Italie dans Loxias

Articles

Loxias | Loxias 33 | I.

Giacomo Lubrano, un exemple d’« éloquence muette »

Il s’agit d’analyser une partie de l’œuvre en prose et en vers, en italien ou en latin, du poète-prédicateur baroque Giacomo Lubrano (1619-1693), dernier représentant du Baroque littéraire italien, en tant qu’expérience d’un silence poétique, par quoi le texte devient méditation de la lettre, apparition énigmatique d’un langage de chiffres, qui n’est rien d’autre qu’une invitation à l’écoute de la disparition de la langue. L’expérience de son « éloquence muette », pour reprendre un titre d’un de ses sermons (« La muta eloquenza… »), relève d’une part de l’esthétique baroque du ‘concetto’ et de la ‘meraviglia’, et, d’autre part, d’une vision moderne du langage poétique encore actuelle.

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Loxias | Loxias 34 | Doctoriales VIII

« Travailler fatigue », mais flâner est impossible : échos whitmaniens dans la poésie de Cesare Pavese

Nous étudions dans cet article l’empreinte laissée par le poète américain Walt Whitman et son recueil Feuilles d’herbe (Leaves of Grass) sur l’écriture poétique de Cesare Pavese, notamment dans le premier cycle de poèmes de Travailler fatigue (Lavorare stanca), écrits de 1930 à 1935. Il s’agit d’examiner non pas tant la présence de certains thèmes whitmaniens chez Pavese ou l’influence stylistique de Whitman sur sa poésie, que la façon dont Pavese s’éloigne du modèle des Feuilles d’herbe – ou, plus exactement, y renonce, admet l’impossibilité de le suivre. Si Whitman est au fondement de l’écriture poétique de Pavese, c’est moins comme une présence que comme une absence : Pavese poète échoue, en toute conscience, à être whitmanien, et c’est sur cet échec que se construit son écriture poétique. Là où la poésie de Whitman est flânerie exaltante, celle de Pavese est ainsi condamnée à rester fatigue du travail. Our goal in this article is to study the trace that American poet Walt Whitman and his collection Leaves of Grass has left on the poetic writing of Cesare Pavese, especially on the first-period poems of Hard Labor (Lavorare stanca) from 1930-1935. We will examine not so much the presence of certain Whitmanian themes in Pavese, or the stylistic influence of the American writer on the Italian one, as the way Pavese veers away from his American model – or rather renounces him as he understands the impossibility of following him. We can certainly find Whitman at the foundations of Pavese’s poetic writing, but more as an absence than a presence: Pavese as a poet fails, in complete awareness, to be Whitmanian, and builds his poetic style on this failure. If Whitman’s poetry is a magnificent idleness, Pavese’s then is condemned to remain a “hard labor”.

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Le port de Carthage dans l’Itinéraire de Chateaubriand et dans le Ragguaglio de Caronni

Une longue tradition attribue la découverte de l’emplacement exact de l’ancien port de Carthage, le Cothon, à M. de Chateaubriand qui en parle dans la dernière partie de son célèbre Itinéraire de Paris à Jérusalem (1811). Toutefois cette découverte est déjà présente dans le Ragguaglio del viaggio compendioso di un dilettante antiquario sorpreso da’ corsari condotto in Barberia e felicemente ripatriato (1805) œuvre, que Chateaubriand d’ailleurs connaissait, d’un abbé italien aujourd’hui presque oublié : Felice Caronni.

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Loxias | Loxias 38. | Doctoriales IX

Morales de la faim et stratégies d’écriture

La nourriture, vitale ou métaphorique, est un thème essentiel dans les Fables de La Fontaine, La Faim de Knut Hamsun, Si c’est un homme de Primo Levi, Mangeclous et Les Valeureux d’Albert Cohen. À travers ces œuvres, nous proposons de mettre au jour différentes problématiques du rapport entre faim, morale et écriture. Morals of hunger and writing strategies. Food, be it vital or metaphorical, is a key theme in the Fables of La Fontaine, Hunger by Knut Hamsun, Primo Levi’s If This is a Man, and Nailcruncher by Albert Cohen. Through these works, we shall bring to light various issues concerning the relationship between hunger, moral and writing.

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Loxias | Loxias 41 | I.

Vers une poétique des épaves. Fragments, notes et appunti dans Ali aux yeux bleus, La Divine Mimesis et Pétrole de Pier Paolo Pasolini

L’œuvre de l’écrivain et cinéaste italien Pier Paolo Pasolini (1922-1975) est souvent hanté par la problématique de la fragmentation et de l’inachèvement de la création littéraire. Dans les textes Alì dagli occhi azzurri (Ali aux yeux bleus, 1965), La Divina Mimesis (La Divine Mimesis, 1975) et Petrolio (Pétrole, publication posthume, 1992), il expérimente les potentialités et les limites d’une écriture discontinue et provisoire. Le choix de cette forme s’ancre dans son expérience concrète du travail artistique : c’est à travers la reprise et le remaniement des scories du processus de création que Pasolini arrive à construire ce que l’on pourrait appeler une « poétique des épaves », où l’œuvre se soustrait à l’impératif de l’achèvement pour laisser proliférer librement l’écriture. Pier Paolo Pasolini’s literary work constitutes an exploration of the fragmented and unfinished nature of literary production. In his texts Alì dagli occhi azzurri (1965), La Divina Mimesis (1975) and Petrolio (1992) Pasolini investigates the capabilities and limitations of writing that is discontinuous and transient. Ali dagli occhi azzurri and La Divina Mimesis see the author re-engage with and rework discarded drafts so as to create a “poetry of ruins” (poétique des épaves) that privileges the writing process over the final product. Petrolio, a posthumous novel, is rendered incomplete not only by Pasolini’s death but also by the author’s intent: conceived from the outset to be fragmented and incoherent, this work has an itinerant structure where the creative process becomes the formal model for Pasolini’s work. L’incompiutezza e la frammentazione dell’opera sono nodi centrali nella letteratura di Pier Paolo Pasolini. Nella raccolta Alì dagli occhi azzurri (1964) e nella Divina Mimesis (1975), lo scrittore, attraverso la selezione e la rielaborazione di frammenti di progetti letterari naufragati, sembra approdare a quella che si potrebbe definire una “ poetica dei relitti ”.Quest’ultima trova la sua più interessante realizzazione in Petrolio, un ammasso di appunti, pubblicato postumo nel 1992. Benché interrotto dalla morte di Pasolini nel 1975, questo romanzo si vuole programmaticamente provvisorio, discontinuo e caotico. I frammenti di cui si compone, gli appunti, ne sono il principale dispositivo formale. Petrolio si presenta come una struttura itinerante nella quale le dinamiche del processo di creazione prendono il sopravvento sulle logiche dell’opera compiuta.

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Une poétique du fragment : la poésie de Rodolfo Di Biasio

Présentant une organisation remarquablement homologue, Patmos (1995) et Poemetti elementari (2008) procèdent d’une écriture du fragment. Ainsi, le premier recueil propose une série de variations à partir de son poème initial : Fragments pour le poemetto de Patmos. Ensuite, par la prosodie, le genre du poemetto impose un cadre formel avec, notamment, un nombre réduit de « sections » numériquement composées. Enfin, dans leur présentation spatio-visuelle, la fragmentation graphique correspond à un amenuisement de l’écriture rarement atteint en poésie. La forme brève résulte d’une soustraction implacable, d’un effacement du langage réduit à ses ressorts élémentaires : ainsi de Poemetti elementari qui renoue avec la forme épigraphique d’inspiration latine. Organiquement composés, ces recueils sont à la fois achevés mais, non moins, inachevés puisque, entre eux, l’effet de reprise hypertextuelle inachève ce qui paraissait isolément clos. Although organized in a remarkably homologous way, Patmos (1995) and Poemetti elementari (2008) display a written form that is visibly fragmented. The former book can be read as a series of variations stemming from its first poem: Fragments for the Patmos Poem. Their fragmentation also pertains to the prosody involved: the poemetto as a genre imposes a formal framework within which a reduced number of "sections" are numerically arranged. Last, these poems are fragmentary through their spatio-visual dimension. Yet, this graphic fragmentation is related to a drastic verbal minimalism that is rarely achieved in poetry. Short and shattered verse results from a deliberate substraction, a self- imposed erasing of poetic language reduced to its elementary means: as exemplified by Poemetti elementari which draws from the Latin epigraphic genre. While organically composed, these two books are perfectly completed but, nonetheless, unfinished: the hypertextual relations make them incomplete, or open up what may have seemed, if read separately, as closed works.

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Loxias | Loxias 43. | I. Questions de Littérature comparée à l'agrégation de Lettres modernes

Thalie au miroir : héroïsme féminin et métathéâtralité

Cet article fait l’hypothèse d’une métathéâtralité spécifique à la comédie dans laquelle la question du genre revêt une importance significative. Induite par les conditions concrètes de la représentation sur la scène antique et élisabéthaine où les rôles féminins sont joués par des hommes, la part de jeu inhérente à la comédie interfère avec le topos du théâtre du monde, dont les incidences sur la métathéâtralité ont été soulignées d’emblée par l’inventeur de la notion de métathéâtre. Lorsque des protagonistes féminins occupent le devant de la scène, l’interrogation sur le jeu de l’acteur semble l’emporter sur la lecture métaphysique de la métaphore qui privilégie les fonctions de l’auteur et du spectateur, confondues en Dieu dans la lecture chrétienne du topos. Sous le signe du féminin, la comédie semble plutôt interroger les rôles sociaux et remettre en question la naturalité du genre.

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Loxias | 47. | I.

Le Guépard : Visconti lecteur de Lampedusa

Un cinéaste comme Visconti peut-il choisir de mettre en œuvre l’adaptation d’une œuvre littéraire, aussi esthétiquement exigeante en l’occurrence que Le Guépard, sans qu’au-delà des rationalisations de toutes sortes, n’intervienne une certaine identification à Lampedusa ? Comment lit-il et transpose-t-il le roman en 1963 ?

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Loxias | 51 | Programme de littérature au baccalauréat, Terminales littéraires

Œdipe de Sophocle à Pasolini : l’héritage en question

Le film de Pier Paolo Pasolini, Œdipe-Roi, sorti en 1967, est en partie adapté de la pièce de Sophocle du même titre (ou presque), datée entre 430 et 420 avant notre ère. Outre la pièce grecque, le film se construit sur un matériau complexe : biographie du poète et cinéaste, essai de Freud sur « Le matériel du rêve et les sources du rêve » dans L’Interprétation du rêve (1900), Hamlet (1601) de Shakespeare, et son adaptation cinématographique par Laurence Olivier (1948), sans oublier la dernière pièce de Sophocle, Œdipe à Colone. Moins disparate qu’il n’y paraît, ce matériau complexe permet à Pasolini de poser une question essentielle, à la fois personnelle et politique : qu’est-ce que l’héritage ? peut-on y renoncer ?

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Loxias | 66. | I.

Plurilinguisme et musique : tour de Babel et châteaux de sons

La présente étude a pour vocation de mettre à jour la teneur des rapports qui se nouent entre les langues et la musique dans l’œuvre de quatre poétesses de la modernité, toutes plurilingues, Marina Tsvetaeva, Alejandra Pizarnik, Amelia Rosselli et Michèle Finck. Il s’agit de montrer comment la musique intervient dans un contexte où le plurilinguisme apparaît comme une ressource poétique mais aussi comme un vecteur de troubles dans le rapport des poétesses au langage et au réel. Si le plurilinguisme confine parfois à l’alinguisme, il est à l’origine d’une parole poétique qui porte l’espoir de se constituer en langue propre, notamment par le recours aux ressources de la musique. Il s’agit aussi d’explorer dans cet article la présence de la métaphore architecturale, pour montrer comment les poétesses érigent des édifices poétiques fondés sur le son, à partir des restes de la tour de Babel.

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Loxias | 72. | I.

Principales tendances dans l’évolution de la poésie visuelle russe actuelle : histoire et théorie

Cet article dresse un panorama historique et épistémologique de la poésie visuelle russe du début du XXe au début du XXIe siècle. La première partie décrit la production artistique (mouvements, artistes œuvres) et son organisation (revues, manifestes, expositions,) en trois temps : avant-garde (futurisme), passage de l’époque soviétique à l’essor post-Pérestroïka (poésie concrète, poésie visuelle, art postal), structures de valorisation. La seconde partie examine la production actuelle au crible des classifications proposées par les historiens (poésies post-figurée, post-concrète et post-poesia visiva), les critiques (poésie asémique, poésie post-conceptuelle) et les chercheurs (genre, forme, langue). En ressortent la capacité à se renouveler en exploitant la tradition, le métissage croissant des différents genres de poésie visuelle, la participation aux mouvements artistiques internationaux, et l’utilisation des outils numériques. This article provides a historical and epistemological overview of Russian visual poetry from the beginning of the 20th to the beginning of the 21st century. The first part describes artistic production (movements, artists’ works) and its organization (reviews, manifestos, exhibitions,) in three stages: avant-garde (futurism), transition from the Soviet era to the post-Perestroika boom (poetry concrete, visual poetry, postal art), valorization structures. The second part examines current production through the lens of classifications proposed by historians (post-figurative, post-concrete and post-poesia visiva), critics (asemic poetry, post-conceptual poetry) and researchers (genre, form, language). This shows the ability of Russian visual poetry to renew itself by exploiting tradition, growing blending of different genres of visual poetry, participation in international artistic movements, and the use of digital tools.

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Loxias | 75. | I.

La figure de Camille au livre V de l’Ab Vrbe condita : de l’élaboration d’un personnage à la construction de la vérité historique livienne

Nous verrons comment le personnage de Camille s’impose progressivement comme central dans le livre V de l’Ab Vrbe condita, en analysant les divers dispositifs déployés pour construire le personnage (de la simple notation à la scène détaillée), ainsi que la maîtrise de la parole et de la loi qui lui est conférée. Ces procédés, tout comme l’étude des regards et émotions qui façonnent le personnage (ceux des protagonistes du récit, collectifs ou individuels ; celui du narrateur, riche de sa connaissance de l’histoire de Rome et porteur d’un rôle moral), ou encore l’intertextualité, montrent que le caractère et les valeurs qui lui sont liés le placent dans la typologie de ces grands hommes qui ont fait la grandeur de Rome, les summi uiri ; toutefois, Camille semble parfois excéder ce cadre et atteindre une dimension plus individuelle, celle du protagoniste de la tragédie ou de l’épopée, dessinant un Camille héroïco-mythique. À travers l’élaboration du personnage, nous pourrons ainsi étudier la construction de la vérité historique livienne, qui repose sur l’articulation de plusieurs traditions, pour créer cette tension latente mais contenue entre individuel et collectif. We will see how Camillus’ character emerges as a key figure in the book 5 of the Ab urbe condita, thanks to the analysis of the different means to build the character (from notation to scene), and to his mastery of speech and law. These ways, with the study of looks and emotions which help to shape his figure (these of the narrative protagonists, who are individual or collective; these of the narrator, with his knowledge of Roman history and his moral role), or intertextuality, show that through his personality and values he belongs to the typology of these great men who made Rome great, summi viri. Yet Camillus sometimes seems to exceed this pattern and to reach the more individual dimension of the tragic or epic figure; he thus appears as a heroico-mythic Camillus. Therefore, through the development of the character, we will be able to study the construction of the livian historical true which is based on the articulation of several traditions, in order to create this latent but restrained tension between individual and collective.

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Loxias | 77. | I.

La nourriture dans le roman Casalinghitudine de Clara Sereni : un langage extra-verbal structurant

Dans son roman Casalinghitudine (1987), un livre de recettes autobiographique, Clara Sereni utilise la nourriture comme un langage extra-verbal. Il s’agit dans cet article d’analyser la fonction structurante de ce langage, en montrant qu’il permet de mettre de l’ordre dans un vécu apparemment chaotique tout en lui donnant du sens. Ce faisant, l’autrice surmonte sa crise identitaire et parvient à assumer son identité multiple. In her novel Casalinghitudine (1987), an autobiographical cookbook, Clara Sereni uses food as an extra-verbal language. This article analyses the function of this language as a structuring element that allows her to bring order to an apparently chaotic experience while giving it meaning. By doing so, the author overcomes her identity crisis and manages to reconcile her different and diverging identities.

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Loxias | 81. | I.

Une lecture du Nerone (1868-1918) « Tragedia Lirica » d’Arrigo Boito au regard d’Il Nerone, ossia l’Incoronazione di Poppea (1642) de Claudio Monteverdi (1567-1643) et des Tragédies en musique (1673-1687) de Jean-Baptiste Lully (1632-1687)

Deuxième et ultime opéra d’Arrigo Boïto librettiste et compositeur, Nerone, Tragedia lirica occupa A. Boïto de 1869 à 1870 pour la rédaction du livret et jusqu’à sa mort pour la composition musicale laissée inachevée. Inspiré des Annales de Tacite, le Nerone de Boïto est marqué par les intrigues politiques, les stratégies amoureuses, les calculs cyniques et l’amoralité, tout comme le fut, 300 ans auparavant, celui de Claudio Monteverdi (1567-1643), fraîchement redécouvert en 1883. Cette lecture en diptyque des deux Nerone posera la question des choix qui président à la rédaction d’un texte écrit pour la mise en musique, tout comme elle montrera ce qui rapproche musicalement les deux compositeurs italiens. Par ailleurs, le Nerone d’A. Boïto créé en 1924 et sous-titré « Tragedia lirica » ne reprend-il pas les idées mises en œuvre dans les tragédies lyriques (1673-1687) de Jean-Baptiste Lully ? Second and last opera of A. Boïto librettist and composer, Nerone, Tragedia lirica occupied A. Boïto from 1869 to 1870 for the writing of the libretto and until his death for the musical composition, although left unfinished. Inspired by the Annals of Tacitus, Boito’s Nerone is marked by political intrigues, amorous strategies, cynical calculations and amorality, just as was, 300 years ago, Cl. Monteverdi’s work, just rediscovered in 1883. This diptych reading of the two Nerone’s will raise the question of the choices that preside over the writing of a text written for music, just as it will show what brings together the two Italian composers musically. Moreover, doesn’t A. Boïto’s Nerone, created in 1924 and subtitled “Tragedia lirica”, take up the ideas implemented in the lyrical tragedies (1673-1687) of J. B. Lully ?

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