thème du secret.
Paroles d’attente – Les modalités du fragmentaire dans L’Attente l’oubli de Maurice Blanchot
On examinera ici les différentes modes d’apparition du fragmentaire à partir d’un récit particulier, L’attente l’oubli de Maurice Blanchot en se référant à ses divers ouvrages théoriques. L’analyse sera introduite par la définition du fragment suivie de son classement dans la philosophie de l’auteur. L’essentiel est de démontrer que le fragment n’est pas à interpréter uniquement au niveau littéraire-syntaxique, mais peut être impliqué au niveau philosophique pour ne citer qu’un seul nouvel horizon. On le liera ensuite aux phénomènes comme la reformulation, la (non-) présence de Dieu, ou bien l’indicibilité. Au récit étudié sont en fin du compte attribuées des corrélations bibliques.
Littérature et paléontologie : une contribution double à la définition de l’Homme
Dans son roman intitulé Préhistoire, Éric Chevillard décrit la régression à l’état d’homme préhistorique d’un paléontologue déchu devenu gardien de musée. À l’opposé de cette métamorphose, Andrée Chedid, dans son œuvre intitulée Lucy, La femme verticale, imagine le récit de l’entrée en humanité d’un de nos tout premiers ancêtres. Le sens du voyage dans le temps auquel procède Éric Chevillard est à l’inverse de celui imaginé par Andrée Chedid. Pourtant, en confrontant l’homme moderne à la figure de l’homme ou de la femme des origines, les deux récits se rejoignent au sein d’un même questionnement sur le statut particulier du genre humain dans le monde et dans l’histoire de celui-ci.
Morales de la faim et stratégies d’écriture
La nourriture, vitale ou métaphorique, est un thème essentiel dans les Fables de La Fontaine, La Faim de Knut Hamsun, Si c’est un homme de Primo Levi, Mangeclous et Les Valeureux d’Albert Cohen. À travers ces œuvres, nous proposons de mettre au jour différentes problématiques du rapport entre faim, morale et écriture. Morals of hunger and writing strategies. Food, be it vital or metaphorical, is a key theme in the Fables of La Fontaine, Hunger by Knut Hamsun, Primo Levi’s If This is a Man, and Nailcruncher by Albert Cohen. Through these works, we shall bring to light various issues concerning the relationship between hunger, moral and writing.
Quand Butor chante : Cantique de Matisse
L’ouvrage Cantique de Matisse pourrait se perdre aisément dans l’immensité de l’œuvre de Michel Butor tant il est mince. Il convient pourtant de le considérer comme une tentative aboutie de "décloisonnement" entre les arts ; littérature, peinture et musique composent en effet d’un même chœur un chant d’amour au peintre Matisse. La cohabitation du texte et de l’image plastique mérite d’être observée de près tant elle touche à l’harmonie, grâce à la douce mélodie du chant diphonique Butor-Matisse.
Loxias | Loxias 38. | Travaux et publications
James Sacré
Le poème est-il cette chose étrange, déceptive, alliée au contentement, au mouvement général de la vie, naissance et mort conjointes ? L’écriture du poème est-elle, chez James Sacré, incessante interrogation de l’acte d’écrire, chahuté par une grammaire en mouvement dans une synchronie des contraires ? Ce sont ces questions que se pose cet ouvrage, actes du colloque de Cerisy-la-Salle de septembre 2010, dédié à l’étude de l’œuvre poétique de James Sacré. Is the poem that strange, deceptive thing, linked to contentment, the general movement of life, birth and death conjoined? Is the writing of a poem, in James Sacré’s work, a ceaseless questioning of the act of writing, buffeted by a shifting grammar in some synchrony of opposites? These are questions that the study devoted to the poetical work of Sacré asks.
Loxias | Loxias 39. | Autour des programmes d'agrégation 2013
Étude littéraire des vers 126 à 466 du Roman de la Rose de Guillaume de Lorris
Étude littéraire des vers 126 à 466 du Roman de la Rose de Guillaume de Lorris, (éd. trad. Armand Strubel, Paris, 1992) proposée dans le cadre de la préparation à l’agrégation de Lettres 2013.
De quelques préverbes dans le Roman de la Rose : re, par, entre et tres
La langue de Guillaume de Lorris illustre bien la tendance de l’ancien français à l’expression synthétique de l’aspectualité, en confiant cette fonction à une large variété de préverbes. Dans le présent article, nous traitons du sémantisme et du fonctionnement contextuel de quatre morphèmes préfixaux – re, par, entre et tres –, tels qu’ils se laissent analyser à partir du texte au programme. Les quatre morphèmes assument différentes fonctions morpho-syntaxiques, allant du statut lié de préfixe jusqu’à celui, indépendant, d’adverbe ou de particule. Le sémantisme de réitération caractérisant le préverbe re lui confère un pouvoir cohésif. Le sens de traversée sous-jacent à par amène ce morphème jusqu’à la fonction d’intensificateur. Le sémantisme spatial de entre aboutit, par subduction, à différentes significations abstraites telles que la réciprocité ou bien la temporarité, tandis que tres, dont l’évolution recoupe en partie celle de par, voit son sémantisme spatial basculer vers celui de complétude et d’intensification adverbiale. Toutes les acceptions et fonctions identifiées trouvent leur explication dans le signifié de puissance des différents morphèmes, unité abstraite que nous concevons conformément à la psychomécanique guillaumienne, tout en la matérialisant à l’aide de figures schématiques. L’évolution ultérieure se caractérise par une spécialisation progressive des quatre signes, conformément aux changements typologiques qui sous-tendent l’évolution du français.
Ce que le roman libertin fait aux proverbes de Musset dans On ne badine pas avec l’amour, Il ne faut jurer de rien et Il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée
À la lecture des comédies de Musset, On ne badine pas avec l’amour,Il ne faut jurer de rien et Il faut qu’une porte soit ouverte ou fermée, on constate qu’une synergie s’opère entre l’hypertextualité, le libertinage et la valeur du langage. Car à l’évidence, le libertinage est bien moins présent dans les mœurs des personnages que dans leurs références culturelles et leurs dialogues. Valentin et Perdican connaissent Clarisse Harlowe et Les Liaisons dangereuses par cœur, Camille et la marquise d’ll faut qu’une porte soit ouverte ou fermée ont bien trop lu pour ne pas se fantasmer en marquise de Merteuil. Cependant, la fonction assignée à ces références issues du siècle précédent, quoiqu’omniprésentes, est mise à mal par une écriture qui n’a de cesse de miner les hypotextes comme le sémantisme des mots. Nous interrogerons au cours de cet article les rapports de renversements incessants qui bouleversent la valeur des hypotextes et du langage dans ces trois pièces de Musset.
Le sentiment, fondement de l’écriture autobiographique de Jean-Jacques Rousseau
Ouvrage unique, Les Confessions postulent leur adéquation parfaite avec leur auteur, et justifient ainsi leur fonction de témoigner à l'avenir de l'innocence de Rousseau. Pourtant, cette adéquation proclamée entre l'homme et le texte est mise à mal par l'opacité du langage. Dès lors, ce qui permettra la manifestation de la vérité pour Rousseau, et ce vers quoi s'orientera de plus en plus sa pratique de l'écriture de soi, ce sera l'énonciation, non des faits, mais du sentiment. C'est donc autour de cette notion centrale que s'articule la genèse de l'écriture de soi chez Rousseau.
Loxias | Loxias 39. | Autour des programmes de concours littéraires
« Je ne sais pas d’où vient Lola Valérie Stein » (Marguerite Duras). Une fiction détective en un prologue et deux épisodes
Les lecteurs de Marguerite Duras ont quelquefois repéré ses sources d’inspiration – comme les romans d’Erskine Caldwell pour l’écriture d’Un barrage contre le Pacifique. Mais bien d’autres sources semblent totalement ignorées. Ainsi il apparaît que la lecture d’un « poète culte », Henry J. M. Levet (réédité par Jean Paulhan en 1943), lui a permis de mettre en forme ses projets romanesques autour des figures de Lola Valérie Stein et du « Vice-consul » français, l’amoureux frustré d’Anne-Marie Stretter au sein de la colonie anglaise des Indes (Le Vice-Consul, India Song, etc.). Les Sonnets torrides (1900) et Les Cartes postales (1902) de Levet – en particulier : « Homewards » (pour la carrière de ses parents en Indochine), « British India » (pour le contexte de la colonisation anglaise aux Indes) et « La Plata » (pour le personnage du Vice-Consul) – lui ont fourni des thèmes romanesques, des mots et des images visuelles riches de virtualités. Ces brefs poèmes l’ont également encouragée à pratiquer une écriture basée sur l’ellipse. L’article est une enquête dans la fiction, principalement basée sur une lecture poétique comparée de Levet et de Duras, lecture basée sur l’examen attentif de « mots-symboles » et l’écoute de la musique des noms exotiques qui montrent que Marguerite Duras avait une oreille très fine, et un regard intérieur très précis, très sélectif. Quelques détours chez d’autres auteurs (François Mauriac, Jean Giraudoux, Pierre Benoît), et parfois par la chanson et le cinéma, prouvent que Marguerite Duras savait prendre son bien où il le fallait pour transposer son propre imaginaire (issue de sa vie privée et intime) en une œuvre romanesque qui, tout à la fois, exploite et refuse l’exotisme.
Loxias | Loxias 39. | Travaux et publications
René-Charles Guilbert de Pixerécourt, Mélodrames
“Tome I – 1792-1800Classiques Garnier, 2012collection « Bibliothèque du théâtre français » dirigée par Charles Mazouer, 20 Qualifié par ses contemporains de « Corneille des boulevards », Guilbert de Pixerécourt apparaît pour beaucoup comme le fondateur du mélodrame moderne. Dramaturge fécond, directeur de théâtres, mais aussi premier « metteur en scène » au sens moderne, Shakespirécourt, comme le nommait Charles Nodier, demeure la figure la plus marquante du paysage théâtral des années 1792-1835. Cette édition rassemble l’intégralité de ses mélodrames. Le 1er tome, consacré à la période révolutionnaire, présente des pièces pour la plupart inédites et enrichies de...”
Loxias | Loxias 40. | Panaït Istrati, « l’homme qui n’adhère à rien »
Les périodes suisses chez Panaït Istrati
Les « passages » en Suisse de Panaït Istrati de 1916 à 1930 ouvrent des perspectives qui auront de profondes répercussions sur le cours de sa vie. Le canton de Vaud et du Valais forment un étonnant creuset d’où émerge une combinaison de chemins qui sont autant d’étapes fondatrices. Si les recherches abordent souvent les périodes suisses d’Istrati, elles ne les traitent jamais dans leur intégralité. Il est temps de faire une rapide synthèse de ce que nous connaissons.
Loxias | Loxias 41 | I.
Les Essais de littérature arrêtée de Denis Roche et « le Journal idéal » de Roland Barthes : « à la fois un rythme … et un leurre »
Écrits sous forme de journal intime, les « Essais de littérature arrêtée » de Denis Roche prennent en quelque sorte le relais de la « Délibération » de Roland Barthes : « Puis-je faire du journal une “œuvre” ? », suspendue par la mort de celui-ci en 1980. Loin de se livrer simplement à une naïve écriture confessionnelle ou de tenter une auto-construction fétichiste, Roche cherche plutôt dans ces textes à élaborer une écriture littéraire singulière, en exploitant les ressources du dispositif fragmentaire même du journal et en réalisant des « rythmes » spécifiques. Tout en se dérobant à la continuité, à la cohérence et à l’achèvement de l’œuvre dans sa conception traditionnelle, les « essais » semblent rapprocher de l’« œuvre » rêvée de Barthes, « qui dit son lien à la littérature d’une part et à la vie d’autre part ». Written in the form of private diaries, Denis Roche’s “essais de littérature arrêtée” seem to resume the “Deliberation” cut short by Roland Barthes’s sudden death in 1980: “Puis-je faire du journal une « œuvre » ?” (“Can I make a ‘work’ of the journal?”). Far from indulging in a naïve confessional writing or attempting to construct a fetishistic self, Roche tries instead in these texts to develop a singular form of literary writing, by exploiting the resources of the journal’s fragmentary form and by realizing specific forms of “rhythm.” Even as they eschew the continuity, coherence and completion of the work in its traditional conception, the “essais” seem to resemble the “work” Barthes dreamed of, “qui dit son lien à la littérature d’une part et à la vie d’autre part” (“which discloses its relation to literature on the one hand and to life on the other”).
Une référence fragmentaire : la littérature seconde chez Pierre Senges et Mark Z. Danielewski
Dans House of Leaves et dans Fragments de Lichtenberg l’intrigue principale repose sur la tentative de recomposition d’un texte fragmentaire. Qu’il soit conçu comme reconstruction d’un ensemble ou restauration de reliquats du texte source, ce projet, à la fois ludique, érudit et métalittéraire, se réalise sous le régime de la prolifération narrative comme de la mise en abyme énonciative. La cohésion de ces romans au second degré se trouve menacée par des listes en expansion, mais aussi par l’hétérogène ou par le vide, qui atteignent jusqu’à la matérialité de la page. Moins enracinée dans le « réel » que dans un autre texte littéraire, la référence de ces romans se construit par conséquent à travers un regard qui ne perçoit que des bribes, qui se fonde sur les seules traces de l’œuvre première. “A fragmentary reference : Mark Z. Danielewski’s and Pierre Senges’s literature in the second degree”. The narratives attempt to gather a fragmented subtext in House of Leaves and in Fragments de Lichtenberg. Be it a reconstruction of the whole text or a restoration of its remains, it leads to proliferation and mise en abyme, with an erudite, reflexive or sometimes more playful purpose. In these second degree fictions, the poetics of lists threaten the narrative’s cohesion, in the same way as the void spreads on the sheet. As a result, these novels’ reference relies less on reality than on another literary work and the world is perceived by a stare focused on remnants of fictions.
« Fragment de la nature des choses » et « inachèvement perpétuel » : l’écriture du monde selon Francis Ponge
Cet article tente de dégager des écrits de Ponge une poétique du fragment et de montrer en quoi celle-ci est liée à l’épicurisme qu’il revendique. Éprouvée au moment du « drame de l’expression » comme une menace, la fragmentation est ensuite choisie et assumée comme seul mode possible d’écriture du monde, en accord avec les lois de la combinaison atomique qui le régissent. Les métaphores récurrentes des écorces et des peaux montrent que le texte est perçu comme un fragment organiquement lié à celui qui l’a produit, tandis que la double signification du latin truncus, qui désigne à la fois le tronc et le tronçon, permet à Ponge de développer le paradoxe du « fragment intégral », selon la formulation de Gérard Farasse. Si la physique épicurienne explique que tout objet du monde offre un échantillon de sa texture, la poétique pongienne du fragment se pense aussi comme « pratique augurale », c’est-à-dire comme délimitation d’un fragment d’espace et valorisation de l’instant présent. En cela, elle peut rencontrer la conception barthésienne de l’écriture comme satori. This paper aims to show how Ponge’s writings reveal a poetics of the fragment and tries to explain how this poetics is related to Ponge’s epicureanism. First seen as a threat, at the time of the « drama of expression », fragmentation later becomes the only way to write the world, according to the laws of atomic combinations. Recurrent metaphors about trees shedding their bark and animals shedding their skin prove that the text is conceived as fragment organically related to who produced it. Likewise the two meanings of the Latin term truncus (trunk and broken piece) lead Ponge to work out the paradox of the « whole fragment » (Gérard Farasse). Whereas according to epicurean physics every object in the world proposes a sample of its texture, Ponge’s poetics of the fragment must be thought as an « augural practice », i. e. as a process that isolates a fragment of space and favours the present time. In that sense, this poetics is not so far from Barthes’ idea of writing as satori.
Loxias | Loxias 41 | II.
Nu(e) : Entretiens sur la poésie
“À propos de La Revue Nu(e). Dix entretiens sur la poésie actuelleSous la direction de Béatrice Bonhomme et Hervé Bosio, La Lettre volée, 2012, collection Essais. Entretiens avec Henry Bauchau, Michel Collot, Michel Deguy, Antoine Emaz, Marie Étienne, Lorand Gaspar, Jacques Réda, Salah Stétié, James sacré, Esther Tellermann, Arnaud Villani. * Donner la parole à la poésie, la répercuter chaque fois qu’il est possible, discrètement et sans jamais forcer la main, retenant pour ligne de conduite à la fois l’ouverture comme disponibilité à évaluer la création présente, et la rigueur comme refus d’acquiescer au tout v...”
Loxias | Loxias 42 | Doctoriales X
La quête du père absent chez Paul Auster et Albert Camus
Paul Auster et Albert Camus sont deux écrivains contemporains appartenant à deux contextes socioculturels différents. Cela dit, ils nous ont laissé deux romans dont l’écriture est propice à une étude comparatiste. En effet, Le Premier homme d’Albert Camus et L’Invention de la solitude de Paul Auster partagent la même problématique qui est la quête du père absent. Cette quête, dont l’origine est l’angoisse du présent se heurte, dans ces deux récits, à de nombreuses difficultés. La reconstitution de la figure paternelle, essentiellement caractérisée par l’anonymat et le mystère, s’avère pénible et parfois même désespérante. Outre cela, les deux romanciers ne disposent que de peu d’informations quant à leurs pères ce qui complique leur tâche. Conséquemment, le sujet du récit impose la forme de celui-ci : la figure parentale dont ils n’ont que des souvenirs fugaces et des idées floues ne peut être appréhendée qu’au moyen d’une écriture de fragmentation et de dépersonnalisation. Les deux auteurs ont, en fait, opté pour un style impersonnel dans le but d’accéder à la vérité dans toute son authenticité. L’écriture mime donc l’objet de la quête d’autant plus qu’elle bouleverse les schémas de l’autobiographie classique habituellement reconnue par la linéarité. Il s’agit donc d’étudier deux récits dont la structure est éclatée voire labyrinthique qui acquiert par là une dimension heuristique.
Photo-fragments : L’Usage de la photo d’Annie Ernaux
L’écriture fragmentaire, l’écriture de discontinuité, contient des morceaux détachés entre lesquels ne se retrouvent pas la cohésion et la cohérence – surtout formelles – de l’ensemble. Annie Ernaux, dans L’Usage de la photo, défait la construction linéaire de l’autobiographie et sa représentation se fonde sur l’usage de la photographie. Comme l’indique le titre, elle a recours dans son œuvre aux images, au total quatorze photos choisies par elle-même et Marc Marie, son compagnon, parmi une quarantaine de photosprises de vêtements abandonnés par terre et d’objets renversées au moment de l’acte amoureux.Ce livreest conçu comme un montage de fragments de clichés, de manière à ce que les extraits du journal soient sélectionnés en fonction des photos choisies et constituent une sorte de photo-journal. Le journal intime sous forme fragmentaire, et la photo en tant que le fragment d’une réalité immatérielle, se rejoignent dans L’Usage de la photo pour donner une œuvre fragmentaire en suggérant à la fois ses moments de vie intense, avec, dans l’ombre, le cancer du sein et l’amour vécu par les deux auteurs du livre. En effet, les photos sont associées à la réalité matérielle éprouvée et sont comme des preuves irréfutables de l’histoire cachée derrière elles.
Idylle, altérité et religion. Floire et Blanchefleur ou l’histoire d’une croisade pacifique
Le Conte de Floire et Blanchefleur, rimé, au milieu du XIIe siècle, met en scène un amour juvénile entre le fils d’un roi païen et une captive chrétienne. Deux grandes lignes thématiques structurent l’œuvre : l’idylle et la soumission de l’Orient. Dans Le Conte, le clerc romancier remplace le climat antagoniste des croisades par une conquête pacifique qui se réalise par la force de l’amour. L’assimilation de l’Orient sarrasin aux idéaux occidentaux, la conversion finale, à la fois individuelle et collective, ainsi que le mariage des enfants scellent à jamais la soumission religieuse et politique de l’Orient tout en marquant la réduction de l’Autre oriental à une figure du Même. The romance of Floire et Blanchefleur, a French idyllic poem of the Twelfth Century, recounts the childhood love of Floire, a heathen prince, for Blanchefleur, a Christian slave-girl. Two main themes structuring the romance are: the courtly love relation and the submissiveness of the Orient. The poet has replaced the antagonistic atmosphere and tension of the Crusades and forced conversion with a peaceful conquest which is achieved by the power of love. The assimilation of the Saracens to western and occidental culture, the final conversion ; both individual and collective, as well as the marriage between the two children sealing forever the religious and political yielding of the Orient, as a whole marking the diminution of the Other as a figure of the Same.
L’éducation du lecteur à travers la figure de la métalepse chez Claude Ponti
Certains auteurs de littérature de jeunesse reconfigurent, pour de jeunes lecteurs, des thématiques présentes dans le champ de la littérature générale. C’est le cas de Claude Ponti, chez qui les représentations de livres, de lecteurs, de scènes de lecture et d’expériences de lecture sont omniprésentes. Cet aspect de son œuvre a déjà été étudié en partie, mais nous analysons ici plus spécifiquement son utilisation de la métalepse. Dès ses premiers albums, Ponti prend « au pied de la lettre » la figure de la métalepse, avec les personnages d’Adèle et des poussins qui franchissent des frontières entre plusieurs niveaux diégétiques. La nature iconotextuelle de l’album favorise le passage de la métalepse comme figure de discours à une figure de fiction, et des dispositifs sophistiqués invitent le jeune lecteur ou pré-lecteur à interpréter les transgressions métaleptiques comme une métaphore de l’activité de lecture de fiction. L’œuvre de Ponti peut alors se lire comme une initiation à la lecture de fiction car, sans jamais tomber dans le didactisme qui entache parfois la littérature de jeunesse, il rend sensibles et accessibles pour de jeunes lecteurs des processus cognitifs et psychologiques complexes. The education of the reader through Claude Ponti’s use of the figure of speech of metalepsis. A certain number of authors of child literature reconfigurate for their young readers some themes already present in more general literature. This is particularly true of Claude Ponti in whose work various representations of books, readers, reading scenes and experiences of reading are all pervading. This aspect of his work has already been partially studied. What we more specifically analyze here is his use of metalepsis. In his first albums, Ponti chooses to employ metalepsis literally through his characters, Adela and the chicks, who cross the boundaries separating several diegetic levels. The iconic-textual nature of the album makes for this passage from metalepsis as a figure of speech to a figure of fiction while various sophisticated devices invite the young reader, or pre-reader, to interpret metaleptic transgressions as a metaphor of the fiction-reading act. Ponti’s work may then be read as an initiation to the reading of fiction that never falls into the didacticism that sometimes spoils child literature. It thus makes cognitive and psychological processes sensible and accessible to young readers.
La Carioca rencontre La Source : Pedro Américo dans l’atelier d’Ingres ?
Pedro Américo de Figueiredo e Mello a légué en tant que peintre et romancier brésilien du XIXe siècle une riche documentation qui témoigne de sa préoccupation à participer à la construction et au développement de la modernité de son pays. Enfant prodige, il est parti en Europe à l’âge de 16 ans pour y faire ses études. Élève de L’École des Beaux-Arts et de la Sorbonne, il va trouver au Brésil une forte résistance à son tableau nommé La Carioca peint à Paris. Cette œuvre chargée de mystère et de modernité serait-elle une sorte de personnage ingresque à la brésilienne ? Pedro Américo de Figueiredo e Mello is a Brazilian painter and novelist of the 19th century. He bequeathed rich documentation which demonstrates his concern for his participation in the construction and development of the modernity of his country. Child prodigy, he went to Europe at the age of 16 to study at the École des Beaux-Arts and the Sorbonne. Later in Brazil he encountered a strong resistance to his painting named The Carioca, painted in Paris. Could this work, loaded with mystery and modernity, be considered an Ingres-like character in a Brazilian style?
Loxias | Loxias 42 | Travaux et publications
Finitude de la lumière : l’œuvre de Béatrice Bonhomme (compte rendu de Béatrice Bonhomme : le mot, la mort, l’amour)
Recension de l’hommage rendu à l’œuvre de Béatrice Bonhomme (2013), ouvrage collectif consacré à sa poésie, paru aux éditions Peter Lang, et dirigé par Peter Collier, et Ilda Tomas. Ce volume entend « fête[r] l’œuvre de Béatrice Bonhomme » — riche de nombreux recueils, mais aussi d’une pièce de théâtre — et en faire « l’analyse critique ». Il réunit près d’une trentaine d’articles critiques, mais aussi des textes inédits de la poète, des reproductions de dessins et d’images.
Loxias | Loxias 43. | I. Questions de Littérature comparée à l'agrégation de Lettres modernes
Thalie au miroir : héroïsme féminin et métathéâtralité
Cet article fait l’hypothèse d’une métathéâtralité spécifique à la comédie dans laquelle la question du genre revêt une importance significative. Induite par les conditions concrètes de la représentation sur la scène antique et élisabéthaine où les rôles féminins sont joués par des hommes, la part de jeu inhérente à la comédie interfère avec le topos du théâtre du monde, dont les incidences sur la métathéâtralité ont été soulignées d’emblée par l’inventeur de la notion de métathéâtre. Lorsque des protagonistes féminins occupent le devant de la scène, l’interrogation sur le jeu de l’acteur semble l’emporter sur la lecture métaphysique de la métaphore qui privilégie les fonctions de l’auteur et du spectateur, confondues en Dieu dans la lecture chrétienne du topos. Sous le signe du féminin, la comédie semble plutôt interroger les rôles sociaux et remettre en question la naturalité du genre.
Loxias | Loxias 43. | II.
Traversées poétiques des littératures et des langues
“Illustrations de Serge Popoff Paris, L’Harmattan, 2013, « Le Thyrse » n° 4, La collection du CTEL, Université Nice Sophia Antipolis, 567 p. ISBN : 978-2-343-00941-4 Réunis sous le titre de Traversées poétiques des littératures et des langues, les articles de ce volume issu du séminaire de recherche « Bilinguisme, double culture, littératures » (2009-2011) – qui s’est tenu conjointement à l’Université de Nice Sophia Antipolis et à l’Université « Lucian Blaga » de Sibiu – permettent de mettre en exergue une proposition théorique susceptible d’intéresser à la fois les disciplines de la poétique et de la littérature comp...”
Variations du visage & de la rose
“Frontispice de Stello Bonhomme, L’Arrière-pays éditions, 2013, 48 p., 8 euros ISBN 978-2-910779-61-0 Tu te souviens quand nous l’avons retrouvé, posé sur la neige, alors qu’il serrait contre lui cette seule rose. Elle avait gardé du sang sur ses pétales et le cœur battait dans la rose. Mais, lui, son cœur avait cessé de battre, il avait confié son cœur à la rose. Le sang de la rose battait encore quand on a ouvert sa main et que l’on a déposé la rose sur la neige. * Gradiva, la vie. Quelques mots à propos des Variations du visa...”
L’Émergence de la notion de mise en scène dans le paysage théâtral français (1789-1914)
“Classiques Garnier, 2013, coll. « Études sur le théâtre et les arts de la scène », n° 1, 257 p., ISBN 978-2-8124-2114-3, 32 € Cet ouvrage porte un éclairage sur le sens et les différentes expressions d’un art de la mise en scène dont l’historiographie actuelle situe la « naissance » avec l’ouverture du Théâtre-Libre d’André Antoine en 1887. Le terme « mise en scène » intègre pourtant le vocabulaire dramatique aux lendemains de la Révolution de 1789. Le « metteur en scène », occurrence déjà repérable dans le discours critique sous le Premier Empire, pénètre le personnel dramatique des théâtres dans les années 1820. En s’appuyant sur des sources à la fois littéraires, politiques et juri...”
Loxias | Loxias 44. | I.
La Promesse de l’aube : Ode à la mère qui fut la France
Pour Romain Gary, deux personnes ont incarné la France : le général de Gaulle, qu’il célèbre dans Ode à l’homme qui fut la France, et sa mère, à qui il rend hommage dans La Promesse de l’aube. L’éducation qu’elle lui a donnée en Pologne a construit son identification à la France et, pendant la Seconde Guerre mondiale, Mina Kacew est représentée comme un double du Général qui appelle à poursuivre le combat. Ce rapprochement des deux figures tutélaires constitue une ascendance qui permet d’affirmer que c’est par ses origines étrangères et par son choix politique que Roman Kacew a réalisé le vieux rêve d’intégration de sa mère par son adhésion au gaullisme. According to Romain Gary, France has been embodied by two people: general de Gaulle, celebrated in Ode to the Man who was France, and his mother, praised in Promise at Dawn. The education she gave him in Poland built his identification to France and, during the second World War, Mina Kacew is portrayed as the alter ego of the General while calling for the fighting going on. Bringing together both tutelary characters forms an extraction allowing to say that Gary became French by a combination of his foreign origins and his political choice. Thus Roman Kacew made his mother’s old dream for integration come true.
Les incorporations de Romain Gary : un pluriel stylistique
Romain Gary devient diplomate en 1945. Impliqué pendant une quinzaine d’années dans les négociations onusiennes et européennes, il ne cachera jamais dans son œuvre ses réticences concernant la construction de ces organisations internationales dont les fondations abstraites ne pouvaient pas être à la hauteur de l’idéalisme qui les présidait. L’ONU et l’Europe deviennent chez Gary des emblèmes symboliques d’une imagination abstraite et stérile s’apparentant à un fantôme de l’humanité. Si d’un point de vue politique ces organisations internationales s’imposent comme un miroir déformant de la fraternité dans lequel l’homme occidental désire se reconnaître, d’un point de vue littéraire, l’écrivain les réduit à des figures de style soulignant leur futilité et leur stérilité. Grâce à un jeu subtil de métaphores récurrentes dans plusieurs romans (principalement dans L’Homme à la colombe et Europa, mais aussi dans Tulipe et Le Grand Vestiaire), ces institutions peuvent être envisagées comme une écriture du corps. Romain Gary became a diplomat in 1945. With 15 years of involvement in United Nations and European negotiations, he never hided in his written works his reticence regarding the creation of these international organizations whose abstract foundations cannot meet the lofty idealism that preceded them. The UN and Europe became for Gary symbolic emblems of abstract and sterile imagination derived from a vain dream of humanity. From political point of view these organizations impose themselves as a distorting mirror of the brotherhood in which a western man would like recognize himself; from a literary point of view the writer reduce them to the figures underlining their futility and vanity. Thanks to their fine play of metaphors recurring in several novels (mainly in L’Homme à la colombe and Europa as well as Tulipe and Le Grand Vestiaire translated in English in 1950 as The Company of Men), these institutions can be considered as a writing of body.
Formes et enjeux de l’équivoque dans Les Racines du ciel
La forme du témoignage, privilégiée par Gary dans Les Racines du ciel, favorise l’émergence d’une parole multiple qui s’émancipe de la seule narration pour se décliner aussi sur les modes de l’analyse et du commentaire et conduire à une certaine déconstruction du réel. L’entrecroisement des regards et la multiplicité des interprétations placent le lecteur face à un récit qui interroge plus qu’il ne raconte, et qui charge les faits comme les personnages d’un fort coefficient d’équivocité. On verra comment s’exprime dans le roman cette culture de l’équivoque et en quoi elle s’inscrit au cœur du projet romanesque de Romain Gary.
Allégories du masculin chez Romain Gary
Les Études sur la masculinité sont une branche encore relativement jeune des Études du genre. Elles se penchent sur la question de la représentation et de l’identité masculines et, de la sorte, favorisent des approches résolument interdisciplinaires. Romain Gary interrogeait le fait masculin de diverses manières : dans ses textes fictionnels le masculin est étroitement lié à des figures allégoriques : ainsi dans La Promesse de l’Aube, Nina Kacew et Charles de Gaulle forment des parents symboliques permettant à Gary d’accéder à la francité. Dans La Danse de Gengis Cohn, Florian représente l’homme qui, dans sa recherche de l’absolu, tombe en proie aux idéologies fascistes, tandis que le roman Au-delà de cette limite votre ticket n’est plus valable lie le déclin de la puissance à une certaine perte de vitesse de la France après les Trente Glorieuses. Masculinity Studies are a relatively new field within Gender Studies – they explore representations of maleness and male identities, thus fostering a radically interdisciplinary approach. Questions of masculinity are omnipresent in Romain Gary’s texts, frequently they are linked to allegorical figures. In La Promesse de l’Aube, Charles de Gaulle and Nina Kacew assure a symbolic parenthood allowing Russia-born Gary to access to his « certain idea of France ». In La Danse de Gengis Cohn, Florian, a mass murderer, embodies the man who, in his quest for the absolute, falls prey to a fascist ideology. The novel Au-delà de cette limite n’est plus valable links the decline of male sexual power to the decline of France after the years of unprecedented economic groth between 1947 and 1975.
La défense de l’éléphant – ou quel idéal pour l’indépendance ? Les Racines du ciel de Romain Gary
Les Racines du ciel, prix Goncourt 1956, continue à faire date comme le premier roman « écologique » – et la critique s’est interrogée sur le sens de cet engagement : que cherche Morel, le protagoniste du roman ? protéger les éléphants ? défendre un idéal de liberté ? renverser le système colonial ? ou simplement assouvir des lubies personnelles ? Chaque personnage gravitant dans son orbite interprète son engagement différemment. Jusqu’à Romain Gary lui-même qui explicite son projet dans la « Lettre à l’éléphant ». Son expérience de l’Afrique lui fait présenter des portraits de colonisateurs et de colonisés, à la veille des mouvements d’indépendance : écologie et postcolonialisme peuvent-ils être conciliables ? The Roots of Heaven, which was awarded the prestigious Prix Goncourt in 1956, is known as the first “eco-novel”, and literary criticism is eager to analyse this environmental concern: what is really the aim of the main character, Morel? Does he intend to protect elephants? or ideal freedom? Does he endeavour to pull down the colonial system or is he just doing randomly whatever crosses his mind? Everyone has his own idea about it. Even Romain Gary himself explains the plot in a so-called letter to “Dear Elephant”. From his own experience he is very much capable of writing a novel on pre-Independence Africa. But are environmental protection and colonial/postcolonial system compatible or do they exclude each other?
Romain Gary, si « JE est un autre » qui est-IL ?
Le IL vient définir la présence naissante dans le corps de l’écrit, qui hante la littérature de Gary. Il s’agit d’un rapport au temps et au corps qui dépasse la seule problématique de l’individu. Au-delà des pseudonymes, c’est dans la nature même de ses écrits que se déploie cette puissance. Dans l’épaisseur de la page se dissimule le pli entre auteur, personnage et signature. Dans un lien créatif, original et organique au phonème se loge un monstrueux rapport qui délie les lois de l’engendrement, de la naissance, à travers la création. Toutes ces implications vitales font participer son écriture à celles du danger, où l’engagement du sujet, auteur et lecteur, est inévitable. “Romain Gary, if "I is someone else", who is HE?” The HE just defines the emerging presence in the body of the writing, which haunts Gary’s literature. It is a relation to time and body that goes beyond the mere problem of the individual. Beyond pseudonyms, it is in the very nature of his writings that this power unfolds. In the thickness of the page, hides the fold between author, character and signature. In a creative, original and organic link to the phoneme fits a monstrous relationship which loosens the laws of procreation and birth through the creation. All these vital implications involve his writing to those of danger, where commitment of the subject, author, reader, is unavoidable.
« Adieu Gary Cooper adieu Che Guevara » : quelques exemples de la référence à Romain Gary dans l’œuvre de Hubert-Félix Thiéfaine
L’article retrace les modalités de réappropriation de séquences de l’œuvre de Romain Gary dans les chansons de Hubert-Félix Thiéfaine ainsi que leur intégration dans la dynamique du discours poétique, essentiellement caractérisée par un processus d’oxymorisation mis en œuvre sur tous les plans de l’écriture du texte. Le recours aux techniques du cut-up et de l’entrelacement des références permet la création d’un jeu de miroirs complexe confrontant les divers éléments constitutifs du « puzzle » textuel, ce qui permet de révéler l’affinité avec les positions de Gary notamment pour ce qui concerne le problème de l’idéalisme et la place de l’homme dans l’histoire et l’univers. The purpose of this article is the description of the integration process that makes it possible for the songwriter Hubert-Félix Thiéfaine to transform sequences from Romain Gary’s novels into constituents of his own poetical discourse. The way the quotations or allusions are recreated (especially by using the cut-up technique) and become part of a mirror game of great complexity based on the combination and implicit confrontation of many intertextual elements lets the songs appear like a "puzzle" (so the author) that reveals in this case the affinity with Gary’s positions especially concerning the problem of idealism and the place of man in history and the universe.
Loxias | Loxias 46. | Doctoriales
Le communisme comme alternative à Dieu : problématique de la sécularisation dans l’œuvre d’Henri Barbusse
Dès la fin de la Grande Guerre, Henri Barbusse devient l’une des grandes figures du communisme français. À partir des années 1920, la plupart de ses œuvres témoignent de la volonté de l’écrivain de séculariser les principes fondateurs du christianisme, afin de les intégrer dans sa réflexion sur le communisme. Il réinterprète alors les Évangiles selon une lecture matérialiste, jusqu’à forger la figure d’un Jésus marxiste, révolutionnaire, et athée. Dans une certaine mesure, cette réflexion de Barbusse fait écho à certaines théories mises au point au début du XXe siècle, au sein d’une intelligentsia russe désireuse de synthétiser religion et socialisme. Ainsi, cette étude a pour vocation de mettre en lumière les mécanismes de sécularisation du christianisme à travers le communisme, dans l’œuvre d’Henri Barbusse.
Jeux de bouffons, jeux d’optique chez Sarraute et Dostoïevski
Bakhtine attribue à l’aspect carnavalesque du récit de Dostoïevski un pouvoir bouleversant sur le je et sa parole. La logique « de la parodie » à travers un je éclaté en mille morceaux chez Dostoïevski semble être en rapport avec le projet de la destruction de l’identité monolithique formulé par Nathalie Sarraute. En endossant le masque de bouffons, les sujets de ces deux auteurs, si différents au premier abord, saisissent et montrent aux autres la réalité dans son processus de transformation. Une métamorphose s’opère également entre les bouffonneries du diable d’Ivan dans Les Frères Karamazov (1880) et celles inscrites dans la parole du je diffus de Tu ne t’aimes pas (1989). According to Bakhtine, carnival is a creative opportunity for renewal of the hero’s identity and discourse in Dostoevsky’s work. By drawing an unreliable source of identity through carnival devices, Dostoevsky seems to lead Nathalie Sarraute to question the nature and the identity of her own characters. The court jester or the circus clown appears in the works of these two authors as an instrumental figure, which unmasks the truth and presents the reality as a continuous process of metamorphoses. Therefore, I try to establish a parallel between the clownish antics of Ivan’s devil in Brothers Karamazov (1880) and the textual strategies employed by Sarraute to renew, according to a carnivalesque principle, the traditional conception of the hero’s identity in her novel Tu ne t’aimes pas (1989).
L’idéal perdu à la fin du XIXe siècle : étude sur la colère dans Monsieur de Phocas (1900) de Jean Lorrain et Bruges-la-Morte (1892) de Georges Rodenbach
Infatigable chercheur d’idéal mais exténué par l’environnement délétère, l’esthète fin-de-siècle ne perçoit plus la beauté suprasensible. Certains dandys, comme Monsieur de Phocas, le héros éponyme du roman de Jean Lorrain (1900), se lancent alors dans la quête du beau qu’ils croient parfois déceler dans l’œil d’une femme, « car c’est le seul œil qui voit la grande beauté » (Plotin, Ennéades, I – IV). De même, Hugues Viane, dans Bruges-la-Morte (1892) de Rodenbach, pense reconnaître sous les traits d’une danseuse sa défunte épouse dont il est toujours religieusement épris. Mais l’un comme l’autre seront finalement déçus par ces trompeuses correspondances terrestres d’une beauté supérieure. L’idéal évanescent qu’ils poursuivent ne fait place, finalement, qu’à la laideur morale de ces femmes entraînant un sentiment mêlé de frustration et de colère. L’animosité soudaine dont ils font preuve rompt, dès lors, avec leur posture mélancolique et raffinée du début des deux romans. Et, par haine de ce succédané perverti de l’idéal amoureux, tous deux sombrent dans la violence grossière.
Tout est bien qui ne finit pas (toujours) bien… Violence et désillusion dans les contes de fées de Madame de Murat
Participant de la vogue des contes de fées mondains de la fin du XVIIe siècle, les textes de Mme de Murat se distinguent dans ce vaste corpus éditorial, non par le style, les décors ou les personnages qui reprennent les topoï du genre, mais par une mise en scène singulièrement négative des intrigues héroïques. Si la plupart des contes de la période présentent des opposants nécessaires qui contrarient le parcours héroïque pour mieux en révéler la réussite, les récits merveilleux de la conteuse annoncent fréquemment l’échec des protagonistes et les adjuvants traditionnels que sont les fées ne parviennent pas systématiquement à (r)établir in fine une situation heureuse. Les dénouements et les commentaires auctoriaux volontiers pessimistes affichent alors la désillusion d’une femme sur le mariage et l’amour à son époque. Taking part in the popular fairy tales of the seventeenth century, the tales of Madame de Murat can be distinguished in this vast editorial corpus, not by the style, the scenery or the characters that take up again the topoï of the genre, but by a remarkably negative performance of the heroic plots. While most of the tales of that period show necessary opponents who impede the heroic route in order to reveal better the outcome, the wonderful accounts of the story-teller frequently herald the failures of the protagonists and the fairies, the traditional adjuvants, do not systematically manage in fine to establish a happy situation. The willingly pessimistic endings and comments of the author then display the disillusionment of a woman on marriage and love in her time.
Marguerite Duras, Jean-Luc Lagarce : le dialogue troué, un geste théâtral contemporain
Il s’agira dans cet article de mettre au jour plusieurs thématiques communes aux œuvres théâtrales de ces deux auteurs contemporains. À travers la déconstruction du récit, la mise en ruine de l’espace scénique, du personnage et de la langue, nous pouvons observer un démantèlement du genre, d’où le sens va émerger. C’est un Théâtre rénové par son effacement qui apparaît, transposant les personnages de l’huis-clos familial vers l’archétype, et entraînant une remise en question, une redéfinition du genre et une réflexion sur la place du spectateur, sur son rapport intime à la langue, au signifiant comme au signe, et au final sur la communication entre les êtres. À travers l’effondrement et le silence, l’écriture conduit aux origines, aux retrouvailles entre l’homme et sa parole. Le théâtre de Lagarce et de Duras est un retour à la source, entrevue dans le refus des traditions et la recherche du mot à jamais égaré. This article aims to bring to light several themes common to the theatrical works of these two contemporary authors. Through the deconstruction of the story, the dissection of the performance area, the character and the language, we can observe a dismantling of the genre, from which meaning will emerge. From this deconstruction, a new Theatre arises, which transposes the characters from the family huis clos to the archetype and leads to questioning, to redefining the genre and rethinking the place of the audience, their intimate connection to language, to the meaning as well as to the word, and ultimately to communication between beings. Through the collapse and silence, writing leads back to the origins, to the reunion of man and his speech. The works of Lagarce and Duras are a return to the core, which lies somewhere between the refusal of traditions and the search of the forever-lost word.
Loxias | 47. | I.
Relire les stances de Polyeucte. Du baptême à la confirmation
Hélène Baby propose une relecture des stances de Polyeucte, expliquant la présence de leurs cinq strophes hétérométriques dans une tragédie chrétienne. Renvoyant au mystère de la Pentecôte et à ses effets, elles achèvent et « confirment » à l’acte IV le sacrement du baptême reçu par Polyeucte au début de la pièce.
Le « Je » et le Spleen dans Le Spleen de Paris de Charles Baudelaire
Le visage penché vers le sol, le regard perdu vers un lointain indéfinissable et vague, le sujet romantique emplit l’espace qui l’entoure d’une mélancolie qui s’épanche irrésistiblement. Posture devenue image d’Épinal sur laquelle éclot la poétique baudelairienne ? La question du lien entre le « je » et le spleen dans Les Petits poèmes en prose pose un problème majeur. Qu’est-ce que le « je » dans Le Spleen de Paris ? Ni Baudelaire ni le moi lyrique si l’on en croit le titre du recueil, mais une instance énonciatrice dont l’origine pose problème. Qu’est-ce que le spleen ? ni la mélancolie romantique ni l’épanchement du moi, si l’on en croit Baudelaire, mais un sentiment qui s’inscrit dans et par la ville moderne. Par conséquent, comment envisager le lien entre le « je » et le spleen ? Si le « je » poétique a été tout au long de la première partie du siècle fortement lié à l’épanchement lyrique, s’il était l’origine de la mélancolie, poser la question du lien entre le « Je » et le spleen suppose un déplacement du Romantisme vers la modernité.
Le Spleen de Paris sous le masque de la pantomime
Dans De l’essence du rire et généralement du comique dans les arts plastiques, Baudelaire se souvient de la représentation d’une pantomime au théâtre des Variétés : au Pierrot français, discret et muet, s’oppose l’excentrique Pierrot anglais, dont le rire qui « ressemblait à un joyeux tonnerre », fit « trembler la salle ». Par sa gestuelle et son masque démesurément outrés, le Pierrot anglais provoque « une ivresse de rire, quelque chose de terrible et d’irrésistible ». D’emblée, la caricature est placée sous le signe de la violence. Violence de l’exagération, d’une part, qui vient déformer les traits des personnages ; violence de la réception, d’autre part, qui laisse le spectateur sous « le vertige de l’hyperbole ». C’est la violence de l’exagération qui vient faire grimacer la représentation à la fois du corps et du texte, qui nous intéressera dans cet article.
Loxias | 49. | I.
L’invention de Charlot : corps politique, corps poétique
Le personnage de Charlot, mi-gentleman, mi-clochard, consacre à sa manière l’importance dérisoire du moi, un moi capricieux qui résiste à l’entreprise d’uniformisation que lui fait subir le réel. Tirant sa force des jeux de l’enfance et de la pantomime, son art du muet sert un humour « vagabond » qui procède d’un processus d’irréalisation poétique servi par le burlesque. Portée par une conjonction d’influences, la figure de Charlot est une figure mixte qui cristallise à la fois une spiritualité poétique proche du « Witz » romantique et la modernité de l’humour. Son jeu est une invite à préserver l’élan originel de la conscience, et par là-même, à échapper au conditionnement industriel, en particulier dans Les Temps modernes, où ses vagabondages cinématographiques sont autant de figurations poétiques de la résistance.
« Quelle belle vie ! »
L’existence poétisée du Charlot de Philippe Soupault
Dans Charlot (1931), Philippe Soupault narre la vie imaginaire du célèbre vagabond, à partir des films qu’il a vus et des souvenirs qu’il en a gardés. Mais il la retrace en la poétisant : tenant Charlot pour un « poète au sens le plus pur et le plus fort du terme », l’écrivain accorde son récit à l’image qu’il se fait du personnage. La figuration poétique s’effectue ainsi de manière à la fois thématique et formelle : non seulement le parcours de Charlot voisine par intermittence avec ceux de modèles emblématiques (Orphée, Croniamantal, Rimbaud, Cendrars), mais son existence elle-même est perçue à l’image d’un poème, structurée selon un schéma cyclique. Dès lors, dans tous les sens du terme, le récit de Soupault peut être défini comme une biographie poétique – par l’existence qu’il restitue, par le style qu’il emploie, par l’émotion qu’il procure. In Charlot (1931), Philippe Soupault tells the imaginary life of the famous tramp, drawing from the memories he has of the films he saw. But he retraces it poetically: presenting Charlot as a “poet in the purest and strongest sense of the word”, the writer matches his story to his perception of the character. The poetic representation thus occurs both thematically and formally: not only is Charlot’s journey near to those of emblematic figures (such as Orphée, Croniamental, Rimbaud or Cendrars), but his existence itself is seen as a poem, structured according to a cyclic pattern. Therefore, in every sense of the word, Soupault’s story can be defined as a poetic biography – through the existence he recounts, through his style, through the emotion he stirs.
« Chaplinades », Charlot et les avant-gardes : une réflexion sur le langage et la modernité
De la découverte des films de Chaplin en 1915 jusqu’aux années vingt, l’engouement porté à la figure de Charlot révèle des interrogations qui s’inscrivent dans une remise en question des valeurs de la représentation. Les artistes d’avant-garde s’interrogent sur l’image et le langage. Charlot incarne un regard porté sur la société et rejoint les préoccupations de jeunes poètes. Ensuite la mécanique de la gestuelle de Charlot est liée à l’intérêt que ces artistes portent au mouvement, à la décomposition des gestes et à la modernité technologique. Les poèmes montrent une tentative de transcription de cette technique. Enfin, les films de Chaplin trouvent un écho, par leur caractère expressif, dans une réflexion sur la représentation et ses moyens.
Loxias | 50. | Doctoriales
Toujours migrants, mais désormais écrivains : stratégies identitaires et littérature africaine
La plupart des auteurs partis d’Afrique se sont posés comme migrants avant de s’insérer comme écrivains dans leur société d’accueil. Ils sont toujours reçus comme : migrants professionnels (Tahar ben Jelloun s’est installé en France pour enseigner et faire une thèse de doctorat en psychologie) ; comme étudiants (Max Lobé, Patrice Nganang, etc.) ; comme réfugiés (asile politique ou humanitaire) ; au titre de regroupement familial (Fatou Diome, sénégalaise, est allée en France en raison d’une histoire d’amour et d’un mariage avec un Français). Il existe aussi des cas d’immigrants illégaux comme Georges Yemy, ou comme Omar Bâ que le témoignage controversé de son expérience migratoire a justement fait connaître comme auteur. Ceux même qui sont nés en Occident de parents migrants ont d’abord connu la réalité de migrants avant de se distinguer comme écrivains. Il s’agit donc fondamentalement de sujets migrants, indépendamment de leurs stratégies. Contrairement à la femme de Lot, tous ont en commun de regarder sans cesse derrière eux, vers leurs origines, sans jamais être statufiés, c’est-à-dire que le matériau de l’origine est prégnant, mais leurs stratégies d’adaptation socioculturelle portent la marque à la fois des transformations identitaires qui ont cours dans leurs sociétés d’origine et des ressources multiculturelles mobilisées dans les sociétés d’accueil, ou ils créent et défendent de nouvelles identités hybrides, qu’il semble utile de catégoriser.
Métaphore et poétisation du réel chez Apollinaire, Cendrars et Maïakovski
Apollinaire, Cendrars et Maïakovski ont inscrit la quête de leur identité de poète dans le monde en pleine mutation du début du vingtième siècle. La confrontation à une époque mouvante remet en question des certitudes et invite à un questionnement fondamental sur l’écriture poétique, ses enjeux, ses possibilités et ses expérimentations. Une partie de ma thèse s’est intéressée à la métaphore. Celle-ci pose des problèmes définitionnels qui révèlent la complexité d’un mécanisme qui s’appuie sur trois éléments : l’élément comparé, le comparant et le principe de l’analogie. La subjectivité s’inscrit dans ce mécanisme qui associe deux réalités dépourvues de liens. La métaphore implique la mise à l’œuvre d’une création volontaire et réfléchie tout en permettant un épanouissement du sens devenu pluriel. En tant que glissement ou encore passage à un second sens que Ricœur appelle « extension de sens », « epiphora », la métaphore n’est pas un ornement vain de rhétorique, elle implique un mouvement de sens et de création poétique. C’est cet aspect que je souhaiterais développer en examinant un corpus composé essentiellement de « Zone », la Prose du Transsibérien et Le Nuage en pantalon, trois poèmes qui posent des interrogations fondamentales sur l’écriture poétique et expérimentent des procédés novateurs.
Du suicide et de la morale dans L’Orphelin de la maison de Tchao de Ji Junxiang, L’Orphelin de la Chine de Voltaire et The Orphan of China de Murphy
Cet article a pour objectif d’étudier la question du suicide dans le domaine théâtral à travers trois pièces emblématiques : L’Orphelin de la maison de Tchao de Ji Junxiang, L’Orphelin de la Chine de Voltaire et The Orphan of China de Murphy. Dans L’Orphelin de Ji Junxiang, les personnages commettent un suicide pour remplir leur obligation de moral. Dans L’Orphelin de Voltaire et The Orphan de Murphy, au moment où les personnages tentent de se tuer ou de se faire trucider, ils empruntent un ton déclamatoire, pour livrer des justificatifs philosophiques de leur acte. Pourtant, il s’agit d’une tentative de suicide, et non d’un suicide effectif. Cette étude essaie de mettre en lumière le phénomène moral dans ces trois tragédies et la situation à l’égard du suicide.
Le motif des voyages de l’âme chez Baudelaire et Yavorov
La poésie bulgare du début du XXe siècle s’inspire largement des œuvres des poètes français du siècle précédent, parmi lesquels Baudelaire est l’un des plus cités et des plus admirés. Ainsi, l’une des figures emblématiques du « modernisme » bulgare, le poète Péio Yavorov, né en 1878 et mort en 1914, qui pratique le français et effectue plusieurs séjours en France, porte le projet, resté malheureusement irréalisé, de traduction des Fleurs du mal. De plus, Yavorov occupe, dans son pays, une place proche de celle qu’occupe Baudelaire en France. Tous les deux apportent « un frisson nouveau », celui de l’« âme », déchirée entre l’idéal et le dégoût, la beauté et l’ennui métaphysique. Cette proximité pourrait être illustrée par le commentaire comparé des poèmes « Les foules » et « Chanson à ma chanson » qui abordent le même thème, celui des pérégrinations de l’âme dans des intériorités étrangères. Sur ce point, les deux poètes se rencontrent de manière confondante car leurs textes expriment les mêmes entrelacements de contradictions éthiques, d’érotisme et de métaphysique. De cette proximité naissent également les nuances, dues à la spécificité de l’évolution de la poésie française et de la poésie bulgare, montrant à quel point la différente « éducation esthétique », reçue par les générations précédentes, peut éloigner des sensibilités originellement fraternelles.
Loxias | 51 | I.
La présence et le réel dans Du mouvement et de l’immobilité de Douve
La notion de présence, à laquelle fait souvent référence Yves Bonnefoy, est fondamentale pour la lecture de son recueil Du mouvement et de l’immobilité de Douve. Toutefois, il semble qu’on ne puisse parler de présence sans parler de réel. Il s’agit donc ici de définir ces deux notions tout en envisageant comment elles cohabitent dans le poème. Développant notre argumentation à partir des propos du poète, nous entendrons ce signifiant « Douve » comme un mot qui représente la parole. En ce sens, Douve excède la seule référence féminine pour devenir la dynamique propre du poème. Elle serait proche de ce réel, insaisissable par nature, sauf en de certains moments que définit l’état de présence. Elle pourrait en être la voie d’accès. Être en présence, éprouver la présence, pourrait permettre enfin d’entrer en contact avec la beauté.
« La mort de Saint-Loup » (Le Temps retrouvé)
L’épisode de la mort de Saint-Loup marque la fin de l’évocation de la guerre de 14 dans Le Temps retrouvé ; il entame également le mouvement qui conduira le narrateur à la décision de se consacrer à son œuvre littéraire. Pleurant son ami tué à la guerre, le narrateur se remémore leur relations passées : la personne de Saint-Loup devient personnage et sa vie un destin qu’il s’efforce de déchiffrer. Mais l’expérience du deuil contribue aussi à transformer l’histoire en mémoire.
Et en librairie... Inspirations méditerranéennes
“Atlande, 2015, « Clefs Concours », Littérature comparée 284 p., ISBN : 978-2-35030-342-0 « L’intitulé de la nouvelle question de littérature comparée au programme de l’agrégation de lettres modernes 2016 met d’emblée en lumière l’intérêt épistémologique qui résulte du croisement d’une approche thématique et d’une perspective générique : “inspirations méditerranéennes” : aspects de l’essai au XXe siècle. […] La mesure de l’essai contre la démesure du système, le consentement au relatif contre l’absolu du dogmatisme, le choix du fragmentaire contre l’ambition totalisante de la somme, le plaisir de la flânerie contre la marche forcée du traité, telles sont quelques-unes des po...”
Le souvenir d’un livre : François le Champi dans Le Temps retrouvé
La découverte de François le Champi dans la bibliothèque du prince de Guermantes s’inscrit dans la série des réminiscences qui révèlent finalement au narrateur le sens de sa vie et de sa vocation littéraire. Malgré une continuité évidente par rapport aux révélations précédentes, cette expérience marque une étape nouvelle et décisive, au seuil de l’épisode final du « Bal de têtes ».
Loxias | 51 | II.
Poétiques du descriptif dans le roman français du XIXe siècle
Cet ouvrage envisage la description comme un discours muet qui parvient à inscrire dans un texte une éthique ou des récits sous-jacents que l’herméneute seul peut décrypter. Cette étude livre les résultats d’une enquête sur les enjeux éthiques et esthétiques qui se nouent au cœur des descriptions romanesques. This work considers description as a mute discourse which succeeds in inscribing an ethic or underling narrative into a text which can only be deciphered by the hermeneute. This study reveals the results of an enquiry into the ethical and aesthetic stakes which lie at the heart of novelistic description.
Loxias | 52. | I.
Rien de nouveau sous le soleil ? Camus et Le Clézio
À travers l’étude du roman L’Étranger d’Albert Camus et la nouvelle « Le jeu d’Anne » de Jean-Marie Gustave Le Clézio, l’objectif du présent article est de montrer comment la personnification de la nature, et avant tout du soleil, permet de tracer des liens intertextuels entre ces textes et la mythologie gréco-romaine tout en dégageant, grâce à une approche éco-critique, une inquiétude sur le rapport entre l’être humain et la nature qui l’entoure. Through analysis of the novel The Stranger by Albert Camus and the short story « Anne’s Game » by Jean-Marie Gustave Le Clézio, the aim of the present article is to show how the personification of nature, specifically the sun, helps tracing intertextual links between these texts and Greek and Roman mythology, while at the same time unveiling, thanks to an eco-critical approach, a certain uneasiness about the relationship between man and the nature surrounding him.
Rousseau, la romance et la nature : ou la culture de la sensibilité devant la civilisation des Muses
Auteur de la première histoire verte du monde (selon J. Bate), Rousseau apparaît comme patron de la réflexion écocritique actuelle. Dans cet ordre, un de ses mérites est de percevoir les rapports entre le travail conceptuel et ses retombées sensibles – et d’en tirer des conséquences artistiques. Partant de ce constat, cet article met en lumière les soubassements de la réflexion rousseauiste sur le genre de la romance. Porteuse d’une anthropologie autant que d’une esthétique, celle-ci s’avère détenir un pouvoir performatif qui la propulse en moyen de promouvoir un espace culturel soustrait à la préséance du rationalisme et des représentations qu’il nourrit.
Loxias | 53. | I.
Paris beur : mise en texte du sujet révolté. Une lecture sociocritique d’Éboueur sur échafaud d’Abdel Hafed Benotman
Le roman d’Abdel Hafed Benotman, Éboueur sur échafaud, raconte l’entrée précoce du jeune Faraht Bounoura, dit Fafa, dans le monde ingrat des adultes. Son comportement marginal est une réponse à l’abandon moral dans lequel il se trouve. Dans un roman marqué par une écriture de « banlieue », Fafa est une figure d’anti-héros.
Loxias | 54 | I.
Marseille à l’avant-garde poétique (1925-1945) : le choix audacieux des Cahiers du Sud
Entre 1925 et 1966 paraît à Marseille une revue dont la renommée n’est plus à faire : Les Cahiers du Sud. Le choix de cette implantation géographique n’est pas banal, à tel point que la question du déménagement du siège reviendra à plusieurs reprises lors de moments-clés pour la revue (départ de Pagnol à Paris en 1925 et Libération). Pourtant, ils ne quitteront jamais leur ville natale, ce qui les rend atypiques dans un pays où la tendance à la centralisation a eu des conséquences importantes sur le plan culturel. Si l’industrie du livre se concentre majoritairement dans la capitale, la plupart des grandes revues littéraires aussi. Les Cahiers sont les seuls à s’être maintenus aussi longtemps sans être pour autant parisiens. Ce choix va se révéler capital dans la ligne éditoriale de la revue, et ce à plusieurs titres (ouverture sur la Méditerranée et apolitisme entre autres). Le volontarisme de Jean Ballard permet ainsi aux Cahiers de se singulariser et de mettre en avant une perspective différentielle vis-à-vis de ses concurrents immédiats. Cette localisation s’impose donc à la revue et devient, pour Jean Ballard, une affirmation idéologique permettant de faire de Marseille, durant l’entre-deux-guerres, un haut-lieu de l’avant-garde poétique. Between 1925 and 1966 a famous magazine comes out in Marseille : Les Cahiers du Sud. The choice of this geographical presence is not commonplace in the magazine’s world and the question of the moving of the office will repeatedly ask (at the time of Pagnol’s departure in 1925 and of the French Liberation). Nevertheless, Les Cahiers du Sud will never leave their home town, what makes this journal atypical in a centralist country. Most of the magazines are in the capital and Les Cahiers have an exceptional longevity for a non-Parisian magazine. This choice is major in his editorial policy : interest for the Mediterranean culture and apolitical literature for example. The magazine so differs from his competitors. This location becomes ideological and Marseille quickly became at the vanguard of this time.
Combe et comble de l’abjection : le hameau de Prunde dans La Gloire des Pythre de Richard Millet
Le hameau s’impose comme un véritable défi pour qui tente de le représenter ; lieu à l’écart du monde, dépourvu d’institutions propres, ce groupement d’habitations semble réduit à l’insignifiant ; pourtant, écrivains et artistes se sont intéressés à cet espace hors-norme. La Gloire des Pythre de Richard Millet, paru en 1995, est un roman rural mettant en scène une communauté paysanne au mode de vie rude et archaïque. La première partie du récit, en ayant pour cadre « la combe de Prunde », associe le hameau à une sourde malédiction : la neige rendant l’inhumation des corps impossible, les habitants doivent attendre les beaux jours afin d’offrir une sépulture aux défunts qu’ils conservent, en voie de putréfaction, sur des pilotis de bois. La décomposition cadavérique questionne alors tout à la fois l’espace et le corps, perçus comme instables, peut-être insaisissables, aux confins du réel et du savoir.
Suivre « le char d’une femme célèbre » : Benjamin Constant et Germaine de Staël face à la question du genre
S’appuyant sur les Journaux intimes de Benjamin Constant et la littérature critique à leur propos, le présent article se penche sur la façon dont cet adepte de l’introspection perçoit les conventions genrées de son temps et, à l’aune de cette norme, la lecture qu’il fait de son propre rôle dans sa relation avec Germaine de Staël, relation qu’il n’hésite pas à qualifier d’exceptionnelle. Le propos se centre sur la façon dont l’écrivain exprime cette perception dans l’intimité absolue de ses Journaux intimes, lieu privilégié d’une quête identitaire et d’une construction de soi qui culminent dans Amélie et Germaine, son premier journal, où Constant procède à une auto-analyse à la lumière de ses rapports avec les deux femmes. L’article cherche à montrer comment Constant, déchiré entre un désir d’émancipation qui est aussi une aspiration à la gloire et une peur du changement qui le paralyse, tente, dans cet espace de l’intime, de définir son identité et d’agir sur son être profond, afin de pouvoir envisager l’avenir.
Engagement difficile. Les poèmes de croisade de Rutebeuf
Rutebeuf laisse onze poèmes de croisade qui conduisent leur auteur à entrer en contact avec l’Histoire, tout en le confrontant à une série de questions : la poésie a-t-elle un rôle dans le temps qui court ; quels moyens a-t-elle à sa disposition ; et ce rôle et ces moyens, s’ils existent, sont-ils légitimes ? Questions difficiles auxquelles le poète du XIIIe siècle a du mal à trouver une réponse irréfutable. Historiquement, son engagement semble finir en mésaventure. À nous d’y lire une aventure littéraire. Rutebeuf leaves eleven crusade poems that lead their author to enter into contact with the History, while confronting him with a series of questions : does the poetry have any role in the time passing ; which means does it have at its disposal ; and if this role and these means do existe, are they legitimate ? Hard questions, to which the poet of the thirteenth century has difficulty finding an irrefutable answer. Historically, his engagement seems to be a misadventure. It’s up to us to read there a literary adventure.
Anglicismes et appauvrissement stylistique : la traduction de with
Le constat vient principalement de l’écoute des doublages de films et de séries télévisées : with est souvent traduit littéralement mais à tort. Est-ce se montrer trop puriste de trouver à y redire ? Sommes-nous les seuls à « avoir un problème avec cela », ou plutôt à qui cela pose un problème ? Moins qu’une erreur, cette maladresse stylistique peut paraître assez inoffensive ; par conséquent, s’agit-il d’observer simplement ce phénomène, ou convient-il d’enrayer sa progression ? It seems obvious, especially when watching films and TV series dubbed into French, that the preposition with is often translated literally, and wrongly so. Do only purists object to that? Am I the only one who has a problem with that – or rather, "to whom it poses a problem", as a French speaker might say? Seeing that it is not a mistake, this stylistic clumsiness may seem rather harmless. Thus, is it just something to observe, or to quell?
Albert Camus et la poétique de Némésis
Après les cycles de l’absurde et la révolte, ayant Sisyphe et Prométhée comme mythes centraux, Albert Camus avait le projet d’écrire un cycle sur l’amour autour du mythe de Némésis. Dans ce contexte, l’amitié avec René Char se fait lieu fécond pour la redécouverte d’une poésie nourrie par un amour fraternel, des affinités philosophiques communes et par les paysages de la Provence, ce que l’on trouve surtout dans La Postérité du soleil, dans quelques notes des Carnets, dans l’essai « L’exil d’Hélène » et dans le chapitre « La pensée de midi », de L’Homme révolté. Par la lecture de ces textes, cet article a donc pour finalité de présenter la manière dont se construit une « Poétique de Némésis » dans la maturité de Camus. After the cycles of the absurd and of the revolt, with Sisyphus and Prometheus as central myths, Albert Camus planned to write a cycle about love, around the myth of Nemesis. In this context, his friendship with René Char became a fecund place for the rediscovery of a poetry nurtured by fraternal love, philosophical affinities and Provence’s landscape. We can see its results in works like The posterity of the sun, his last Notebooks, the essay “Helen’s exile” and in the last chapter of The Rebel. Through an analysis of these writings, this article aims to present the construction of a “Nemesis’ Poetics” in Camus’ maturity.
Minimalisme de l’écriture concentrationnaire : les cas de Varlam Chalamov et de Jean Cayrol
Du point de vue du questionnement sur les modes de représentation conformes au vécu, les œuvres de Varlam Chalamov et de Jean Cayrol se rapprochent, malgré la distance géographique et culturelle qui sépare leurs expériences personnelles. La lecture transversale des œuvres de deux auteurs, russe et français, vise à étudier la transformation du romanesque dans la littérature d’après-guerre et à tracer les liens entre l’écriture minimaliste et l’expérience extrême prenant en considération les procédés stylistiques et les images récurrentes, aussi bien que les structures discursives qui marquent les positions des écrivains par rapport à l’expérience concentrationnaire. From the perspective of questioning on the modes of representation consistent with the living experience, the literary works of Varlam Chalamov and Jean Cayrol enter into a dialogue, despite the geographical and cultural distance between their personal backgrounds. The comparative reading of these writers, a Russian and a French, aims at studying the transformation of writing techniques in the post-war literature and at drawing the links between minimalist writing and experience of the extreme, taking into consideration some stylistic features, recurrent images and discursive structures that outline the writers’ positions in regard to the reality of the concentration camps they both witnessed.
La figure de la fée électricité dans L’Ève Future de Villiers de L’Isle Adam : une illustration des utopies technologiques de la fin de siècle
Notre étude analyse la manière dont le merveilleux scientifique utilise les conventions du conte pour illustrer une utopie, celle du scientisme de la fin du dix-neuvième. La critique littéraire a jusqu’ici accordé peu d’importance au merveilleux scientifique, le confondant bien souvent avec la science-fiction. Ainsi, L’Ève Future de Villiers de l’Isle Adam (1886) est souvent considérée à tort comme un roman de science-fiction. Le récit traite en effet de la création d’une femme machine par le célèbre savant Edison. En tournant les pages, le lecteur s’évade pourtant à travers un récit peuplé de fées, d’esprits, de châteaux brumeux, et de magie, caractéristiques du registre merveilleux. Nous nous concentrerons sur la représentation, dans le roman, de la fée électricité. Nous examinerons la manière dont cette figure de la fée illustre la fonction magique souvent attribuée à la technique et analysée en philosophie par Ernst Bloch. This article points out the rupture that occurred at the end of the 19th century in the utopian tradition: no longer representing a new land, it is now science that creates enchantment and that can lead human beings to happiness in a perfect place. Paradoxically, this technological utopia is not described in the language of science, but in terms of its seeming contrary: the fairy tale. Relying on the work of Ernst Bloch, who established the relationship between utopia and fairy tales, this article examines the fairy tale elements in an overlooked novel by Villiers de l’Isle-Adam, L’Ève Future [The Future Eve], that I analyze as a techno-utopia in which a machine is to bring love and bliss to the protagonists. The story takes place in Edison’s laboratory, where, thanks to his experiments on electricity, he creates a machine-woman, an android, to replace his friend’s imperfect fiancée. On the first page, the author classifies the story as a “legend” in which the hero is considered “a magician” and “a sorcerer”. The reader then penetrates into a scientific fairy tale full of fairies, spirits, castles and magic. Rather than interpret the work as a science fiction novel, as most criticism does, I instead provide a close textual analysis showing how a new form of utopia is established through a curious union of science and magic.
La querelle du romantisme vue par le prisme satirique (1820-1864)
En 1820, quand paraissent les Méditations poétiques, le succès est considérable. Depuis près de deux décennies, ceux qu’on nommait alors les réformateurs attendaient le chef-d’œuvre qui leur manquait pour légitimer le renouveau poétique qu’ils appelaient de leurs vœux : les Romantiques, avec Lamartine, avaient enfin trouvé leur champion. La résistance classique s’organisait cependant : depuis les premiers écrits de Mme de Staël et la popularisation en France des œuvres d’auteurs septentrionaux (anglais et allemands principalement), on n’avait cessé de dénoncer la détérioration des lettres, on n’avait cessé de porter des accusations douteuses sur le manque de patriotisme des thuriféraires de Staël et Schlegel, on n’avait cessé de fustiger la poétique de la nouvelle école. Mais après 1820, alors que les « régénérateurs » s’emparent progressivement du Pinde, la « querelle des classiques et des romantiques », ultime avatar de la querelle des Anciens et des Modernes inaugurée sous Louis XIV et promise à une longue postérité, s’intensifie. Le prisme satirique est un excellent biais pour en appréhender les enjeux.
Loxias | 55 (déc. 2016). | I.
Étude littéraire : vers 1 à 471 du Livre du duc des vrais amants de Christine de Pizan
“ [Remarques préliminaires] Les notes à la traduction qui précèdent l’étude littéraire n’ôtent rien à la qualité de l’édition traduite mise au programme. Celle-ci offre notamment une introduction très claire et informée aux questions littéraires posées par le poème, une annotation souvent très suggestive, et des tableaux qui éclairent utilement les insertions lyriques. Les épreuves orales du concours supposant une traduction plus littérale de l’œuvre médiévale, on trouvera ci-dessous quelques éléments de réflexion qui permettront à chaque candidat de refaire sa propre traduction du passage. Les propositions formulées aux pages 1 à 6 s’adossent aux ouvrages de référence, soit princi...”
« Qu’est-ce que le vide ? » L’ellipse dans Les Âmes fortes de Jean Giono
Avec Les Âmes fortes, Giono livre un roman particulièrement complexe, notamment en raison des versions contradictoires qu’il propose des mêmes événements, mais aussi à cause des silences du récit : des éléments essentiels à la compréhension sont livrés avec retard ou tout simplement tus. Nous nous penchons donc ici sur la figure structurante de l’ellipse, conçue comme le pendant formel d’une métaphysique du vide et de l’ennui. Alors que l’ellipse syntaxique, qui participe au travail de stylisation de l’oral, n’est que modérément remarquable, les types que nous appelons ellipse logique et ellipse informationnelle, ainsi que l’ellipse narrative et sa variante la paralipse, constituent d’authentiques béances qui mettent le lecteur en demeure de tenter de reconstituer, par une inlassable activité inférentielle, la cohérence locale et globale, parfois sans succès. De ce travail peut naître le sentiment du sublime – ou bien l’impression d’être sans cesse floué et moqué par un texte qui refléterait ironiquement le mystère des événements et des caractères. Enfin, l’ellipse progressive du focalisateur (le sujet du point de vue), dans un roman pourtant dialogué, signe une paradoxale vaporisation du sujet, qui compromet les chances de l’activité herméneutique même.
Loxias | 57. | I.
Divertir et déranger : anatomie d’un théâtre de Boulevard dialectique – Vie et mort de H et Funérailles d’hiver de Hanokh Levin
Dans le théâtre de Hanokh Levin et ses mises en scène françaises, la dimension boulevardière déborde les limites du genre. Ce débordement rend compte d’un théâtre de Boulevard dialectique qui réactive et reconfigure l’héritage brechtien. Procédant par à-coups, le théâtre lévinien réinvente le Boulevard en jouant du détournement de contrat dans une perspective métaphysique et politique.
La financiarisation des théâtres privés parisiens au tournant du XXIe siècle
Des groupes ainsi que des producteurs se sont engagés dans une appropriation multiple de théâtres privés parisiens. L’article situe d’abord les flux de capitalisation opérés depuis les années 2000 puis analyse les enjeux posés par la volonté de contrôler des entreprises situées aux différents segments de la chaîne de valeur du spectacle vivant. Le renforcement des logiques d’action et d’évaluation de l’industrie, du marché, de la renommée doit nécessairement s’imbriquer avec le maintien d’une logique d’inspiration artistique pour maintenir une attractivité des spectacles.
Boeing-Boeing de Marc Camoletti : hypothèses sur un triomphe paradoxal
Afin d’expliquer le succès record de Boeing-Boeing sur les scènes internationales malgré une reconnaissance critique limitée, cet article l’analyse comme le résultat de plusieurs facteurs conjoints : une écriture qui réinvestit les codes du boulevard pour les porter à un degré de virtuosité extrême (« hyper-boulevard ») ; un conformisme moral et social combiné à un évitement de tout esprit polémique ; et une ossature dramaturgique solide, paradigmatique, qui se prête aisément à des réécritures et à des adaptations dans des contextes culturels très divers. In order to account for the record success of Boeing-Boeing on international stages, despite its poor critical recognition, this article proposes an analysis of the play that explains its success as a result of several combined and overlapping factors: the writing that subsumes the codes of traditional boulevard comedy and brings them to a level of extreme virtuosity (“hyper-boulevard”), the play’s moral and social conformism and its strict avoidance of all controversy, and finally its solid, paradigmatic "bone structure" that lends itself well to adaptations into very diverse cultural contexts.
La valse des étiquettes : références, clichés, stéréotypes et dramaturgie boulevardière chez Françoise Dorin
Dans son Dictionnaire du théâtre, Michel Corvin affirme que « L’ambition – réalisée – de Dorin est de donner un second souffle au théâtre de Boulevard ». L’un des moyens privilégiés de cette refondation est la métathéâtralité. La dramaturgie de Françoise Dorin est en effet puissamment réflexive, à la fois brillante et consciente, même si le premier terme tend à l’emporter largement sur le second. Maîtrisant toutes les subtilités de la pièce bien faite, l’auteur exhibe et commente les ficelles et recettes du répertoire dans un dédoublement jouissif. Elle présente le genre à travers une collection de clichés – dramaturgiques et/ou critiques – et de stéréotypes qui contribuent à figer son image : au mieux, un genre clair, brillant, virtuose, qui requiert tout le savoir-faire de son auteur ; au pire, un théâtre digestif, convenu, périmé. Ce faisant, elle joue sur les deux tableaux de l’héritage et de l’ironie ; elle fait jouer les étiquettes autant qu’elle interroge leur pertinence. Elle embrasse le boulevard mais c’est pour le rafraîchir.
Pierre Barillet : un théâtre de jouvence ?
Qu’il s’agisse des comédies que Pierre Barillet co-écrivit avec Jean-Pierre Grédy ou des pièces, beaucoup plus sombres, qu’il écrivit seul, la thématique du temps constelle son œuvre sous différentes formes : histoire – collective ou individuelle, nostalgie, regrets, communications intergénérationnelles plus ou moins aporétiques, vieillissement, recherche d’une nouvelle jeunesse, retour du premier amour... Ces voyages dans le temps, sous forme de quêtes égotistes, brouillent les temporalités. Certains personnages semblent mus dans un va-et-vient continuel entre le présent et le passé. Comment le théâtre, lieu de l’instantané, de l’événement, du présent, parvient-il à s’entendre avec le passé ?
« Il n’y a pas de bon théâtre sans caractères ». Rencontre avec Pierre Barillet
“Entretien réalisé par Claire Poirson Pierre Barillet entame sa carrière d’auteur dramatique en 1945 avec Les Héritiers1, drame sombre d’inspiration mauriacienne, avant de co-signer, entre 1950 et 1994, une vingtaine de comédies avec Jean-Pierre Gredy. Certaines de leurs pièces connaissent un triomphe : Le Don d’Adèle, Folle Amanda, ou encore Potiche, adaptée au cinéma en 2010 par François Ozon, avec Catherine Deneuve en tête d’affiche. Pour ne citer que son théâtre2, Pierre Barillet écrit six pièces qu’il signe seul, entre 194...”
Loxias | 58. | I.
L’amour et la souffrance dans les romans de Léon Bloy : un écrivain contre son temps
Dans les romans de Léon Bloy, la prostituée et la sainte femme (pauvre) sont les représentantes privilégiées de la doctrine hétérodoxe de l’auteur sur l’Amour chrétien. Ainsi que l’explique Léon Bloy dans une lettre à Georges Landry en 1873, « un cœur sans afflictions est comme un monde sans révélation ». Dans cet article, il s’agira d’étudier les deux personnages féminins majeurs présents dans l’œuvre bloyenne : Véronique Cheminot et Clotilde Maréchal. L’étude de ces figures féminines montrera que c’est à travers elles que l’auteur critique le rationalisme et le matérialisme (scientifique et littéraire) de la Troisième République naissante. Devenant grâce à leur souffrance consentie de véritables saintes, Véronique et Clotilde traduisent la pensée de la souffrance « féminine » chère à Léon Bloy. In the novels of Léon Bloy, the prostitute and the holy woman (who is poor) are privileged representatives of the author’s heterodox doctrine regarding Christian love. As Léon Bloy explains in his letter to Georges Landry in 1873, « a heart without affliction is like a world without revelation ». In this article, we shall study the two major female characters in the novels of Léon Bloy: Véronique Cheminot and Clotilde Maréchal. We will show that it is through them that the author criticizes the Third Republic’s rationalism and scientific and literary materialism.
Aux portes de l’Entre-deux
La porte, motif privilégié du passage, prend une place centrale dans l’imaginaire transitionnel des récits d’expérience de mort imminente. Pour autant, les thanatonaufictions occupent-elles inversement un rôle au sein de cette symbolique ? Nous verrons que les portes permettent de penser la notion de transmission, affiliée à celle de l’initiation. Cet imaginaire transitionnel fait donc émerger une poétique de la transmission, d’abord contrainte, nécessaire ensuite ; et finalement impossible, lorsque les portes suggèrent l’intransmissible.
À travers un verre, obscurément : Michaux ou l’opacité de la langue
Écrivant contre la nécessité de clarté et de transparence qui permettrait l’intelligibilité des productions écrites, garante de leur sens comme de leur valeur, Michaux revendique donc la pratique d’une langue opaque, volontairement « barbare », qui appelle une lecture authentique et désintéressée de toute élucidation, préservant ainsi l’individu de toute assimilation dans un universel fallacieux mais aussi et surtout des infiltrations d’Autrui par le biais de sa parole. Michaux ne cherche pas la confidence, l’aveu et l’exposition de soi-même ; s’il écrit pour se parcourir et s’exorciser, il accueille toutefois la possibilité qu’un lecteur-frère, aux épreuves communes, puisse l’entendre. Ainsi, l’éthique et l’esthétique de l’opacité qui le caractérisent n’en font pas pour autant un poète taciturne ou volontairement hermétique. Very early in his career, Henri Michaux has written against the necessity of transparency and clarity, both western traditional standards, supposed to convey intelligibility to writings as guarantee of their meaningfulness and value. The poet claims the opacity of his language, willingly barbaric. Such an opaque writing should guarantee the poet the authenticity and selflessness of the reading and averts any temptation of elucidation; here is the most efficient safety against the risk of alienation and assimilation of the individual into a fallacious universality, but also against any risk of the other’s intrusion into its consciousness, through the transparency of the word. Michaux does not seek confidence, avowal and self-exposure; he writes for self-exploration, exorcism, and yet he surely accepts the possibility of being understood and seen by some happy few, some fraternal reader, bound together by common scars. Despite his search for ethic and aesthetic opacity, surely the most significant trademark of his poetic, Michaux can’t be read as a hermetic poet.
De quoi la philanthropie était-elle le nom ?
À quoi renvoie le terme de philanthropie si souvent utilisé par les romanciers du XIXe siècle ? Est-ce la même notion qui est invoquée sous la plume d’un Dumas, d’un Zola ou d’un Stendhal ? Cet article tentera de montrer la mutation du sens du mot philanthropie tout au long du XIXe siècle, de voir les deux âges qu’il a connus et qui correspondent à deux sensibilités du XIXe siècle : le temps des utopies aux élans révolutionnaires et l’âge de la rationalité scientifique, féru de statistique et d’enquête sociale.
Écrire la peinture d’histoire : Jacques-Louis David dans la fiction de Pierre Michon
Cet article propose d’explorer la dimension intermédiale du roman Les Onze de Pierre Michon. Cette approche consistera non pas à comparer l’apport de l’image dans cette narration qui met en scène le peintre fictif François-Élie de Corentin représentant les onze pères de la Révolution française, mais plutôt à comprendre comment l’utilisation de références picturales réelles, comme celle à Jacques-Louis David, permettent de créer une œuvre d’art fictive dont le dialogue avec l’histoire de l’art propose d’explorer une dimension critique à travers la littérature. Michon, grâce au récit qu’il tisse autour des Onze, suggère cette relecture historique, cette exploration de l’autre côté de la narration, derrière ce qui est officiel, voire institutionnel en proposant une médiation culturelle qui sort du musée afin d’investir l’accessibilité que lui offre le médium littéraire. Dans cet article, on s’attardera à ce qui relève directement de la peinture, autant d’un point vue historique, que sociologique ou historiographique. This article will explore the intermedial dimension of Pierre Michon latest novel: The Eleven. Instead of comparing the contribution of the image on the narrative text, which is set around the fictional painter François-Élie de Corentin representing the eleven fathers of the French Revolution, our approach will rather try to understand the use of real pictural references. The allusion to Jacques-Louis David allows to create a fictional work of art inside the novel, where the dialogue with art history suggests to explore literature’s critical dimension. With the narrative he weaves around The Eleven, Michon offers an historical rereading, an exploration on the other side of the narrative, behind what is official, or even institutional, by proposing a cultural mediation that leaves the museum to invest the accessibility offered by literature. In this article, we will focus to what directly results from painting, from historical, sociological and historiographical perspectives.
Loxias | 59. | I.
Réminiscences lucrétiennes chez André Chénier
Souvent mentionnée, l’importance de Lucrèce pour Chénier n’a guère été étudiée alors qu’elle peut ouvrir sur l’œuvre du poète une perspective féconde et unifiante car elle est perceptible dans tous les registres de son activité littéraire et pas seulement dans sa poésie scientifique. Le dialogue que Chénier engage avec le De rerum natura est peut-être plus profond que celui de nombre de ses contemporains, en raison d’une relation privilégiée avec la littérature antique mais aussi de réelles affinités avec la philosophie épicurienne.
« roots & déroutes plus croisement » : présence de Nicolas Bouvier dans le discours poétique des chansons de H.F. Thiéfaine
L’écho apporté par le titre « roots & déroutes plus croisement » au recueil d’entretiens Routes et déroutes de Nicolas Bouvier invite à une exploration du dialogue implicite qui s’établit entre les chansons de H.F. Thiéfaine et la production de Nicolas Bouvier. Les correspondances décelables entre les livres de Bouvier (notamment L’Usage du monde et le Poisson-Scorpion) et de nombreux textes de Thiéfaine permettent de prendre conscience des modalités de réappropriation des textes de Bouvier mises en place au sein du discours énigmatique et multivoque, qui insère les réécritures d’une même formule de Bouvier dans plusieurs chansons sans véritable parenté thématique. L’étude comparative des positions théoriques des deux auteurs se révèle tout aussi fructueuse, puisqu’elle dévoile une communauté d’approche fondamentale reposant notamment sur une conception artisanale du travail sur la langue et un intérêt jamais démenti pour les mots. The correspondence between Thiéfaine’s song title roots & déroutes plus croisement and the volume Routes et déroutes containing interviews by Nicolas Bouvier invites to an investigation of the latent dialogue which takes place between the Thiéfainian corpus and Bouvier’s production. The parallel or echo-like formulations in the songtexts and in Bouvier’s relations of his worldwide journeys give us the possibility to recognize and analyze how Thiéfaine transforms the sequences found in Bouvier’s texts in the manner of a cut-up, which allows the reformulation of a particular statement in two or three different songtexts that have no kind of thematical affinity. The way both authors reflect about their artistic activity shows that they both conceive writing as an activity of genuine artisanal character, insisting on the importance of the sensibility for the single word and its place in the creation process.
Loxias | 60. | I.
Les transformations silencieuses de l’écriture. Analyse poïétique/poétique d’une page de Michel Butor : Le Génie du lieu
Empruntant la notion de transformation silencieuse à la philosophie de François Jullien, nous proposons une interprétation poïétique/poétique d’une page de Michel Butor, basée sur la lecture génétique de la fin d’un manuscrit de jeunesse : Le Génie du lieu, premier volume, publié en 1958, de ce qui allait devenir la série homonyme qui s’achève, en 1996, avec la publication de Gyroscope, dit « Génie du lieu, 5 et dernier », mais qui continue à se mouvoir et à se transformer, plus ou moins silencieusement, à l’occasion de sa publication dans l’ensemble des Œuvres complètes, en 2007. Cette analyse permet de revisiter la notion poétique de page paysage proposée par Jean-Pierre Richard en 1984, mais aussi l’idée d’écriture en transformation que Michel Butor associait, en suivant une suggestion de ses collègues, à ses propres Improvisations sur Michel Butor (texte de 1993 issu de son dernier cours, tenu à l’Université de Genève en 1991). Entre les transformations silencieuses (imperceptibles et lentes, se produisant à notre insu) et les changements sonores voire bruyants (des événements), nous proposons la notion de transformations musicales, pour désigner ces formes d’intervention artistique qui se nourrissent de leur polarité. Les transformations musicales sont capables de se tenir à l’écoute des transformations silencieuses et de ne pas se laisser assourdir par leurs bruits, dans le but d’y pouvoir agir au mieux et de se servir de l’énergie de leur tension pour y laisser jaillir le nouveau : un son nouveau, qui n’ait pas l’effet de choc d’un bruit, mais l’arrivée discrète d’une fluidité musicale. Notre entreprise vise à donner à penser l’écriture comme fluidité. L’écriture y apparaît comme un exemple de transformation musicale, un faire humain attentif aux transformations silencieuses de la vie. Notre plongée analytique dans la matière des textes de Michel Butor est ainsi accompagnée par l’hypothèse d’une discipline poïétique/poétique qui puisse instaurer un dialogue fécond entre la philosophie et la critique génétique des textes.
La contrainte d’écriture et la vie
La contrainte d’écriture, la matrice créatrice, que se donne Michel Butor ou qu’il perçoit dans les œuvres d’autrui, peut relever de la destination sociale du texte ou du choix d’une méthode de création, aussi bien pour les textes d’invention que pour les textes critiques accompagnant l’œuvre d’autres artistes. Mais ces taxinomies conduisant l’inspiration de Butor ne sont pas une simple amorce à l’inventivité et à la création : elles révèlent le désir de savoir exhaustif, ont pour objet le lieu d’un mystère, d’une repoétisation d’univers, mêlent la contrainte, dans son extériorité apparente, à la vie personnelle et sont aussi transposées et dépassées par l’affect. Elles sont aussi parfois censures et travestissements des désirs. Aussi s’agit-il d’envisager quelques formes différentes de contraintes créatives chez Michel Butor et de voir comment celles-ci deviennent une forme de vie pour lui et une force de savoir pour un état du monde. The constraint of writing, the creative matrix, that Michel Butor gives himself or that he perceives in the works of others, can be the social destination of the text or the choice of a method of creation, as well for the texts only for critical texts accompanying the work of other artists. But these taxinomies driving Butor’s inspiration are not just a primer to inventiveness and creation : they reveal the desire to know how to be exhaustive, their object is the place of a mystery, a « re-poetization » of a universe. They combine coercion, in its apparent externality, with personal life and are also transposed and overcome by affect. They are also sometimes censures and disguises of desires. The article is about considering different forms of creative constraints in Michel Butor and to see how they become a form of life for him and a force of knowledge for a state of the world.
Cadrages du sensible : Michel Butor et la photographie
Photographe éclairé, auteur de textes sur la photographie, collaborateur de photographes, Michel Butor s’est très tôt intéressé au huitième art, qui l’a inspiré une soixantaine d’années. Sa propre pratique, sa réflexion théorique et son regard critique témoignent tout à la fois de son sens du cadrage, de son attrait complexe pour la lumière et de son esthétique à fleur de peau.
Loxias | 61. | I.
La figure de l’enfant dans l'oeuvre de Thiéfaine
Particulièrement présente dans l’œuvre de Thiéfaine, la figure de l’enfant est très souvent associée à l’idée de la douleur et va s’exprimer soit à travers des personnages d’enfants qui souffrent, soit à travers des relations conflictuelles, voire violentes, entre le monde de l’enfance et celui des adultes. On la retrouve dans diverses situations de la vie, mais la conception (et la naissance), l’école et la guerre seront des moments privilégiés quant à l’expression de cette violence, tout comme le détournement des symboles enfantins. Néanmoins, si cette figure d’enfant blessé est omniprésente, elle finit toujours par se révolter et par permettre une sublimation de cette souffrance par l’art. The child figure, which is particularly represented in Thiéfaine’s entire work, is often associated with the idea of suffering and expresses itself through either suffering children characters or conflictual, sometimes violent, relationships between childhood and adulthood. We can find this violence in various life situations, but conception (and birth), school, war, and the misuse of childish symbols remain privileged mediums to express it. Nevertheless, this hurt kid figure might be ubiquitous, it always end up rebelling and thus allows the suffering to be sublimated through works of art.
Loxias | 62. | I.
Pierre Gringore dans et hors de Notre-Dame de Paris
Dans Notre-Dame de Paris, Victor Hugo fait découvrir la fin du Moyen Âge à ses lecteurs. C’est en 1482, dernière année de règne de Louis XI, qu’ont lieu les aventures de la Esmeralda, de Quasimodo, mais aussi de Pierre Gringoire. Dans cette atmosphère de mutation historique et politique qui fait écho à celle des années 1830, Gringoire est le seul des protagonistes principaux à avoir un alter ego clairement identifiable dans la réalité. Pour créer ce poète ridicule mais talentueux, pauvre mais prétentieux, lâche mais ingénieux, Victor Hugo s’inspire librement de Pierre Gringore. Également actif durant une période de transition, entre Moyen Âge et Renaissance, il a de nombreux points communs avec son homologue fictionnel. Ainsi, le fait de s’intéresser aux activités, à la vie et aux textes du poète Gringore permet d’enrichir l’analyse du personnage Gringoire, analyse qui nourrit à son tour l’étude de l’œuvre du poète authentique. In « Notre-Dame de Paris », Victor Hugo helps his readers discover the end of the Middle Ages. In 1482, during the last year of Louis XI’s reign, la Esmeralda’s and Quasimodo’s adventures take place, but also those of Pierre Gringoire. In this atmosphere of historical and political changes – echoing that of the 1830s, Gringoire is the only one among the main characters, to have an alter ego, clearly identified in real life. To create this ridiculous but talented poet, poor but pretentious, coward but inventive, Victor Hugo freely drew his inspiration from Pierre Gringore. Active during a transition period, between the Middle Ages and the Renaissance, Pierre Gringore has a lot in common with his fictional double, so that the poet’s activities, life and literary works provide as much information on the character’s as the character does on the analysis of the author’s work.
Loxias | 63. | Agrégation de Lettres
Les balances de toile d’araignée du moderne Marivaux : du stéréotype critique à la métaphore heuristique
L’image des balances de toile d’araignée de Marivaux fait partie des poncifs tenaces, inlassablement repris depuis le XVIIIe siècle et rarement interrogés. Un retour aux sources précises de l’image ainsi que la prise en compte de la symbolique qui lui est attachée dans le contexte de la querelle des Anciens et des Modernes permet de montrer qu’elle est susceptible d’être renversée, comme l’a été la figure de l’araignée, passant du statut d’anti-modèle à celui de modèle pour la création poétique. Elle pourrait dès lors cristalliser tout ce qui fait la modernité de l’écrivain dont témoigne l’intérêt constant que son théâtre a rencontré chez les metteurs en scène depuis le milieu du XXe siècle.
Conscience et vérité dans Richard III de Shakespeare, Cinna de Corneille, Boris Godounov de Pouchkine, et La Résistible Ascension d’Arturo Ui de Bertolt Brecht
Cet article traite des rapports entre la réalité, la vérité, et la conscience dans les œuvres au programme de littérature comparée intitulé « le pouvoir en scène ». Il commence par traiter de la question de la vérité au théâtre, pour passer ensuite en revue la question de la représentation sur la scène et en politique. La question du mensonge d’État est ensuite mise en relation avec celle de la conscience du souverain. On passe ensuite au rapport de la conscience avec la réalité, puis à celle de la maîtrise du monde par la conscience ainsi que de sa propre maîtrise. On aborde ensuite la question de la légitimité du pouvoir, et de la nature de son fondement, pour conclure sur l’importance dans l’ensemble des œuvres du programme du rôle de la conscience individuelle du chef d’État dans les développements de la réalité politique.
Loxias | 66. | I.
Conception et place de la bibliothèque chez Pierre Reverdy
Forte de l’idée que la représentation que construit un écrivain de cet espace qu’est la bibliothèque est symptomatique de son rapport à la convention et à l’érudition mais interroge aussi les relations entre l’art et la vie, l’étude proposée cherche à comprendre la variété de représentations que l’on trouve dans l’œuvre de Pierre Reverdy. A la fois célébrée car garante d’une tradition littéraire dont il importe de se souvenir et décriée en raison des nombreux vices qui sont attachés à l’objet livresque, la bibliothèque interroge in fine sur le lieu de conservation du patrimoine littéraire.
Shéhérazade, plusieurs fois morte. Éléments de réflexion sur la (dé)naissance d’une figure mythique dans « La femme en morceaux » d’Assia Djebar et J’ai tué Schéhérazade. Confessions d’une femme arabe en colère de Joumana Haddad
Cet article se propose d’étudier, à la croisée d’une étude d’influence et de réception, la figure de Shéhérazade à travers deux de ses recréations littéraires : « La femme en morceaux » d’Assia Djebar et J’ai tué Schéhérazade de Joumana Haddad. Que représente la conteuse pour ces écrivaines ? Et pourquoi la solliciter ? L’analyse des textes devrait permettre non seulement de répondre à ces questions mais aussi de comprendre le rapport des réécritures à la figure de la conteuse -ou comment la création littéraire redéfinit le personnage- et de saisir, par là même, les enjeux littéraires et socio-poé(li)tiques des usages féminins de Shéhérazade.
Anouilh, Antigone, le ressort : une histoire ambiguë
Cet article vise à retracer les épisodes qui ont encadré la variante de l’histoire d’Antigone écrite par le dramaturge français Jean Anouilh pour en découvrir les motifs. L’article se focalise sur la critique méta-théâtrale à la tragédie conçue par Anouilh et sur les événements qui ont bouleversé la France occupée, soit l’attentat de Paul Collette, l’exécution du groupe Manouchian, la rafle du Vel d’Hiv. La conception du ressort, du déroulement tragique qui se dévoile de façon autonome obéissant aux lois anciennes, sert une vision de l’histoire où les individus se rendent à un destin déjà connu, où tout combat est vain et dans lequel il faut seulement fermer les yeux devant les horreurs de l’histoire afin d’éviter toute implication personnelle. This paper aims at tracing the circumstances surrounding the writing of Antigone by the French dramatist Jean Anouilh. The article will focus on his metatheatrical critic of drama and the events which devastated France during the German occupation; such as the aggression to one of the most controversial politicians of Vichy government, the execution of the Manouchian group, the Vel d’Hiv roundup. Anouilh’s theory of the spring, which is the source of a tragic sequence of events governed by the ancient laws of tragedy, provides a vision of history depicting surrendering individuals who succumb to a destiny that is already known. Therefore every battle is vain and indifference is the balm that heals the horrors of wartime.
Plurilinguisme et musique : tour de Babel et châteaux de sons
La présente étude a pour vocation de mettre à jour la teneur des rapports qui se nouent entre les langues et la musique dans l’œuvre de quatre poétesses de la modernité, toutes plurilingues, Marina Tsvetaeva, Alejandra Pizarnik, Amelia Rosselli et Michèle Finck. Il s’agit de montrer comment la musique intervient dans un contexte où le plurilinguisme apparaît comme une ressource poétique mais aussi comme un vecteur de troubles dans le rapport des poétesses au langage et au réel. Si le plurilinguisme confine parfois à l’alinguisme, il est à l’origine d’une parole poétique qui porte l’espoir de se constituer en langue propre, notamment par le recours aux ressources de la musique. Il s’agit aussi d’explorer dans cet article la présence de la métaphore architecturale, pour montrer comment les poétesses érigent des édifices poétiques fondés sur le son, à partir des restes de la tour de Babel.
Loxias | 67. | I. | Agrégation de Lettres
La question du hasard dans Zadig, Candide et L’Ingénu
Au XVIIIe siècle l’idée de hasard fait l’objet d’un rejet unanime : incompatible avec l’idée de Providence comme avec celle de lois de la nature, elle apparaît comme un scandale aussi bien pour la raison que pour la foi. Voltaire ne fait pas exception à la règle mais le recours à la fiction soumet, dans ses récits philosophiques, l’exclusion théorique du hasard à une relativisation ironique : nié dans le discours, le hasard triomphe dans la narration. La fiction s’y révèle ainsi comme l’antidote le plus efficace au didactisme, confrontant le lecteur à des questions laissées sans réponse.
Loxias | 68. | I.
Edgar Allan Poe sur les scènes françaises entre 1900 et 1910
Tout au long du XIXe siècle, l’adaptation sur les scènes parisiennes des œuvres romanesques parues à l’étranger est quasi immédiate et systématique, source d’inspiration et de régénération pour la littérature française. Révélées à partir de 1846 au public français, les nouvelles d’Edgar Poe devront attendre environ cinquante années pour être adaptées au théâtre. Pourquoi ce délai ? Quelles sont les caractéristiques de ces œuvres secondes tirées des œuvres de Poe ? Sont-elles fidèles aux œuvres premières ? Leur étude tant socio-critique que poétique, de leur genèse à leur réception par les spectateurs et la presse, permettra de mettre en évidence leur originalité par rapport à la production théâtrale française du début du XXe siècle et leur influence sur un genre littéraire en questionnement, bientôt relayé par le cinéma. All 19th century long, adapting foreign novels for the Parisian stages is very usual, immediate and almost systematic. This practice, introducing new ideas and literary forms, is a big factor of regeneration for the French literature. First translated in French in 1846, Poe’s short stories will be adapted to the stage only fifty years later. Why having wait so long? What are the characteristics of those plays inspired by Poe’s works? Do they respect the original writings? Their social-critical and poetical study, from the genesis to the reception (spectators and critics in the newspapers) will show their originality and their influence on the academic French theatre hardly questioned at the beginning of the 20th century, and soon taken over by the cinema.
Loxias | 69. | I.
Les enjeux et les caractéristiques de l’autobiographie féminine au XXe siècle
Quelle est la valeur du choix de l’écriture autobiographique dans le parcours littéraire des trois écrivains : Simone de Beauvoir, Nathalie Sarraute et Marguerite Yourcenar ? L’étude des enjeux et des caractéristiques de l’autobiographie féminine au XXe siècle permet de mettre en valeur les ambivalences de l’écriture de soi en tenant compte de l’impact des composantes psychologiques, historiques et sociales dans la détermination de l’écriture autobiographique de la « génération Beauvoir ». What is the choice value in the autobiographical writing within the literary journey of the three writers: Simone de Beauvoir, Nathalie Sarraute, Marguerite Yourcenar? Studying the issues and the characteristics of women’s autobiography in the 20th century allows us to highlight the ambivalence of the self-writing while taking into consideration the impact of the psychological, historical and social factors in the determination of the autobiographical writing of the “Beauvoir’s generation”
Journal intime et mauvaise foi : l’aliénation féminine entre fiction et essai
Cet article se propose d’étudier les stratégies discursives de la mauvaise foi comme une forme de l’aliénation féminine telle qu’elle a été développée par Simone de Beauvoir dans Le Deuxième Sexe et ce, à travers l’exploration de l’ethos discursif de deux protagonistes- diaristes : Chantal (Anne, ou quand prime le spirituel) et Monique (La Femme rompue) qui partagent la même mystification en dépit de la trentaine d’années qui séparent les deux recueils de nouvelles. Cette étude permet également de démontrer l’impact de la publication et de la réception de l’essai de 1949 sur la représentation du sujet féminin dans l’écriture fictionnelle beauvoirienne qui se déleste de sa veine (auto)biographique au profit d’une dimension plus sociale. This paper aims to study the discursive strategies of bad faith as a form of female alienation as it was developed by Simone de Beauvoir in The Second Sex, through the exploration of the discursive characters of two protagonists/diarists: Chantal (When Things of the Spirit Come First) and Monique (The Woman Destroyed) who share the same mystification despite the thirty years that separate the publication of the two collections of short stories. This study also demonstrates the impact that the publication and reception of the 1949 essay had on the representation of the female subject in Beauvoir’s fictional writing which left behind its (auto) biographical dimension in favor of a more social paradigm.
« Une femme qui sait lire ce qui a été écrit avant l’écriture » : Illa d’Hélène Cixous
En 1975, Hélène Cixous publie, dans un numéro de revue consacré à Simone de Beauvoir un texte qui aura un retentissement international : « Le rire de la Méduse ». Elle y marque sa différence en défendant la spécificité de l’écriture féminine. Publié cinq ans plus tard, un texte au statut générique incertain, Illa, peut être lu comme une exploration des pistes ouvertes par « Le rire de la Méduse ». Brouillant la frontière entre théorie et fiction, entre récit et poésie, entre invention et commentaire, Illa est présenté par Cixous comme « une pomme de texte » dont l’enjeu est de rappeler que « l’écriture ne va pas de soi, pousse dans la constellation que forment les femmes donnantes ». Cet article s’attache à la dimension expérimentale de cette « histoire cherchante » qui fait un usage heuristique de la fiction, au croisement de la réécriture des mythes antiques, de l’autobiographie et de l’essai.
Simone de Beauvoir et Louise Bourgeois, la sororité en texte et en image
Cet article explore deux figures françaises, appartenant à la même génération, l’une évoluant dans le monde de l’art et l’autre dans celui de la littérature. Simone de Beauvoir et Louise Bourgeois sont nées à quelques années d’écart à Paris, elles grandissent dans le même quartier de Saint Germain de Prés, poursuivent des études similaires et construisent, de manière parallèle et sans jamais se rencontrer, des carrières qui les imposent comme des figures centrales du féminisme des deux côtés de l’Atlantique. À travers l’exploration des liens biographiques, intellectuels et esthétiques qui les unissent, cet article examine les rapports entre texte et image dans leurs œuvres respectives. This paper explores the links between Simone de Beauvoir and French-American artist Louise Bourgeois. De Beauvoir and Bourgeois were compatriots and contemporaries: they shared similar experiences of girlhood in early 20th-century Paris, which they used as prime autobiographical material in their works, and became global feminist icons in their lifetime, according to terms largely dictated by their Anglo-American receptions. Investigating shared experiences, simultaneous productions and corresponding images, this paper will notably examine Bourgeois’s work as a visual counterpart to de Beauvoir’s writing.
Loxias | 70. | I.
Dessiller son œil et essayer les lumières ; la propédeutique oculaire de Montfaucon de Villars
À partir de 1660, le renouvellement des paradigmes du savoir, avec le rejet des théories aristotéliciennes et les progrès scientifiques, notamment en astrologie et en optique, modifient la vision du monde et la manière de le regarder. C’est dans ce contexte que Montfaucon de Villars publie Le Comte de Gabalis, récit dans lequel le narrateur rapporte les entretiens qu’il a eus avec un cabaliste. Le jeune curieux plonge volontairement dans les méandres occultistes. Son œil s’essaie à la vue des mystères tout en mettant à distance les absurdités. Propédeutique oculaire, exercice des regards sur le monde, Le Comte de Gabalis est une comédie de l’observation : sur la scène les théories, dans la salle, un lecteur amusé et désabusé par les ridicules. Around the 1660's, a paradigm shift in knowledge, bringing the disavowal of Aristotelian theories and scientific progress, change the perception of the world and the way to look at it. In this context, Montfaucon de Villars published The Count of Gabalis, a narrative in which the narrator reproduces the conversations he had with a cabalist. His curiosity leads him into deliberately following the meanders of the occultist's thought. His eye wanders over mysteries of which absurdities seem to prevail. The Count of Gabalis can be read as an exercice, an eye propaedeutic to read and appreciate the world. It is a comedy in which theories ar on stage, and the derisive reader in the orchestra, enjoying disillusion.
L’essence pierreuse de l’homme : entre creusement et transfiguration de nos vestiges immémoriaux (Jules Supervielle, Paul Claudel)
Cet article se propose de faire dialoguer l’œuvre poétique de Jules Supervielle avec celle du Claudel des Cinq grandes odes à l’aune d’un motif structurant leurs œuvres et pourtant nullement étudié jusqu’alors : la pierre. De fait, le Claudel lyrique que Supervielle aimait tant, nous amène à postuler l’idée selon laquelle un même rapport à l’immémorial se dessine dans ces œuvres : poussant la régression dans le temps humain et fouillant en mille lieux la terre à la recherche des fondations humaines, tous deux découvrent nos vestiges immémoriaux qui ne sont nuls autres que ces « témoins pierreux ». Cette étude interrogera les métamorphoses que ces fondations mythiques de l’homme inspirent à ces poètes : entre creusement et transfiguration de nos assises pierreuses, ce retour vers nos immémoriales origines fonde, d’une part, une parole poétique à la dimension éminemment ontologique et, d’autre part, un imaginaire dessinant les contours d’un homme sorti « vivant de la géologie ». This paper proposes to create a dialogue between the poetic work of Jules Supervielle and that of Claudel’s « Five great Odes » using a motif that structures their works and which has not been studied until now: stone. Supervielle enjoyed Claudel’s lyricism so much that the same relationship to the immemorial emerges in his works: pushing regression in human time and searching the earth in a thousand places for human foundations. Both unearthed our immemorial vestiges: these witnesses made of stone. This study will question how the metamorphoses of these mythical foundations of man inspired these poets, how they dug and transmuted our stony foundations. The return to our immemorial origins founded on the one hand an eminently ontological dimension and on the other hand an imaginary dimension drawing the contours of a man who came out « alive from geology ».
Bonnefoy à l’écoute de la mémoire rêveuse
Indissociables, la mémoire et le rêve non seulement constituent la matière d’où l’imaginaire d’Yves Bonnefoy surgit, mais aussi l’objet d’une réflexion sur la création littéraire. Indispensable à la connaissance de soi-même, l’analyse de la mémoire en rêve lui consent de se relier à la mémoire de l’Un qui unit le poète et le monde et, surtout, le poète et ses proches. L’exploration des phénomènes obscurs à la conscience aboutit à une théorie de la mémoire créatrice personnelle et originale mais qui n’oublie pas l’enseignement de ses maîtres, en particulier Rimbaud et Baudelaire. Memory and dream are inseparable in the poetry of Yves Bonnefoy; they are the bases from which the imaginary emerges and they represent the object of a reflection on literary creation. Indispensable to self-knowledge, the analysis of dreamy memory allows the poet to reconnect himself to the memory of the wholeness of the world. Although not forgetting the teaching of Baudelaire and Rimbaud, Yves Bonnefoy proposes a personal theory of memory création that arises after having explored and analysed the unconscious.
« L’incivile élégance » de Marianne et Jacob : les narrateurs de Marivaux face à la norme conversationnelle
La civilité est une notion que l’on ne trouve plus dans nos grammaires et pourtant, sous l’Ancien Régime, elle constitue une norme comportementale mais aussi conversationnelle et linguistique essentielle. Dans les romans phares de Marivaux, La Vie de Marianne et Le Paysan parvenu qui souffrent aujourd’hui d’une image lisse et convenue, l’incivilité affleure dans le texte, notamment parce que les êtres déplacés à l’identité mouvante que sont Jacob et Marianne ne peuvent que brouiller les pistes d’un système fondé sur une convenance entre interlocuteurs et espace-temps de l’interlocution. Nous nous proposons donc d’étudier dans cet article, à la suite de notre travail de thèse, la place des narrateurs par rapport à l’incivilité ; des narrateurs qui se présentent d’abord comme des remarqueurs, mais des remarqueurs qui infléchissent la grille de lecture commune vers une grille personnelle, surprenant le lecteur autant dans le choix des mots épinglés que dans la formulation de la remarque et des narrateurs qui vont eux aussi enfreindre les règles par une utile franchise, questionnant les usages, sans lever jamais l’ambigüité sur le moteur profond de ce parti pris. Nowadays, we don’t think about civility as a grammatical tool, but during the 17th and the 18th century in France, civility was considered as an important system of rules to regulate behaviour so much as speeches. Despite of their images, La Vie de Marianne and Le Paysan parvenu written by Marivaux count plenty of rude moments underlined by both narrators. Because of their identity, Jacob and Marianne, socially displaced, without noble origin, always seem inappropriate. They point out the inappropriate words towards them, using a subjective terminology and a subjective scale to judge an offensive word. In reaction, they are also rude towards their interlocutor, using an honest speech which breaks the conversational rules.
Les bienfaits de la mélancolie dans la création littéraire d’Emmanuel Carrère
Cet article analyse le lien que la création littéraire entretient avec la mélancolie dans l’œuvre d’Emmanuel Carrère. L’écriture a représenté pour lui un moyen d’exploration de ses obsessions personnelles et a été un remède pour surmonter son mal-être. Son œuvre qui parcourt différentes mélancolies, celle de l’auteur et celle des personnages, montre que cet état d’âme –à la fois sentiment paralysant et élan créatif – apporte des bienfaits à la création littéraire. This article analyzes the link between literary creation and melancholy in the work of Emmanuel Carrère. Writing represented for him a way to explore his personal obsessions and was a remedy to overcome his malaise. His work investigates different forms of melancholy and underlines that this particular mood is both a paralyzing feeling and a creative momentum bringing benefits to literary creation.
Éric Vuillard et la photographie –
L’album de notre modernité
Depuis 2009 et la publication de Conquistadors, Éric Vuillard vient braconner en terres historiennes et passe au vitriol la chronique de notre modernité. Ses récits proposent de cette histoire des vainqueurs une relecture à la fois esthétique et éthique où l’enquête documentaire se mêle au souffle romanesque. Dans quatre d’entre eux – La Bataille d’Occident (2012), Congo (2012), Tristesse de la terre (2014) et L’Ordre du jour (2017) —, les archives photographiques occupent une place de choix. Motivés autant par le désir d’attestation que le souci de la description vive, ces clichés sont l’occasion d’une pause réflexive où se voient questionnés non seulement le pouvoir des images et des mots mais, avec lui, notre rapport empathique et critique aux figures du passé. The publication of Éric Vuillard’s Conquistadors (2009) inaugurated the author’s vitriolic chronicle of our modern times. His narratives reinterpret, both aesthetically and ethically, the (his)story written by those who won, and mingle documentary with fiction. In La Bataille d’Occident (2012), Congo (2012), Tristesse de la terre (2014) and L’Ordre du jour (2017), photographic archives have a prominent place. These photographs highlight both the writer’s desire for testimony and his interest in sharp portrayals. They create a reflective pause in the narrative, which questions not only the power of images and words but also our empathetic and critical relationship to the figures of the past.
Du combat épique au combat romanesque : Nervèze « imitateur » du Tasse dans la Hierusalem assiégée
Avec la Hierusalem assiégée, Nervèze réalise une imitation de la Jérusalem délivrée du Tasse qui se caractérise par le développement des épisodes sentimentaux, en particulier de l’histoire de Tancrède et Clorinde. Toutefois, Nervèze n’élude pas complètement la guerre dans le processus d’« imitation ». En transposant certains des combats de son modèle dans le récit, mais surtout en exploitant les virtualités romanesques d’un sujet où l’amour et la guerre sont liés, Nervèze accorde une place spécifique à la matière martiale au sein de son roman. Ce faisant, il réalise en outre des choix personnels et signifiants en matière de poétique romanesque. In Hierusalem assiegée — a reworking of Tasso’s Jérusalem délivrée (Jerusalem Delivered) — Nervèze developed and amplified the love stories present in the original work, especially the one of Tancrède and Clorinde. Nevertheless, Nervèze did not omit by any means the topic of the Crusade in his « imitation ». By transposing some of the fights of the original work in his narrative, and by resorting to the many possibilities offered by the virtuality of the novel in a topic that combines love and war, Nervèze gave a particular place to warfare in his novel. By doing so, he also made very personal choices that were significant in the poetics of the novel.
Loxias | 71. | I.
Boileau politique ? Du motif de la « ville » à la « nation des poètes » (Discours sur la satire)
Il s’agit ici d’aborder la question d’une éventuelle politique du poète. Boileau imite à plusieurs reprises le motif horacien du retrait de la ville comme espace urbain et symbolique à la fois. Il approfondit pourtant ce thème de la situation du poète dans l’espace social en lui conférant une dimension politique. Cet aspect lui a été en partie imposé par les réactions hostiles aux Satires de 1666 qui l’accusaient de représenter un danger pour l’État. On interroge ici la profondeur de sa réponse et on se demande ce que recouvre exactement le geste du satirique qui se prononce pour chasser les mauvais poètes de la cité. This paper deals with the question of a possible poet’s political intention. Boileau repeatedly imitates the horacian motif of the withdrawal from the city as an urban and symbolic space. However, he deepens this theme of the position of the poet in the social space by giving it a political dimension. This aspect was partly imposed on him by the hostile reactions to the Satires of 1666, which accused him of being a danger to the state. Here we question the depth of his response, and wonder what exactly is meant by the gesture of the satirist who speaks out to drive bad poets out of the city.
François Ier dans L’Heptaméron : remarques sur les nouvelles 17, 25, 42 et 63
Par petites touches, Marguerite de Navarre contribue dans son Heptaméron à l’édification de l’image du roi François Ier, son frère bien aimé. Oisille témoigne de l’attitude hardie et généreuse du roi à l’égard d’un gentilhomme allemand (N17). Trois autres nouvelles, contées respectivement par Longarine, Parlamente et Dagoucin (N25, 42 et 63), relatent de façon plus discrète les aventures amoureuses de François Ier, dès son plus jeune âge. Dans ces récits et les débats qui les suivent, nous verrons que la figure du prince et du roi conserve une part d’ombre irréductible sous la plume de sa sœur, qui pourtant le « cognoissoit comme son propre cueur ». Marguerite of Navarre plays a part in her Heptameron in creating with small touches the image of King Francis I, her beloved brother. Oisille bears witness to the bold and generous attitude of the king towards a German nobleman (N17). Three other short stories told respectively by Longarine, Parlamente and Dagoucin (N25, 42 and 63), recount in a more discreet manner the amorous adventures of Francis I from a very young age. In these accounts and the debates that follow, we will see that the figure of the prince and the king nevertheless remains partly secret under the pen of his sister, although she “knew him like her own heart”.
La nuit dans Mauprat, forme et signification
En empruntant ce titre à Jean Rousset, nous reprenons l’idée selon laquelle les structures profondes de l’œuvre se dégagent d’un « accord ou un rapport, une ligne de forces, une figure obsédante, une trame de présences ou d’échos, un réseau de convergences ». Or Mauprat, cette « narration si noire » qui de fait participe de la « période noire » qu’Isabelle Naginski a diagnostiquée dans l’œuvre romanesque de George Sand, repose sur une dramaturgie du nocturne, dont se déploient tour à tour les diverses valeurs. C’est cette structure, mais aussi cette esthétique nocturnes du roman, que cet article se propose d’interroger. By borrowing this title "form and meaning" from Jean Rousset, we take up the idea that the deep structures of the work emerge from "an agreement or a relationship, a line of forces, a haunting figure, a web of presences or echoes, a network of convergences". Now Mauprat, this "narration so black", which in fact forms part of the "black period" that Isabelle Naginski diagnosed in George Sand's novels, is based on a nocturnal dramaturgy, whose various values unfold in turn. It is this nocturnal structure, but also this nocturnal aesthetics of the novel, that this article deals with.
« Or j’ai joué. » La politique dans l’œuvre de Jean Genet
La question du politique traverse l’ensemble de l’œuvre de Jean Genet, dans laquelle il assume la position marginale que la société lui a assignée. Une position qu’il a préservée en travaillant sa solitude, comme une manière de déjouer toute compromission sociale, mais surtout politique. C’est ainsi qu’il place au centre de son œuvre l’articulation – toujours à inventer – entre le politique et le poétique, où la révolte, le jeu et l’amour, occupent une place privilégiée. The question of politics runs through the whole of Jean Genet’s work, in which he assumes the marginal position assigned to him by society. A position that he has preserved by working on his solitude, as a way of thwarting any social, but above all political, compromise. And sog so the major component of his work is the articulation – still to be invented – between the political and the poetic, where revolt, play and love occupy a privileged position.
Loxias | 72. | I.
Adapter les calligrammes à un jeune public : un défi pour l’édition et la création contemporaines pour la jeunesse
Les calligrammes d’Apollinaire n’ont absolument pas été écrits pour les enfants. Pourtant, l’édition pour la jeunesse propose deux anthologies du poète où ces poèmes sont particulièrement bien représentés. Par ailleurs, la tradition du calligramme s’est perpétuée dans la poésie visuelle. Certaines figures historiques de cette poésie contemporaine n’hésitent pas à adapter leur œuvre pour les jeunes lecteurs et se retrouvent même parmi les listes de référence de littérature pour l’école. D’autres qui écrivent plus particulièrement pour les enfants, se sont approprié le genre et publient des recueils où le calligramme prend des formes variées. L’étude proposée éclaire les modalités d’adaptation des calligrammes en littérature de jeunesse et montre comment cette création s’inscrit dans les débats sur la poésie calligrammatique contemporaine. Apollinaire’s calligrams have absolutely not be written for children. However, the youth literature offers two anthologies of the poet in which these poems are particularly well represented. Furthermore, the tradition of the calligram survived in visual poetry. Some historical figures of this contemporary poetry do not hesitate to adapt their work for young readers and are even found among the literature lists of reference for school. Others, who write more particularly for children, have appropriated the genre and publish collections where the calligram takes various forms. The proposed study highlights the modalities of adaptation of calligrams in youth literature and shows how this creation takes part in the debates on contemporary calligrammatic poetry.
Du calligramme au dactylopoème (Jiří Kolář, L'Enseigne de Gersaint, 1965)
Cet article se propose d’aborder ce que l’on pourrait considérer, dans une certaine mesure, comme une mutation technologique du calligramme : le dactylopoème, mot désignant des poèmes créés à la machine à écrire. Ce genre se développe au cours des années 1960 dans les champs de la poésie concrète et visuelle, avec notamment Henri Chopin et les Garnier. C’est à une utilisation singulière de cette pratique que nous nous attachons, celle qu’en fait Jiří Kolář dans L’Enseigne de Gersaint. Publié en 1965, le recueil empruntant son nom au tableau de Watteau se présente comme un petit musée personnel au sein duquel se croisent une trentaine de portraits de peintres réalisés en dactylogrammes à l’aide des lettres du nom de chacun d’entre eux, Kolář y recréant les caractéristiques du style de chaque artiste. Se rapportant au genre de l’ekphrasis, ces poèmes s’y confrontent de manière toute paradoxale, interrogeant la matérialité de la lettre au regard de l’art moderne. This article proposes to address what one might consider, to a certain extent, as a technological mutation of the calligram: the dactylopoem, a word for poems created using a typewriter. This genre has been developed during the 1960s in the fields of concrete and visual poetry, notably with Henri Chopin and the Garniers. We are committed to a unique use of this practice, the one Jiří Kolář makes of it in L’Enseigne de Gersaint. Published in 1965, the collection borrowing its name from Watteau's painting is presented as a small personal museum within which there are around thirty portraits of painters made in dactylograms using the letters of the name of each of them, Kolář recreating in it the characteristics of the style of each artist. Relating to the genre of ekphrasis, these poems confront it in a quite paradoxical way, questioning the materiality of the letter regarding modern art.
Variantes scripto(icono)graphiques dans Circus de Maurice Roche
Un temps agrégé au groupe Tel Quel, M. Roche (1924-1997) est l’auteur de textes qui se singularisent par leur dimension grapho-visuelle. Circus (1972) mêle une variété de symboles, d’idiomes et de systèmes d’écriture impliquant divers aspects matériels qui outrepassent le code typographique habituellement associé au genre affiché : « romans » au pluriel. Dans la mesure où ces aspects matériels passent ostensiblement au premier plan et excèdent le strict registre typographique, on les dit scriptographiques. Dès lors, le « texte » ne peut plus être réduit à sa seule constitution morpho-syntaxique, ni la « représentation » se limiter à ce que véhiculent ses seules composantes verbales. On rencontre des figures mixtes qui associent deux modes, grammatique et iconique. L’une d’elles compose une série calligrammatique formant l’idéogramme d’un crâne (un « idéo-crâne »). Elle offre parfois une image virtuelle qui n’advient que par une sorte de sur-lecture rétroactive qui intègre les occurrences problématiques à l’ensemble de la série. Occasionally associated with the Tel Quel group, M. Roche (1924-1997) wrote texts oddly composed from a visual and graphic standpoint. Circus (1972) intertwines a great variety of symbols, idioms and writing systems engaging various material aspects which surpass the typographical code commonly related to the text’s genre: namely, “novels” in the plural. It exploits and exhibits the multiple graphic resources inherently grounded in its mode of manifestation as script. As these material aspects become conspicuously foregrounded and since they exceed the sole typographical register, they are called scriptographic. As a result, what we ordinarily call a “text” can no longer be reduced to its morpho-syntactical elements. Likewise, "representation" can no longer be restricted to what is expressed by its linguistic components only. As such are these mixed designs which associate two different modes: grammatic and iconic. One of these patterns composes a calligrammatic series shaping skull-like ideograms (an “idéo-skull”). It offers, in some cases, a virtual image produced by a retroactive over-reading that links these problematic images to the entire series.
Bruno Niver, poète, chanteur, comédien, calligrammatiste
Bruno Niver est un poète et calligrammatiste français qui, depuis les années 1990, partage sa vie entre Paris et Moscou. Passionné par les échanges culturels entre la Russie et la France à l’époque des avant-gardes (il a créé et joué un spectacle mettant en scène la rencontre de Maiokovski, Aragon et Elsa Triolet), il a a été séduit par l’alphabet cyrillique et la poésie visuelle des futuristes russes, qui l’ont poussé à choisir le calligramme comme mode d’expression poétique. Il a rapidement décliné ses calligrammes en lignes colorées puis en tableaux-poèmes, gravés par la suite sur des céramiques ou brodés sur des vêtements, notamment des tutus de danse, ce qui a donné lieu à un genre inédit de défilé de mode, la poetic fashion. Comédien, chanteur et metteur en scène, il a mis au point un spectacle total dans lequel la voix et les évolutions scéniques prolongent le geste calligraphique. Bruno Niver is a French poet and calligrammatist who, since the 1990s, has divided his life between Paris and Moscow. Passionate about cultural exchanges between Russia and France during the avant-garde era (he created and performed a show featuring the meeting of Maiokovski, Aragon and Elsa Triolet), he was seduced by the Cyrillic alphabet and the visual poetry of the Russian futurists, who pushed him to choose the calligram as a mode of poetic expression. He soon declined his calligrams in colored lines then in paintings-poems, engraved thereafter on ceramics or embroidered on clothes, in particular dance tutus, which gave rise to an unprecedented kind of fashion show, the poetic fashion. Actor, singer and director, he has developed a total show in which the voice and the scenic evolutions extend the calligraphic gesture.
Zbigniev William Wolkowski, chirographiste et sémioticien
Formé par son père à l’art de la calligraphie, William Wolkowski combine calligrammatisation et traduction pour redéployer le sens et la forme de textes empruntés à des domaines culturels différents par la langue, le genre et l’activité. Les citations qu’il met en scène sont des extraits, maximes ou mots d’auteur empruntés aussi bien aux grands noms de la littérature (Poe, Ronsard, Maupassant, Schiller), qu’aux scientifiques (Marie Curie), aux religieux (St François d’Assise), aux politiques (Churchill) ou aux vedettes du show-biz (Les Beatles). En multipliant les versions plurilingues de ses calligrammes (jusqu’à 109 langues) Wolkowski s’emploie à édifier un « Espace Géopoétique Européen ». Le livre qu’il a consacré à Apollinaire en 2013 scelle son rapport au genre et son dialogue avec celui qui l’a redécouvert. Trained by his father in the art of calligraphy, William Wolkowski combines calligrammatization and translation to redeploy the meaning and form of texts borrowed from different cultural fields by language, genre and activity. The quotes he stages are extracts, maxims or author’s words borrowed as much from the great names of literature (Poe, Ronsard, Maupassant, Schiller), as from scientists (Marie Curie), from religious (St François d’Assise), politicians (Churchill) or show biz stars (The Beatles). By multiplying the multilingual versions of his calligrams (up to 109 languages), Wolkowski is working to build an "European Geopoetic Space". The book he devoted to Apollinaire in 2013 seals his relationship to genre and his dialogue with the one who rediscovered it.
Christian Dotremont
du calligramme et du logogramme
Les logogrammes créés par Ch. Dotremont, sont, à l’instar des calligrammes, une des inventions majeures du XXe siècle dans le domaine de l’écriture occidentale. Quoique différents par leur aspect, ils présentent des similitudes, aussi bien dans l’esprit de leurs auteurs que dans leur réalisation ainsi que par la « re-création » qu’ils nécessitent de la part de leurs lecteurs/spectateurs. Le logogramme est une écriture « visuelle », le tracé des lettres évoquant, comme dans le calligramme, la forme de ce qui est signifié. Il est également « concret », lorsque son écriture se confond matériellement autant que linguistiquement avec le support naturel sur lequel ou dans lequel elle est gravée. Les logogrammes ont poursuivi l’aventure des calligrammes en les « orientant ». The logograms created by Ch. Dotremont, are, like calligrams, one of the major inventions of the twentieth century in the field of Western writing. Although different in appearance, they present similarities, both in the spirit of their authors and in their production as well as in the "re-creation" that they require from their readers / viewers. The logogram is a "visual" writing, the outline of the letters evoking, as in the calligram, the shape of what is signified. It is also "concrete", when its writing merges materially as well as linguistically with the natural medium on which or in which it is etched. The logograms pursued the adventure of the calligrams by "orienting" them.
Principales tendances dans l’évolution de la poésie visuelle russe actuelle : histoire et théorie
Cet article dresse un panorama historique et épistémologique de la poésie visuelle russe du début du XXe au début du XXIe siècle. La première partie décrit la production artistique (mouvements, artistes œuvres) et son organisation (revues, manifestes, expositions,) en trois temps : avant-garde (futurisme), passage de l’époque soviétique à l’essor post-Pérestroïka (poésie concrète, poésie visuelle, art postal), structures de valorisation. La seconde partie examine la production actuelle au crible des classifications proposées par les historiens (poésies post-figurée, post-concrète et post-poesia visiva), les critiques (poésie asémique, poésie post-conceptuelle) et les chercheurs (genre, forme, langue). En ressortent la capacité à se renouveler en exploitant la tradition, le métissage croissant des différents genres de poésie visuelle, la participation aux mouvements artistiques internationaux, et l’utilisation des outils numériques. This article provides a historical and epistemological overview of Russian visual poetry from the beginning of the 20th to the beginning of the 21st century. The first part describes artistic production (movements, artists’ works) and its organization (reviews, manifestos, exhibitions,) in three stages: avant-garde (futurism), transition from the Soviet era to the post-Perestroika boom (poetry concrete, visual poetry, postal art), valorization structures. The second part examines current production through the lens of classifications proposed by historians (post-figurative, post-concrete and post-poesia visiva), critics (asemic poetry, post-conceptual poetry) and researchers (genre, form, language). This shows the ability of Russian visual poetry to renew itself by exploiting tradition, growing blending of different genres of visual poetry, participation in international artistic movements, and the use of digital tools.
Loxias | 73. | I. | 2.
Et si rien n’était vraiment impossible ?
Cet article part d’une difficulté de construire une mise en scène à partir d’un texte du Moyen Age, une difficulté qui, grâce à des réflexions, s’est transformée en une étonnante découverte : celle de trouver une grande liberté de création pour un texte qui, a priori, semblait trop éloigné des valeurs contemporaines. Peinture, danse, musique, rap… sont autant de propositions pour cette mise en scène ultra-contemporaine. À partir de questionnements sur la pauvreté d’hier et celle d’aujourd’hui, sur les riches dans notre société actuelle, et sur les contradictions de la religion chrétienne, ce travail permet une lecture actuelle de L’Histoire et Tragedie du Mauvais Riche. And if everything was possible?This paper starts from a difficulty to conceive a staging for a medieval play. Thanks to reflections, this difficulty has turned into a surprising discovery: the great freedom of creation in front of a text which firstly seemed too far from contemporary values. Painting, dance, music, rap… are all proposals for this ultra-contemporary staging. Starting from questions about the poverty of yesterday and today, about the rich in our present society, and about the contradictions of the Christian religion, this work promotes a renewed reading of L’Histoire et Tragedie du Mauvais Riche.
(Re)mise en scène d’une pièce sortie du répertoire : une aventure créative
Le travail proposé constitue une proposition de remise en scène d’un texte ancien : L’Histoire et Tragedie du Mauvais Riche, mené dans le cadre d’un séminaire de Dramaturgies et Mises en scène / Littérature et Théâtre codirigé par Mesdames Brigitte Joinnault et Stéphanie Le Briz. Le projet initié par Laure Sauret s’appuie sur la volonté de contribuer à réparer l’injustice de l’oubli des pratiques théâtrales du Moyen Âge en proposant une adaptation du texte en extérieur, dans un espace public emblématique de sa ville de résidence : la Place Masséna à Nice. Elle a souhaité prolonger l’exposition de vies parallèles présente dans le texte original par l’expérimentation d’une esthétique de montage. La présentation écrite du projet développe les différentes phases de ce processus créatif, qui passe par une déconstruction du texte, des enjeux et des personnages durant le travail de répétition, pour aller vers une recomposition au plus près de la version initiale du texte lors de la représentation de celui-ci. L’espace scénique est abordé comme un terrain de jeu pour les acteurs : alors qu’ils n’ont pas de rôles fixes et qu’ils jouent à la répétition des fragments de la pièce, les acteurs ont finalement pour objectif de dérouler l’ensemble de la fable dans l’ordre chronologique. Le spectacle propose une version permettant d’en voir tout ou partie sans perte de sens. Enfin, cette proposition de remise en scène met en jeu une dimension d’esthétique plastique faisant écho à certaines pratiques scéniques du Moyen Âge, en proposant la réalisation d’une fresque chronologique en direct, retraçant l’ensemble des micro-histoires proposées dans la pièce. This paper deals with a proposition to re-stage a medieval play: L’Histoire et Tragedie du Mauvais Riche. This proposal has been conceived after a Dramaturgy and Staging / Literature and Theatre seminar codirected by Mrs Brigitte Joinnault and Mrs Stéphanie Le Briz. The project initiated by Laure Sauret is based on the will to contribute to redress the injustice of forgetting Middle Ages’ theatrical practices. As a result, an outdoor adaptation of the text has been proposed, in an emblematic public space of the city where she lives: the “Place Masséna” in Nice. She wished to extend the exhibition of parallel lives present in the original text, by approaching it through a montage aesthetic. The paper develops different phases of this creative process which goes through a deconstruction of the text, of the issues and the characters during the repetitions. This process aims at going towards a re-composition – to the closest – of the initial version of the text for its representation. The performance proposes a version that allows to see all or part of the play, without any loss of meaning. At last, this re-staging proposal offers an iconographic dimension which echoes Middle Ages performances by proposing the realization of a chronological fresco, live, that retraces all the micro-stories offered in the play.
Loxias | 74. | I.
Le roman du second XIXe siècle et les faits-divers de violences sexuelles : une esthétique ambivalente
Romans et journaux du second XIXe siècle se passionnent conjointement pour les faits-divers. Si une partie de la presse répugne encore souvent à aborder frontalement les cas de violences sexuelles, le roman semble déjà en faire un de ses thèmes privilégiés. Le roman condamne bruyamment les obscénités qu’il prête à la presse dans son traitement des faits divers de violences sexuelles ; pourtant, il reprend certains des stylèmes et leitmotive journalistiques lorsqu’il traite du même sujet. Mais il emploie également des outils spécifiques pour aborder les violences sexuelles, comme les changements de focalisation, la focalisation interne ou encore la polyphonie. Entre pathos explicite et érotisme latent, le roman et la presse abordent les violences sexuelles avec une ambivalence qui reflète la lente et malaisée construction du sentiment d’indignation vis-à-vis du viol. Novels and newspapers of the second Nineteenth century were both fascinated by news stories. Although a large part of the press was still reluctant to deal frankly with cases of sexual violence, the novel already seemed to make it one of its favorite themes. Novels loudly condemn the obscenities they attribute to the press in its treatment of sexual violence stories; yet they use the journalistic style and leitmotive when dealing with the same subject. But they also use specific tools to deal with sexual violence, such as changes of focus, internal focus and polyphony. Between explicit pathos and latent eroticism, novels and press approach sexual violence with an ambivalence that reflects the slow and uneasy construction of the feeling of indignation towards rape.
Récit d’enfance et conscience métalinguistique : échos des Grandes Espérances de Charles Dickens dans La Langue sauvée d’Elias Canetti
Dans la lignée de la thèse de C. Meyer (1997) portant sur les intertextes chez Elias Canetti, cet article avance que l’auteur déploie en filigrane du premier tome de son autobiographie, La Langue sauvée (1977), une relation transtextuelle avec Les Grandes Espérances (1861). Le roman de Dickens, en tant que Bildungsroman où le récit de soi construit par le narrateur homodiégétique, Pip, passe aussi par sa relation au langage, trouve un écho chez Canetti, auteur au « plurilinguisme flamboyant » (Demet). L’étude comparée des deux textes s’articule autour de la transition de la langue-organe vers la langue-langage dans les deux récits d’enfance. Following C. Meyer’s dissertation (1997) on intertextuality in some of Elias Canetti’s works, this article argues that there exists a transtextual phenomenon between the first volume of Canetti’s autobiography, The Tongue Set Free (1977) and Charles Dickens’ Great Expectations (1861). As a Bildungsroman, Dickens’ novel is partly metalinguistic and Pip’s relationship to language is echoed in Canetti’s depiction of his own multilingual childhood. This comparative analysis of both childhood narratives focuses in particular on the synecdochal transition from the anatomical tongue to the tongue as language.
Le devenir « autre » chez Nerval
Au cœur du Voyage en Orient se trouve un mythe fondateur, celui d’Hiram, référence maçonnique connue de Gérard de Nerval. Ce dernier s’est approprié l’histoire afin de produire un texte où intrigue mystérieuse et trame romanesque se mêlent pour que ses personnages, à travers de nombreux voyages et une quête identitaire, aboutissent à une création artistique. Dès lors, le récit prend une tournure initiatique où la franc-maçonnerie est un modèle de renouveau. Elle orientera même la forme du roman en procurant aux héros des objectifs existentiels tout en leur offrant une double quête : celle de l’amour et celle de la création. Néanmoins, ces deux notions se révèlent incompatibles et les personnages doivent en sacrifier l’une d’elles. The Hiram myth, a masonic reference known by Gérard de Nerval, is considered as a master peace of his novel Voyage en Orient. He has appropriated the legend to produce a text where the mysterious intrigue and the novelistic plot are combined so that the characters, through numerous journeys and a quest for identity, are involved in an artistic creation. From then on, the story takes an initiatory aspect where Freemasonry is a model of rebirth. It will trend the text’s form by providing the heroes with existential purposes and giving them a double quest : that of love and that of creation. However, these two concepts prove to be incompatible, and the characters must sacrifice one of them.
Du flâneur au flâneur noir : variation sur la figure du flâneur dans quelques récits réalistes fin-de-siècle
Cet article envisage la représentation du flâneur et souhaite mettre l’accent sur un cas particulier de flâneur, apparu à la fin du XIXe siècle dans les récits réalistes : le flâneur noir. Ce personnage amplifie des traits déjà présents chez le flâneur traditionnel décrit par la littérature panoramique (voyeurisme, anonymat au milieu de la foule, consommation des spectacles de la rue) et en serait une sorte d’envers négatif pouvant trouver une incarnation dans la figure du criminel en série, flâneur devenu chasseur de proies dans l’anonymat des grandes villes. This paper examines the literary representation of the ‘flâneur’ by studying more specifically the dark ‘flâneur’, one of the ‘flâneur’’s incarnations. The dark ‘flâneur’ appears at the end of the nineteenth century, in realist narratives (novels and short stories) This character amplifies features already present in the traditional ‘flâneur’: they are both attracted by voyeurism, anonymity in the midst of the crowd, consumption of street spectacles. However, the dark ‘flâneur’ exaggerates these practices and can be seen as the dark version of the ‘flâneur’. The serial killer represents this ‘flâneur’ who had become a hunter, with sinister intentions in the anonymity of large cities.
Les Mémoires de Simone de Beauvoir, la fête des retrouvailles
Simone de Beauvoir avait enduré de nombreuses épreuves jusqu’à l’année où elle a entamé la rédaction des Mémoires. À l’âge qui « combine au mieux le rétrospectif et le prospectif » ressentant le besoin d’un nouveau stimulus, elle choisit le retour au passé lui étant fondamental. L’image que l’autrice peint de la nature de la « fête » dans le texte, où celle-ci apparaît comme une « ardente apothéose du présent, en face de l’inquiétude de l’avenir » soulève une réflexion sur la recherche de la force motrice de la jeunesse que seule l’atmosphère festive créée par la rédaction des Mémoires pourrait susciter. Ainsi, bien que le texte traite du passé, pour la narratrice, il contient le rajeunissement et la récupération des forces de la jeunesse. Simone de Beauvoir had endured many hardships until the year she began writing the Memoirs. At the age which "combines the retrospective and the prospective in the best way", feeling the need for a new stimulus, she chooses the return to the past which is fundamental to her. The image that the author demonstrates the nature of the "celebration" in the text: "ardent apotheosis of the present, in the face of the anxiety of the future" raises an idea to search for the driving force of youth which only the festive atmosphere created by the writing of the Memoirs could arouse. So, although the text has looked to the past, there will be a rejuvenation for the future. The article sets out to identify this mechanism by trying to clarify the dimensions of it.
Loxias | 75. | I.
La Nouvelle Héloïse, roman politique
La dimension politique de La Nouvelle Héloïse est manifeste : affirmée dès la préface, elle s’exprime particulièrement dans les lettres qui décrivent la bonne organisation de la petite société de la famille Wolmar. Mais y a-t-il une pensée politique du roman ? Comment ces discours appartiennent-ils à une trame narrative qui les suscite et dans laquelle ils prennent sens en même temps qu’ils l’éclairent ? Quel est le sens politique de ce scénario romanesque qui prend son point de départ dans la différence irréductible des conditions dans une société d’ordre ? L’impossible amour de la noble Julie et du roturier Saint-Preux pourrait être un lieu commun romanesque ; il s’agit d’abord un authentique problème politique. La conversion de Julie, et de tout le roman, à partir du mariage de l’héroïne, consiste en un effort pour passer du refus à l’acceptation de cette différence irréductible des conditions et à travailler autant que faire se peut à produire les modalités objectives de son acceptation subjective. Cette pensée politique du roman, délibérément conservatrice, est cependant travaillée par un doute que toute la fin exprime : il n’est pas du tout certain que le domaine de Wolmar soit seulement vivable.
La Mort Artu éditée par David Hult : entre respect du manuscrit et quête du texte (perdu)
L’édition de La Mort Artu qu’a publiée Jean Frappier en 1936 a fait date. Immédiatement saluée par la critique et plusieurs fois rééditée, cette édition a fourni le texte traduit en français moderne non seulement par Monique Santucci en 1991, mais encore par Patrick Moran en 2021. C’est d’abord parce qu’elle s’appuie sur une étude approfondie de l’abondante tradition manuscrite du roman (Étude sur « La Mort le roi Artu », 1936) que cette édition de Jean Frappier fait autorité depuis si longtemps. C’est aussi parce qu’elle illustre une méthode d’édition rarement employée pour les textes français : Frappier publie l’œuvre non pas d’après un témoin spécifique, mais en tentant de reconstruire un état du texte qui, sans être attesté par aucun des témoins survivants, cherche à se rapprocher de l’original perdu. À partir des années 1990, ce choix méthodologique a été discuté par plusieurs spécialistes, linguistes ou philologues. Dans le sillage de ces débats, trois nouvelles éditions ont paru : deux fondées sur un témoin précis du texte (Baumgartner et de Medeiros, 2007 ; Walter, 2009), et celle de David Hult (2009), cherchant un compromis entre respect du document et quête du texte originel. Ces nouvelles publications ont suscité peu de comptes rendus critiques. Nous nous proposons donc d’examiner à nouveaux frais le travail éditorial de David Hult, à l’aune des éditions précédentes, en mesurant non seulement ses apports, notamment au plan linguistique et en termes d’apparat critique, mais aussi ses limites. The Mort Artu in David Hult’s edition, or how to find a middle ground between following the best manuscript and rebuild the (lost) text. — In 1936, when Jean Frappier published his edition of the Mort Artu, he set an important milestone in the field of philology and medieval literature. Immediately praised by multiple reviews, his edition has provided the text translated into modern French not only by Monique Santucci in 1991, but also by Patrick Moran in 2021. Frappier’s edition has been considered a reference book in the long run for two main reasons: it is based on an ambitious study of the large manuscript tradition of the text (Étude sur « La Mort le roi Artu », 1936), and it illustrates a philological method often shunned by specialists of French literature. Indeed, Frappier does not rely on a chosen manuscript witness, but he tries to rebuild a version that is closer from the original text than any extant manuscript. From 1990 onwards, objections have been raised against this method of his, launching scientific discussion. In the wake of these debates, three new editions have been published: on the one hand, Baumgartner /de Medeiros and Walter based theirs on specific manuscripts (respectively in 2007 and 2009). On the other hand, Hult positions his edition (in 2009) on a middle ground between observing one chosen manuscript (especially its linguistic features) and approaching the original version above it in the stemma codicum. These new books have not inspired many reviews. In this paper, we intend to try and fill this gap by comparing David Hult’s editorial work with the previous editions of the same texts. Our goal is to measure on the one hand the novelties it has introduced (especially as regards the linguistic features of the text and the critical apparatus added to it), and on the other hand its limits.
Les Regrets de Du Bellay : une écriture de la véhémence ?
La véhémence est une qualité du style qui donne force et énergie au discours. Notre article met en évidence son importance dans les sonnets des Regrets, à l’opposé des principes de simplicité et de modération pourtant affichés par le poète. Il étudie les différentes modalités énonciatives, poétiques et stylistiques de la véhémence dans le recueil. Il s’interroge enfin sur ses enjeux poétiques, éthiques et politiques, et met ainsi en évidence la dimension fondamentalement agonistique de l’écriture dans Les Regrets. Vehemence is a quality of style that gives force and energy to the discourse. Our article highlights its importance in the sonnets of the Regrets, in contrast to the principles of simplicity and moderation that the poet claims. It studies the different enunciative, poetic and stylistic modalities of vehemence in the volume. Finally, it examines the poetic, ethical and political issues at stake, thus revealing the fundamentally agonistic dimension of the writing in Les Regrets
Loxias | 77. | I.
La Cannibale : s’affirmer par la dévoration
Cet article propose une analyse de la Femme cannibale à travers quatre œuvres de la littérature classique : Les Bacchantes d’Euripide, le mythe de Procné et Philomène, La Belle au bois dormant de Charles Perrault et Hänsel und Gretel des frères Grimm. L’étude de ces figures permettra de mettre en lumière la façon dont l’acte anthropophage permet à la Femme de s’affirmer, d’acquérir du pouvoir en s’écartant de son rôle et de la société humaine. This article proposes an analysis of the cannibal Woman through 4 works of classical literature: The Bacchae by Euripide, the myth of Procne and Philomela, La belle au bois dormant by Charles Perrault and Hänsel und Gretel from the Brothers Grimm. The study of those figures will shed light on how the cannibalistic act allows the Woman to assert herself, to acquire power by deviating from her role and from the human society
Fragmentation séquentielle et hybridation : la vieille femme de Triptyque
Historiquement, leur extrême sophistication formelle a tendu à occulter certains des fonctionnements référentiels les plus remarquables des « Nouveaux nouveaux romans », alors même que de tels fonctionnements s’appuyaient précisément sur ce formalisme radical. Triptyque, roman de Claude Simon paru en 1973, est emblématique de ce paradoxe : si sa composition intégralement analogique et le morcellement de son récit ont été décrits avec beaucoup d’acuité par la critique structuraliste des années 1970, et au premier chef par Jean Ricardou, l’impact référentiel, émotionnel et symbolique d’une telle écriture romanesque est, semble-t-il, passé en partie inaperçu. Par la reconstitution de séquences narratives morcelées et la prise en compte du formidable complexe analogique qui constituent Triptyque, cet article vise à mettre en lumière un percutant appareil d’évocation symbolique et de contestation ontologique. S’y jouent rien moins, au plan de la représentation, que la redéfinition des frontières entre masculinité, féminité et animalité ainsi que l’émergence, dans le texte, d’une scène de castration implicite. Un personnage en particulier, celui d’une vieille femme vêtue de noir, en train de manger, servira de point d’entrée à ces problématiques que l’entrelacement séquentiel et les correspondances analogiques constants projettent sur le texte dans sa totalité. The New New Novels are characterised by an extreme sophistication which has historically contributed to hide some of the most remarkable referenciation processes that this radical formalism offers. Triptych, a Claude Simon novel published in 1973, is emblematic of that paradox: although its fragmented composition, integrally based on textual analogies, has been very minutely described by the structuralist critics of the 1970s and by Jean Ricardou in particular, its referential, emotional and symbolical effects remained mostly invisible to those critics. By reconstituting those fragmented sequences and studying the analogical structure of the novel, this article aims to highlight the contestation of ontological categories at work in Triptych. A direct consequence of this particular formalistic approach is a hybridation of identities, blurring the lines between masculinity, femininity and animality. The constant analogical interlacings also bring about a scene of implicit castration. One character in particular, that of an old lady, pictured eating, exemplifies these phenomena which shed light on the novel as a whole.
Loxias | 78. | I.
L’esthétique du glauque dans Thérèse Raquin, À rebours et Monsieur de Phocas
Dans Thérèse Raquin, roman à l’atmosphère particulièrement sinistre, le glauque sert essentiellement à instaurer un cadre naturaliste avec cette focalisation sur l’aspect désarticulé et pourrissant du corps projeté dans un milieu en pleine décrépitude. À partir d’À rebours, roman initiateur du mouvement décadentiste, le glauque va se muer en principe esthétique, rompant progressivement avec le dogme naturaliste du déterminisme physiologique. Enfin, avec Monsieur de Phocas, le roman décadent par excellence, cette mutation en principe esthétique va définitivement se réaliser puisque tout le roman est porté par cette quête obsessionnelle du personnage d’une forme de beauté lugubre et malsaine. In Thérèse Raquin, novel whose atmosphere is particularly sinister, the gloomy is used essentially for setting a naturalistic framework with this focus on the disarticulated and rotting aspect of the body projected in decay. From À Rebours, a coming-of-age novel of the decadentist movement, the gloomy will turn into an aesthetic principle breaking progressively with the naturalist dogma of the physiological determinism. Finally, with Monsieur de Phocas, the Decadent novel par excellence, this mutation in aesthetic principle, will be definitely accomplished since the whole novel deals with this obsessive quest of the character with gloomy and evil beauty.
Loxias | 79. | I.
Princes et rois dans la poésie d’Eustache Deschamps
L’Anthologie publiée dans la collection « Lettres gothiques » reflète la tendance principale d’Eustache Deschamps à écrire une poésie de cour destinée aux princes et aux dames, évoquant leurs préoccupations et leur idéologie aristocratique. Cependant, comme il l’explique dans son Art de dictier, Eustache Deschamps ouvre les formes fixes à bien d’autres sujets que l’amour, ce qui renouvelle profondément son public ; dans sa poésie morale, il célèbre la médiocrité, un idéal anti-curial. Le poète s’adresse ainsi à tout le monde, même s’il fait des princes les garants de l’ordre social et de la justice. The Anthology published in the 'Lettres gothiques' collection reflects Eustache Deschamps' main tendency to write courtly poetry for princes and ladies, addressing their concerns and aristocratic ideology. However, as he explains in his Art de dictier, Eustache Deschamps opens up the fixed forms to many other topics than love, which profoundly renews his audience; in his moral poetry he celebrates mediocrity, an anti-curial ideal. In this way, the poet addresses everyone, even if he makes princes guarantors of social order and justice.
« Des choses aussi bigerres et prodigieuses » : usages et fonctions des binômes dans l’Histoire d’un voyage faict en la terre du Brésil de Jean de Léry (1580)
À la Renaissance encore, les binômes synonymiques - attelages de deux mots de sens proche – sont l’une des « tendances stylistiques » de la prose narrative. L’Histoire d’un voyage faict en la terre du Brésil de Jean de Léry en contient un nombre important, que le présent article s’attachera à relever et analyser aux plans syntaxique (quelles sont les catégories grammaticales les plus utilisées ?) et sémantique (quelle relation les termes coordonnés entretiennent-ils l’un envers l’autre ?), avant d’en étudier certains usages stylistiques, rhétoriques ou narratifs. Synonymic binomials - coordinating two words with similar meanings - are one of the "stylistic trends" of Renaissance’s narrative prose. Jean de Léry’s Histoire d’un voyage faict en la terre du Brésil contains a large number of them. This paper aims at identifying and analysing them from a syntactic (what are the most used grammatical categories?) and semantical point of view (what are the relations between the coordinated terms?). Then it will study certain stylistic, rhetorical and narrative uses.
« Une princesse entre deux mondes » : portrait de la princesse de Nassau
Dans ce commentaire stylistique du portrait de la Princesse de Nassau, nous nous sommes penchés sur la composition du portrait, qui sert d’exemplification à la théorie du narrateur sur le temps qui passe et qui modifie les êtres que nous sommes, êtres dont il cherche à percevoir, comme dans un palimpseste, l’identité et la rémanence sous la patine du temps : « Et combien de fois ces personnes étaient revenues devant moi au cours de leur vie, dont les diverses circonstances semblaient présenter les mêmes êtres, mais sous des formes et pour des fins variées », dit le narrateur quelques pages avant notre extrait (p. 278). Le portrait de la Princesse de Nassau, qui forme une unité compositionnelle, thématique et typographique, illustre parfaitement cette analyse, que la narration expérimente et exemplifie, cherchant la paradoxale permanence de l’être sous les changements physiques dus aux effets du temps. La Princesse de Nassau entre dans la catégorie des « simple[s] relation[s] mondaine[s] » (p. 279), à la différence des grandes figures qui accompagnent fidèlement la mémoire du narrateur comme le Baron de Charlus, les Verdurin, Odette, les Guermantes. Comme la quasi-totalité des portraits de La Recherche du temps perdu, celui de la Princesse de Nassau se fait par le biais de la focalisation et du point de vue du narrateur, seul ici sur le seuil de la salle avec le personnage qu’il rencontre et observe, au cours de la matinée à laquelle il participe. L’essentiel du portrait relève de la prosopographie : en effet c’est le corps et l’apparence qui sont soumis à l’examen « archéologique » auquel se livre le narrateur pour « retrouver » sous le fard et les rides l’être connu naguère. Quelques éléments constitutifs de l’éthopée du personnage se dégagent de son comportement dans le but de créer, non sans quelques traits d’humour, un effet de contraste entre la futilité des (pré)occupations de la Princesse et la fragilité de la vie humaine soumise au temps et à la mort. Grand maître dans l’art du portrait, Proust dresse ici une peinture où visée esthétique et visée morale apparaissent indissociables, où l’extrême particularisation sert l’universalité du propos. In this stylistic analysis of the portrait of the Princess of Nassau, we have looked at the composition of the portrait, which serves as an exemplification of the narrator’s theory of the passage of time and which modifies the beings that we are, beings of which he seeks to perceive, as in a palimpsest, the identity and the remanence under the patina of time: “And how many times these people had come back to me during their lives, whose various circumstances seemed to present the same beings, but in different forms and for various purposes”, says the narrator a few pages before our excerpt (p. 350). The portrait of the Princess of Nassau, which forms a compositional, thematic, and typographical unity, perfectly illustrates this analysis, which the narration experiences and exemplifies, seeking the permanence of being, like a palimpsest, under the physical changes due to the effects of time. The Princess of Nassau falls into the category of “simple worldly relationship[s]” (p. 351), unlike the great figures who faithfully accompany the narrator’s memory such as the Baron de Charlus, the Verdurins, Odette, and the Guermantes. Like almost all the portraits in La Recherche du temps perdu, that of the Princess of Nassau is done through the focus and point of view of the narrator, alone here on the threshold of the room with the character he meets and observes, during the morning in which he participates. The essence of the portrait comes from prosopography: indeed, it is the body and the appearance which are subjected to the “archaeological” examination, to which the narrator devotes himself to “find” under the make-up and the wrinkles the being previously known. Some constituent elements of the character’s ethos emerge from her behavior to create, not without a few strokes of humor, an effect of contrast between the futility of the Princess’ (pre)occupations and the fragility of human life, subject to time and death. A great master in the art of portraiture, Proust paints here a painting where aesthetic and moral aims appear inseparable, where extreme particularization serves the universality of the subject.
L’épiphanie de François le Champi dans Le Temps retrouvé
Ce commentaire stylistique porte sur la dernière des « épiphanies » que vit le narrateur dans Le Temps retrouvé. La réminiscence qui permet de ressusciter le temps perdu est cette fois déclenchée par un livre, François le Champi, livre idéal du temps de l’enfance. La théorie de la réminiscence se développe dans un texte qui emprunte ses caractéristiques génériques à la fois au récit et à l’essai, et qui met ainsi la pensée en mouvement dans le temps. Par la récurrence des structures binaires, le texte décline les deux aspects inconciliables des êtres et des choses, redéfinis selon le point de vue dont on les regarde. La réminiscence permet toutefois de les réconcilier, et l’éblouissante densité figurale donne corps à cette opération magique : elle ressuscite l’enfant sous l’égide d’un narrateur éclairé, capable de ressaisir avec humour la totalité des points de vue. La libération du lyrisme est alors le signe du temps retrouvé. This stylistic commentary focuses on the last of the “epiphanies” experienced by the narrator in Le Temps retrouvé. The reminiscence, which makes it possible to bring the lost time back to life, is this time triggered by a book, François le Champi. The theory of reminiscence develops in a text that borrows its characteristics from both the story and the essay : this is how the philosophical thought is set in motion. Through the recurrence of binary structures, the text declines the two irreconcilable aspects of characters and things, constantly redefined according to the point of view from which they are viewed. Reminiscence, however, makes it possible to reconcile them, and the dazzling figural density gives substance to this magical operation : it revives the child thanks to an informed narrator, capable of taking into account all the points of view with a sense of humor. A subtle lyricism is then a sure sign of time regained.
Du poison dans les oreilles : l’interprétation au cœur de l’action dramatique d’Hamlet
Pour reprendre les mots de Shakespeare dans Hamlet, la « chose » théâtrale est là sans être là, elle est une chose et un rien, « thing » et « nothing ». Les paroles des comédiens font seules apparaître ce qui est absent : au théâtre, nous voyons par les oreilles. S’ils sont parfois magie et poésie, les mots peuvent aussi se révéler empoisonnés, comme le suggère la métaphore filée du poison versé dans l’oreille tout au long de la pièce Hamlet. Le prince, qui ne ressemble en rien à son père, se reproche de ne pas agir. Il a pourtant d’autres champs d’action que le champ de bataille ou le heurt des armes : la scène de théâtre, l’écriture, la parole, il pourrait avoir la diplomatie peut-être, ou l’exercice de la justice. Nous défendrons l’hypothèse, contre l’avis du prince lui-même, qu’il s’est trompé d’action, réglant la sienne sur le modèle d’une action archaïque, au terme d’un processus d’interprétation précipité, empoisonné par de vieux mots. Dans Hamlet, l’interprétation est constamment problématique, et la pièce peut être comprise comme l’histoire tragique d’un empoisonnement, le récit d’une hantise culturelle. Cette pièce exceptionnelle nous invite à une attention vigilante à ce qui agit en nous à travers les mots dont nous héritons, y compris les mots aimés du théâtre et de la littérature, ces revenants qui si nous n’y prenons garde déterminent avec tant d’efficacité notre vision du monde. Words can be magical and poetic, but they can also be poisonous, as the metaphor of poison poured into the ear throughout Hamlet suggests. The prince, who is nothing like his father, blames himself for not acting. However, he has other fields of action than the battlefield or the clash of arms: the theater stage, writing, speech, he could have diplomacy perhaps, or justice. We will defend the hypothesis, against the opinion of the prince himself, that his vision of what “action” is has been poisoned by old words. In the play, interpretation is repeatedly problematic, and Hamlet may be understood as the tragic story of a poisoning, the story of a cultural haunting. This exceptional play invites us to a cautious attention to the words we inherit, including the beloved words of theater and literature, those revenants that, unless we carefully examine them, will determine our vision of the world in spite ourselves.
Loxias | 80. | I.
Editorial
le blackface ou la représentation de l’identité raciale dans les arts de la scène
Cette introduction présente les actes d’un séminaire de recherche intitulé « Le blackface ou la représentation de l’identité raciale dans les arts de la scène » du CTEL UPR 6307 qui a eu lieu à l’Université Côte d’Azur à Nice le 16 juin 2022. Elle s’attache tout d’abord à définir la race et le racisme comme une question viscérale qui est trop souvent mal conceptualisée. Cet article se propose ensuite de contextualiser le « blackface », considéré comme le reflet d’une société qui tolère l’intolérable. Enfin, nous nous poserons la question du « blackface » dans les arts vivants en prenant les exemples de la scène contemporaine française et allemande ainsi que le monde du ballet classique en soulevant la problématique du théâtre de la suprématie blanche. This introduction features the proceedings of a research seminar entitled « Blackface or the representation of racial identity in the living arts » of the research center CTELA UPR 6307 that took place at University Côte d’Azur in Nice on 16 June 2022. It first focuses on the definition of race and racism as a visceral issue that is too often poorly conceptualized. Blackface on stage will then be contextualized and considered as the reflection of a society that tolerates the intolerable. Eventually, this article explores blackface in the living arts taking the examples of French and German contemporary stages as well as the world of ballet to raise the question of the theater of white supremacy.
Peau blanche, masque noir : que dit le phénomène du blackface sur la société occidentale contemporaine ?
Cet article se focalise sur l’origine, l’histoire et la représentation du blackface en Europe. Il examine plus particulièrement trois grandes attractions carnavalesques en profondeur : l’une en France, « La nuit des Noirs » au carnaval de Dunkerque, puis deux en Belgique, « Le sauvage » à la Ducasse d’Ath et « La sortie des Nègres » à la Ducasse des Culants à Deux-Acren. À la lumière de la théorie critique de la race et de la définition du racisme de Pap Ndiaye dans La Condition noire (2008), l’auteur démontre que ces trois événements folkloriques renvoient à un relent de pensées coloniales négrophobes. Au-delà de simplement examiner la pratique raciste du blackface dans ces trois événements, cet article soulève aussi la hiérarchisation des races dont la blanchité se trouve au sommet de la pyramide. Puis, l’article amène également à réfléchir sur la condition du Noir et le privilège du Blanc dans les nations occidentales qui s’affirment égalitaires en droit, se revendiquent postcoloniales et se prétendent ouvertes à la diversité raciale. This article focuses on the origin, history and representation of blackface in Europe. It examines more particularly three major carnival attractions in depth: one in France, “La nuit des Noirs” at the Dunkirk carnival, then two in Belgium, “Le sauvage” at the Ducasse d’Ath and “La Sortie des Nègres” at the Ducasse des Culants in Deux-Acren. In light of critical race theory and Pap Ndiaye's definition of racism in La Condition noire (2008), I demonstrate that these three folkloric events points out negrophobic colonial thoughts. Beyond simply examining the racist practice of blackface in these three events, this article also raises the hierarchy of races in which whiteness is at the top of the pyramid. Then, the article also leads us to reflect on the condition of the Black and the privilege of the White in Western nations which assert themselves to be egalitarian in law, claim to be postcolonial and claim to be open to racial diversity.
Loxias | 81. | I.
Une lecture du Nerone (1868-1918) « Tragedia Lirica » d’Arrigo Boito au regard d’Il Nerone, ossia l’Incoronazione di Poppea (1642) de Claudio Monteverdi (1567-1643) et des Tragédies en musique (1673-1687) de Jean-Baptiste Lully (1632-1687)
Deuxième et ultime opéra d’Arrigo Boïto librettiste et compositeur, Nerone, Tragedia lirica occupa A. Boïto de 1869 à 1870 pour la rédaction du livret et jusqu’à sa mort pour la composition musicale laissée inachevée. Inspiré des Annales de Tacite, le Nerone de Boïto est marqué par les intrigues politiques, les stratégies amoureuses, les calculs cyniques et l’amoralité, tout comme le fut, 300 ans auparavant, celui de Claudio Monteverdi (1567-1643), fraîchement redécouvert en 1883. Cette lecture en diptyque des deux Nerone posera la question des choix qui président à la rédaction d’un texte écrit pour la mise en musique, tout comme elle montrera ce qui rapproche musicalement les deux compositeurs italiens. Par ailleurs, le Nerone d’A. Boïto créé en 1924 et sous-titré « Tragedia lirica » ne reprend-il pas les idées mises en œuvre dans les tragédies lyriques (1673-1687) de Jean-Baptiste Lully ? Second and last opera of A. Boïto librettist and composer, Nerone, Tragedia lirica occupied A. Boïto from 1869 to 1870 for the writing of the libretto and until his death for the musical composition, although left unfinished. Inspired by the Annals of Tacitus, Boito’s Nerone is marked by political intrigues, amorous strategies, cynical calculations and amorality, just as was, 300 years ago, Cl. Monteverdi’s work, just rediscovered in 1883. This diptych reading of the two Nerone’s will raise the question of the choices that preside over the writing of a text written for music, just as it will show what brings together the two Italian composers musically. Moreover, doesn’t A. Boïto’s Nerone, created in 1924 and subtitled “Tragedia lirica”, take up the ideas implemented in the lyrical tragedies (1673-1687) of J. B. Lully ?
Notes en marge des deux pièces de Nathalie Sarraute inscrites au programme de l’Agrégation 2024 : Le Silence, Pour un oui ou pour un non
Nathalie Sarraute accédera pour la première fois en 2024 au programme de littérature française de l’Agrégation avec ses première et dernière pièces. Mais le théâtre ne concerne qu’une période donnée de la carrière à la longévité considérable de cet écrivain. Et puis comment transposer sur la scène la quête de mouvements intérieurs indéfinissables doublée d’une réflexivité montrant un roman en train de se faire ? Les limites du Silence et d’Elle est là devraient permettre de mesurer la réussite de Pour un oui ou pour un non, modèle du logodrame sarrautien, condensé lumineux de son œuvre, qui est devenu un classique du répertoire. In 2024, Nathalie Sarraute’s first and last plays will be included in the French literature syllabus for the Agrégation. But theatre only concerns a specific period in this writer’s long career. And how to transpose to the stage the quest for indefinable inner movements, coupled with a reflexivity that shows a novel in the making? The limits of Silence and Elle est là should make it possible to measure the success of Pour un oui ou pour un non, a model of Sarrautian logodrama, a luminous condensation of her work, which has become a classic of the repertoire.
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